Владимир Яценко — украинский художник эпохи соцреализма

Жизненный путь

Украинский художник, автор искусствоведческих работ. 
Яценко Владимир Федосеевич родился 21 апреля 1915 года в селе Савкивка Черкасской области. 
Начальное художественное образование получил с 1931 по 1937 год в Харьковском художественном техникуме, где его преподавателями были А. Кокель, Й.З. Владимиров, М.Я. Козик. 
В 1937 году поступил в Харьковский художественный институт, где учился в мастерской Николая Семеновича Самокиша, у которого был любимым учеником. Своему учителю Яценко в 1954 году посвятил монографию «Н. С. Самокиш», а 1979 году — альбом «Николай Самокиш». 
Художник также посещал мастерские Ф. Кричевского, С. Прохорова, М. Шаронова. 
Завершил обучение в 1942 году в эвакуации, в Самарканде. Там познакомился с В. Касияном, И. Штильман, И. Грабарем, С. Герасимовым, Д. Моором, В. Фаворским, П. Покаржевским. 
Член Союза художников СССР с 1943 года. 
Участник многочисленных выставок. 
Вернувшись в Харьков, с 1944 по 1952 год занимал должность директора Харьковского художественного музея, проводил его реконструкцию. 
С 1945 по 1946 год Яценко Владимир Федосеевич преподавал в Харьковском художественном институте. 
В начале 1950-х годов художник переезжает в г. Киев. 
В 1961 году получил звание Заслуженного деятеля искусств. 
С 1970 по 1989 год Яценко В.Ф. возглавлял Государственный музей украинского изобразительного искусства. 
Награжден двумя орденами Трудового Красного Знамени, медалями, Почетной грамотой Президиума Верховного Совета УССР ( 1964, 1975 г.г. ), Почетной грамотой Совета Министров Украины ( 1999 год ). 
Умер 23 октября 2010 года в Киеве. 
Работы Яценко В.Ф. хранятся в музеях, галереях и частных коллекциях Украины и за ее пределами.

 

Выставка работ

Яценко В.Ф. :: Біля Каховської пристані :: 
1951 год

Яценко В.Ф. :: Напровесні ::
1953 год

Яценко В.Ф. :: В порту Іллічівську :: 
1968 год

Яценко В.Ф. :: На луках. Пора сінокосу ::
1969 год

Яценко В.Ф. :: Золоті берізки ::
1970 год

Яценко В.Ф. :: Голубий світанок :: 
1975 год

Яценко В.Ф. :: У полі ::
1982 год

Яценко В.Ф. :: На місцях легендарних боїв ::
1984-1985 г.г.

Яценко В.Ф. :: Рідні лани :: 
1984 год

Мария Мериан — немецкая художница и гравер, энтомолог

Жизненный путь

Художница, гравер, натуралист, путешественница – Мария Мериан была удивительной женщиной, обладавшей талантливой и многогранной натурой. Всю свою жизнь она посвятила научной деятельности, избрав науку, к которой большинство её современников относилось с отвращением и презрением. Мериан прославилась страстью к изучению насекомых и оставила заметный след в истории и энтомологии, талантливо совмещая с это с живописью.

Картинки по запросу Мария Мериан

Мария Сибилла Мериан (нем. Maria Sybilla Merian) родилась 2 апреля 1647 года в немецком городе Франкфурт-на-Майне, в семье книгоиздателя и гравёра, который отошёл в мир иной, когда малышке Марии было всего два года от роду. После себя он оставил многочисленное потомство и множество прекрасных книг с гравюрами на историческую и библейскую тематику. Воспитанием девочки занимался отчим, весьма талантливый художник – он одним из первых заметил способности девочки к рисованию и занялся её образованием. Под его руководством она успешно овладела мастерством художницы. Мать Марии организовала маленькую мастерскую по производству шелка. Этот бизнес по тем временам в Германии считался экзотическим, но, тем не менее, приносил семье неплохую прибыль. В нём были заняты все члены семьи, Мария лично ухаживала за насекомыми, сортировала их при помощи бумажных кулечков. И ей это нравилось, она рассматривала и зарисовывала насекомых. В семнадцать лет девушка вышла замуж за одного из учеников отчима – Иоганна Графа, который также занимался живописью. Несмотря на наследство мужа в виде типографии и мастерской, семья испытывала материальные трудности. Тогда Мария, устав от нужды, решила сама зарабатывать. Она создала особенную краску, которая со временем не выгорала и не теряла первоначальный цвет. Этой краской она расписывала скатерти, выбирая модные цветочные орнаменты. Очень быстро её красивые скатерти, которые к тому же не теряли свой вид после стирки и сушки, стали очень популярны. Марию буквально завалили заказами, но она не остановилась на достигнутом. Вскоре художница создала пособие цветочных узоров для любительниц вышивки, которое также пользовалось успехом.

Картинки по запросу Мария Мериан

Но не забыла она и о своём увлечении, продолжая с интересом наблюдать за насекомыми и делать зарисовки. Постепенно Мериан стала «профессиональным» энтомологом, не уступая в знаниях ученым мужам. В своем саду она собирала гусениц и насекомых, чтобы хорошенько рассмотреть и изучить, а потом и скрупулёзно зарисовать. Результатом этого систематического наблюдения стала «Книга о гусеницах».

Картинки по запросу Мария Мериан

В те времена люди мало знали о появлении бабочек, Мериан же словно на фотографической пленке фиксировала все, что касалось их жизни. Результатом кропотливого труда художницы стал уникальный труд – книга «Удивительное превращение гусениц и необычное питание цветами прилежно исследовала, кратко описала, зарисовала с натуры, гравировала и издала Мария Сибилла Граф». Издание книги было смелым шагом, ведь современникам художницы интерес к насекомым казался странным и непонятным, и даже греховным. Поскольку насекомые считались чуть ли не порождением дьявола. Несмотря на успех, в семейной жизни художницы наступил кризис. В 1685 году она с двумя дочками ушла от мужа, переехала в Нидерланды и полностью посвятила себя любимому делу.

Картинки по запросу Мария Мериан

А еще зажглась желанием посетить Америку. Ее влекла жажда к новым открытиям, к изучению насекомых с далекого неизведанного континента. О путешествиях Мериан сохранилось мало сведений, однако, благодаря поездке в Южную Америку (1699-1701), где она занималась исследованиями в верховьях реки Суринам, Мария вошла в историю как одна из первых отважных первопроходцев и исследователей той эпохи. Весь дом Мериан был заставлен ящиками с насекомыми, которых местное население каждый день приносило странной даме в огромном количестве. Она же щедро платила аборигенам за гусениц, жучков, червячков и других насекомых. За два года у нее собралась бесценная энтомологическая коллекция, равных которой по тем временам было не найти.

Картинки по запросу Мария Мериан

Мария Мериан ушла из жизни в преклонном возрасте – она скончалась 13 января 1717 года в Амстердаме (Нидерланды) после тяжелой болезни. Дело её жизни продолжили дочери, которым Мериан сумела привить интерес к науке и любовь к миру насекомых. Гравюры художницы и сегодня не знают себе равных по точности и красоте зарисовок. 

Картинки по запросу Мария Мериан

Картинки по запросу Мария Мериан цитаты

Картинки по запросу Мария Мериан цитаты

Картинки по запросу Мария Мериан цитаты

Казимир Малевич — художник-абстракционист

Жизненный путь

В советское время на протяжении многих лет имя Казимира Малевича находилось под негласным запретом. Сам художник в течение своей жизни также немало способствовал тому, чтобы максимально запутать факты личной и творческой биографии, предельно затруднить любые попытки внешнего проникновения в то удивительное явление, тот сгусток тонкой психической энергии, который мы называем Казимиром Малевичем.

Казимир Северинович Малевич родился (11) 23 февраля 1878 года близ Киева. Однако есть и другие сведения о месте и времени его рождения. Родители Малевича были поляками по происхождению. Отец работал управляющим на сахарном заводе известного украинского промышленника Терещенко (по другим данным отцом Малевича был белорусский этнограф и фольклорист). Мать была домохозяйкой. У четы Малевичей родилось четырнадцать детей, но только девять из них дожили до зрелого возраста. Казимир был первенцем в семье. Рисовать начал учиться самостоятельно, после того, как в возрасте 15 лет мать подарила ему набор красок. В возрасте 17 лет некоторое время провёл в Киевской художественной школе. В 1896 году семья Малевичей обосновалась в Курске. Там Казимир работал мелким чиновником, но бросил службу ради карьеры художника. Первые работы Малевича написаны в стиле импрессионизма. Позже художник стал одним из активных участников футуристических выставок. Был ли Малевич всего лишь художником-недоучкой? Достиг бы он высоких творческих вершин, если бы пытался реализовать свой талант в классических направлениях живописи? Эти вопросы никогда не найдут своего ответа. Приход Малевича был обусловлен временем. Предреволюционное, зыбкое время уже выводило на сцену новое поколение творцов. Казимир Малевич очень тонко и остро чувствовал эти нарастающие подводные течения судьбы и умел попадать в самый эпицентр их круговорота, всякий раз успешно оказываясь на поверхности. Полуграмотный самоучка, ставший всемирно известным художником, директором Ленинградского государственного института художественной культуры, автором целого ряда теоретических изданий, создателем собственного направления в изобразительном искусстве (супрематизма), Казимир Северинович не был случайным человеком. Ловко лавируя в событийных потоках, Малевич поражал современников своей уникальной способностью поляризовать, наполнять энергией окружающее его пространство. Его произведения всегда вызывали и продолжают вызывать постоянные споры и столкновения самых противоположных точек зрения. Известный в России, в основном, как автор «Черного квадрата», за границей он стал подлинным символом революционного искусства. Малевич умер 15 мая 1935 в Ленинграде. Творческое наследие художника до сих пор не получило и вряд ли когда-либо получит какую-то однозначную оценку специалистов и поклонников живописи. Однако его гигантский масштаб не могут отрицать даже самые ярые противники Казимира Малевича. 

Картинки по запросу Казимир Малевич

Некоторые работы 

Картинки по запросу Казимир Малевич

Картинки по запросу Казимир Малевич

Картинки по запросу Казимир Малевич

Картинки по запросу Казимир Малевич

Картинки по запросу Казимир Малевич

Картинки по запросу Казимир Малевич

Картинки по запросу Казимир Малевич

Похожее изображение

Картинки по запросу Казимир Малевич

Картинки по запросу Казимир Малевич

Картинки по запросу Казимир Малевич

Похожее изображение

Картинки по запросу Казимир Малевич

Иван Шишкин — русский художник-пейзажист

Жизненный путь

Иван Иванович Шишкин, один из крупнейших мастеров реалистической пейзажной живописи, родился (13) 25 января 1832 года в провинциальном городе Елабуге, в небогатой купеческой семье. Вид в окрестностях Петербурга В 1844 году отец отдал мальчика в казанскую гимназию, там будущий художник нашел себе несколько товарищей, с которыми «мог рисовать и рассуждать» об искусстве. В 1852 году Шишкин поступает в Московское училище живописи и ваяния, где получает хорошую подготовку. В 1856-1860 годах он продолжает обучение в Петербургской Академии художеств. Успехи молодого художника отмечены золотыми и серебряными медалями. Стремление к «верности, сходству, портретности изображаемой природы» проявляется уже в ранней работе «Вид в окрестностях Петербурга» (1856, Государственный Русский музей).

Картинки по запросу «Вид в окрестностях Петербурга» (1856, Государственный Русский музей)

Утро в сосновом бору В 1858-1859 годах

Картинки по запросу Иван Шишкин

Шишкин часто бывает на Валааме, суровая, величественная природа которого ассоциировалась у юноши с природой родного Приуралья. В 1860 году за два валаамских пейзажа Шишкин получает Большую золотую медаль и право на заграничную командировку. За границу Шишкин едет только в 1862 году. Берлин и Дрезден не произвели на него особого впечатления. Оживился Шишкин лишь в Праге. Он восхищается рисунками «славянских типов» Йозефа Манеса, в 1863 году в Цюрихе он знакомится с техникой офорта. Вскоре он начинает работать в лесу близ Дюссельдорфа. Исполненные пером рисунки привлекли внимание многочисленных ценителей искусства. В 1865 году Шишкин возвращается в Россию и за картину «Вид в окрестностях Дюссельдорфа» (1865, Государственный Русский музей) получает звание академика.

Картинки по запросу Иван Шишкин Вид в окрестностях Дюссельдорфа» (1865,

Далее он пишет немало картин с видами национальных пейзажей.

Прогулка в лесу. 1869.

Картинки по запросу Иван Шишкин «В лесной глуши»

«Рубка леса»,

Картинки по запросу Иван Шишкин «Рубка леса»,

«При закате»,

Похожее изображение

 

«Полдень в окрестностях Москвы»,

Картинки по запросу Иван Шишкин «Полдень в окрестностях Москвы»,

«Сосновый бор»

Картинки по запросу Иван Шишкин «При закате»,

и «В лесной глуши» – за последнюю в 1873 году получает звание профессора. 

Картинки по запросу Иван Шишкин «Лесная глушь» 1873

Рожь. 1878

Картинки по запросу Иван Шишкин «При закате»,

Дубовая роща, 1887

Картинки по запросу Иван Шишкин «В лесной глуши»

Творческая деятельность Ивана Ивановича Шишкина была завершена величественной композицией «Корабельная роща» (1898, Государственный Русский музей), в которой опыт и мастерство художника выразили неизгладимые впечатления детства.

Картинки по запросу Иван Шишкин Корабельная роща

(8) 20 марта 1898 года в Петербурге талантливый художник Иван Иванович Шишкин скончался. Его картины и сегодня пользуются заслуженным успехом и вниманием. 

Поль Сезанн — французский художник-постимпрессионист

Жизненный путь

Поль Сезанн родился 19 января 1839 года во Франции, в городе Экс-ан-Прованс, в состоятельной буржуазной семье. Учился в коллеже Бурбон, где познакомился с Эмилем Золя, будущим знаменитым писателем. Затем Поль поступил в университет Экса, но ушёл из него, чтобы полностью посвятить себя живописи. Несмотря на то, что его отец не одобрял поступка сына, тем не менее, он не отказывал ему в средствах, которых вполне хватало на жизнь. Первый период творчества художника (1860-1872) называется барочным, или романтическим. К этому периоду относятся работы «В комнатах», «Девушка у пианино».

Картинки по запросу Поль Сезанн «В комнатах»

Сезанн учился в Школе Изящных Искусств Экс-ан-Прованса, а затем побывал в Париже, где познакомился с художниками-импрессионистами Писсарро, Ренуаром, Моне и Сислеем. Наступил второй период в творчестве Сезанна – импрессионистский. Участие в нескольких импрессионистских выставках оказалось для Сезанна неудачным, и он стал искать свою собственную манеру живописи. В этом ему помог Камиль Писарро, который оказался неплохим педагогом. К этому периоду относится натюрморт «Букет цветов в голубой вазе».

Картинки по запросу Поль Сезанн картина «Букет цветов в голубой вазе»

Вершиной мастерства художника стали картины, написанные им в 1879-1888 годах, в так называемый конструктивный период.

Это «Пьеро и Арлекин»,

Картинки по запросу Поль Сезанн картина «Пьеро и Арлекин»

«Фрукты».

Картинки по запросу Поль Сезанн картина«Фрукты».

Натюрморт с корзиной фруктов

Натюрморт

Следующий период принято называть синтетическим (1888-1899). Сезанн создает знаменитые сюжетные, портретные и пейзажные полотна («Купальщики»,

картина Купальщицы

«Дама в голубом»)

Похожее изображение

и натюрморты («Натюрморт с драпировкой»).

Картинки по запросу Поль Сезанн картина «Натюрморт с драпировкой»

С 1900 года Сезанн пишет спонтанные картины, то есть без заранее придуманной композиции. В это же время к нему приходит признание, он выставляет свои картины на Всемирной выставке в Париже. Поль Сезанн скончался 22 октября 1906 года в родном городе Экс-ан-Провансе, после продолжительной болезни. Знал бы Сезанн, каким баснословным эквивалентом оценят потомки его талант. Натюрморт «Занавес, кувшин и блюдо с фруктами» (1893—1894) находится на шестом месте в списке 500 самых дорогих произведений искусства, проданных за последние 20 лет. Стоимость этой картины в момент последней продажи в 1999 году составила 60,5 миллиона долларов США!

Похожее изображение

А при жизни сам мастер считал большой удачей, если продавал свои холсты по 40 франков (20 франков в месяц в конце 19 века стоила комната в Париже, а за 10 франков в месяц художник мог обеспечить себя красками и холстами).

Похожее изображение

«Художники должны полностью посвящать себя изучению природы и пытаться создавать картины, которые бы являлись наставлением. Разговоры об искусстве почти бесполезны. Работа, которая помогает человеку достичь успеха в своем деле, является достаточной компенсацией за непонимание, проявляемое глупцами. Литератор выражает себя абстракциями, тогда как художник конкретизирует свои ощущения и восприятия посредством рисунка и цвета. Художник не должен быть чересчур скрупулезным, или чересчур искренним, или чересчур зависимым от натуры; художник является в большей или меньшей степени хозяином своей модели, а главным образом — своих средств выражения».

 Поль Сезанн

«Натюрморт с цветами и фруктами»

натюрморт Поля Сезанна

 

Анри Матисс — французский художник

Жизненный путь

Анри Матисс родился 31 декабря 1869 года в Ле-Като во Франции. В 23 года он уезжает в Париж для обучения. В столице посещает различные художественные школы, студии и салоны, даже попадает в ученики в мастерскую Гюстава Моро в Школе изящных искусств. В 1904 году пишет свой первый шедевр: «Роскошь, покой и наслаждение». 

Картинки по запросу Анри Матисс «Роскошь, покой и наслаждение». 

В начале своего творческого пути использует технику пуантилизма, при которой изображение формируется из точек красок чистых цветов. Позднее отказывается от этой техники живописи в пользу экспериментальной техники широких динамичных мазков. В 1905 году он выставляет свои работы в Париже в «Осеннем салоне». Выставка пользуется большой популярностью, критики прозвали Матисса и художников, с которыми он организовал выставку, «Fauws» – «Дикие». Постепенно утверждается его неповторимый стиль, сочетающий фирменный мазок с экспрессией цвета, отход от традиционных форм и перспективы. На следующий год Матисс увлекается декором в мусульманской традиции. Его привлекают линейный орнамент, яркость цветов и загадка Востока.

Анри Матисс. Танец (II)

В 1912 году Матисс уезжает в Марокко, где проводит две зимы. Результатом этих поездок стали картины, наполненные необычными красками и высоким контрастом света, например: «Бербер». В 1921 году художник переселяется в Ниццу, где создает знаменитую серию «Одалиски». Там же он увлекается рисованием интерьеров, применяет куски раскрашенной бумаги для выстраивания художественного эффекта.

Картинки по запросу Анри Матисс Одалиски

Картинки по запросу Анри Матисс Одалиски

Анри Матисс. Поднятое колено (Сидящая одалиска)

Фирменной чертой его картин того времени является прием расширения внутреннего пространства полотна.

Анри Матисс. Синие глаза

Типичные примеры — «Музыка», написанная в 1939 году,

Картинки по запросу Анри Матисс «Музыка»

и «Румынская блуза», созданная в 1940 году.

Картинки по запросу Анри Матисс «Румынская блуза»

В конце жизни полотна Матисса вновь становятся насыщенными цветом, он уделяет внимание проработке границ света и тьмы, внутренних пространств полотна и внешних: «Красный интерьер, натюрморт на синем столе»,

Картинки по запросу Анри Матисс «Красный интерьер, натюрморт на синем столе»

«Египетский занавес».

Картинки по запросу Анри Матисс «Египетский занавес».

В эти годы он также работает над витражами часовни Розового Венца в Вансе, спонсором строительства которой был он сам. 3 ноября 1954 года в возрасте 84 лет художник умер недалеко от Ниццы в местечке Симеизе. 

Кстати, о счастье в жизни французского художника

Брак мастера был заключен по большой любви. И его можно описать словами «Амели очень старалась». У Матиссов было двое сыновей. Кроме того, внебрачная дочь французского художника Маргарет, которую до встречи с Амели родила одна из его натурщиц, тоже жила в семье. Амели мечтала помогать мужу во всем, быть с ним рядом, она хотела, чтобы и в творчестве Анри Матисса, и в их доме звучало «мы». Но если в начале их брака так и было,то со временем она поняла, что не сможет занять в сердце мужа место хотя бы такое же, какое занимает живопись. А уж если у него что-то не ладилось в работе, то мало не показывалось никому… Увлечения Матисса «одалисками» тоже брак не укрепляли. 

Когда в 1932 году порог их дома переступила претендентка на роль помощницы и секретаря,русская эмигрантка Лидия Делекторская, мадам Матисс оставалась совершенно спокойна — светловолосая голубоглазая Лидия совсем не в его вкусе. Художник всегда предпочитал брюнеток, такой была и сама Амели, и многочисленные «одалиски». Когда через некоторое время мадам Матисс понадобилась компаньонка и сиделка, она сама вспомнила об этой русской. Лидия за ней ухаживала, а Амели жаловалась на разлад отношений с мужем. Однажды Матисс зашел в комнату жены, что-то говорил, о чем-то спрашивал, взгляд его привычно скользнул по Лидии, и вдруг… «Не двигайтесь!» Вышел за альбомом и начал рисовать. Он словно впервые увидел ее, а мадам Матисс — впервые ощутила опасность от присутствия этой голубоглазой красавицы.

…Жена художника долго, очень долго молча смотрела на портрет Лидии. Затем тихо сказала: «Или я, или она». Анри Матисс выбрал семью. Лидия ушла. А художник обнаружил, что без нее уже не может. Лидия вернулась, и тогда ушла Амели. В 1940 году они развелись. Лидия была рядом до последнего его дня. Она вспоминала: «На протяжении 20 лет я была светом его очей, а он — смыслом моей жизни…». На момент их знакомства Лидии исполнилось 22 года, Матиссу — 62.
Анри Матисс. Портрет Лидии Делекторской

Капелла Четок и что ей предшествовало

Передавая на картинах исключительно радость, в жизни французский художник Анри Матисс сталкивался с болью и физической, и душевной. Во время Второй мировой войны его дочь Маргарита как участница французского Сопротивления были угнана в концентрационный лагерь в Германию, мадам Матисс за печать листовок приговорена к шести месяцам тюрьмы. Сам Анри во время войны жил в Вансе и сходил с ума от беспокойства за родных. Все они остались живы. 

В 1941 году французский художник перенес тяжелейшую операцию, у него обнаружился рак кишечника. Как выяснилось после — шансов на удачный исход было крайне мало. Матисс просил доктора подарить ему еще года 3−4 — столько планов хотелось реализовать! Он прожил еще 13 лет. Во время болезни за ним ухаживала монахиня, которая и попросила подправить ее эскизы витражей для монастырской Капеллы Четок в Вансе. Матисс увидел в этом предзнаменование и разработал полностью оформление капеллы. «Верю ли я в бога? Да, когда работаю!», — заявил он. Когда состояние здоровья более не позволило вставать к холсту, он прикреплял уголь к палке и работал таким образом. Оформление капеллы он считал своим главным достижением и сбывшейся мечтой. 

1 ноября 1954 года у французского художника случился микроинсульт. А на следующий,предпоследний день его жизни, Лидия Делекторская, свет очей его, пришла к нему в высоком тюрбане и, глядя на осунувшегося Матисса, с грустью и бесконечной нежностью пошутила: «В другой день вы бы сказали: давайте карандаш и бумагу». Мастер улыбнулся и велел: «Давайте карандаш и бумагу».

Клод Моне

Жизненный путь

Клод Оскар Моне родился 14 ноября 1840 года в Париже, в семье бакалейщика. В раннем детстве семья переехала в Нормандию. Здесь мальчик увлекся живописью. Его любимым жанром были карикатуры. Работы Моне замечает пейзажист Э.Будена и дает уроки мальчику на свежем воздухе.

«Завтрак на траве» (1865)

Картинки по запросу Клод Моне "Завтрак на траве" (1865)

После армии Моне поступил на факультет искусств, но вскоре бросил университет и начал заниматься в студии живописи Шарля Глейра. Одновременно студию посещали Огюст Ренуар и Фредерик Базиль. Все вместе они стали основой движения импрессионистов. Название направлению дала картина Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (Impression, soleil levant), написанная после поездки в Англию и Голландию в 1872 году.

Картинки по запросу Клод Моне «Впечатление. Восходящее солнце»

Первой известной работой художника, дошедшей до наших дней, стал портрет его будущей жены Камиллы «Камилла, или портрет дамы в зелёном платье» (1866).

Картинки по запросу Клод Моне «Камилла, или портрет дамы в зелёном платье» (1866).

Перед этим Моне написал картину «Завтрак на траве», но сохранилась лишь ее уменьшенная копия.

«Поле маков» (1873)

Картинки по запросу Клод Моне "Поле маков" (1873)

Художник создал такие шедевры, как «Сирень на солнце»,

Картинки по запросу Клод Моне «Сирень на солнце»

«Поле маков у Аржантея»,

Картинки по запросу Клод Моне «Поле маков у Аржантея»

«Вокзал Сен-Лазар»,

Картинки по запросу Клод Моне «Вокзал Сен-Лазар»,

«Стога».

Картинки по запросу Клод Моне «Стога»,

После смерти первой жены Моне женится второй раз. В итоге он пережил и вторую жену, и своего старшего сына. В 1920-х годах у художника прогрессирует катаракта, он переносит две операции. Умер Клод Моне 5 декабря 1926 года в Живерни на 87-м году жизни. 

Картинки по запросу Клод Моне цитаты

Пабло Пикассо

Жизненный путь

Испанский художник, скульптор, график, керамист и дизайнер, родился 25 октября 1881 года в Малаге, шумном портовом городе на юге Испании. Голубой период. Девочка на шаре Отец Пикассо был преподавателем живописи. В семье было четверо детей, Пабло был старшим. В 1895 году семья переехала в Барселону, где отец стал работать в художественной школе Ла Лонха. Пикассо начал учиться именно там, а в 1897 году продолжил образование в мадридской Академии изящных искусств. В 16 лет он вернулся в Барселону и организовал собственную студию. Пабло был на редкость самоуверенным юношей и не сомневался в том, что сумеет добиться грандиозного успеха. Подобно всем амбициозным художникам того времени, Пикассо мечтал попасть в Париж. Его мечта сбылась в 1900. В 1904 он окончательно обосновался в Париже. 1900-1904 называют «голубым периодом» в творчестве Пикассо, поскольку большинство созданных им в эти годы картин написано в холодных голубых тонах. Розовый период «Голубой период» сменился кратковременным «розовым», когда художник предпочитал более теплую гамму. Следующий период его творчества отмечен дружбой с художником Жоржем Браком. В результате их сотрудничества сложилось новое направление в живописи – кубизм. В 1917 году художник посетил Рим, где работал над декорациями и костюмами к балету «Парад» в постановке Сергея Дягилева. Здесь Пикассо влюбился в Ольгу Хохлову, одну из танцовщиц русской труппы. Купальщицы Они поженились в 1918 году. В 1921 году у Пабло и Ольги родился сын Поль, однако их брак счастливым не назовешь. По сути, он кончился в январе 1927 года, когда Пикассо увлекся 17-летней Мари-Терез Вальтер. Самому мэтру было тогда 45. В 1935 году у Мари-Терез родилась девочка, которую назвали Майей. Брак Пикассо с Ольгой, заключенный по испанским законам, не мог быть расторгнут. Ольга и Пабло формально оставались мужем и женой вплоть до смерти Ольги в 1955 году. Но не сложились и отношения Пикассо с Мари-Терез. После нее у художника были еще музы – Дора Маар и Франсуаза Жило (они прожили вместе 10 лет, и родили двоих детей), Жаклин Рок (на которой художник женился). Даже перевалив за восьмой десяток лет, Пикассо продолжал энергично работать. При этом в последние свои годы он крайне редко появлялся на людях, предпочитая тихую уединенную жизнь в обществе Жаклин. Умер Пабло Пикассо 8 апреля 1973 года в возрасте 91 года и был похоронен в старинном замке Вовенарг, где жил и работал в 1958-1961 годах.

Обзор творчества

Уже с 7 лет мальчик дописывал некоторые детали на картинах отца (первой такой работой были лапки голубей). В 8 лет была написана первая серьезная картина маслом под названием «Пикадор».

Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)

Portret materi (1896)

«Портрет матери» 1896

Pervoe prichastie (1896)

«Первое причастие» 1896

"Испанская пара перед гостиницей" 1900

«Испанская пара перед гостиницей» 1900

"Бульвар Клиши" 1901

«Бульвар Клиши» 1901

"Мул" 1898

«Мул» 1898

"Портрет отца художника" 1895

«Портрет отца художника» 1895

Следующий период в творчестве Пабло Пикассо называют «голубым». В  1901 — 1904 гг. в палитре Пикассо преобладали холодные цвета — в основном голубой и его оттенки. В это время Пикассо поднимал темы старости, бедности, нищеты, характерным настроением картин этого периода были меланхолия и печаль. Художник отображал человеческие страдания, рисуя слепых, нищих, алкоголиков и проституток и т.п. — именно они были главными персонажами «голубого» периода.

Работы «голубого» периода (1901-1904)

Zavtrak slepogo (1903)

«Завтрак слепого» 1903

"Суп" 1902

«Суп» 1902

"Мать и дитя" 1903

«Мать и дитя» 1903

"Любительница абсента" 1901

«Любительница абсента» 1901

"Гладильщица" 1904

«Гладильщица» 1904

"Нищий старик с мальчиком" 1903

«Нищий старик с мальчиком» 1903

"Жизнь" 1903

«Жизнь» 1903

"Две сестры (Свидание)" 1902

«Две сестры (Свидание)» 1902

"Голубая комната (Ванна)" 1901

«Голубая комната (Ванна)» 1901

"Гурман" 1901

«Гурман» 1901

"Сидящая женщина в капюшоне" 1902

«Сидящая женщина в капюшоне» 1902

В «розовом» периоде (1904 — 1906) главной темой в творчестве художника был цирк и его персонажи — акробаты и комедианты. Преобладали яркие жизнерадостные цвета. Любимым персонажем этого периода можно назвать арлекина, который наиболее часто встречался в работах Пикассо. Помимо цирка вдохновляла его еще и модель Фернанда Оливье, с которой познакомился в 1904 г., в самом начале «розового» периода. Её же была музой художника на протяжении всего периода.

Работы «розового» периода (1904 — 1906)

"Акрабат и арлекин" 1905

«Акрабат и арлекин» 1905

"Девочка с козлом" 1906

«Девочка с козлом» 1906

"Мальчик, ведущий лошадь" 1906

«Мальчик, ведущий лошадь» 1906

"Семейство комедиантов" 1905

«Семейство комедиантов» 1905

"Крестьяне" 1906

«Крестьяне» 1906

2 obnozhennaya c kuvshinom_1906

«Обнаженная женщина с кувшином» 1906

"Причесывание" 1906

«Причесывание» 1906

"Женщина с хлебом" 1905

«Женщина с хлебом» 1905

"Два акрабата с собакой" 1905

«Два акрабата с собакой» 1905

"Туалет" 1906

«Туалет» 1906

Одну из известнейших картин П. Пикассо «Девочка на шаре» (1905), которая сейчас находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, некоторые специалисты называют переходной от «голубого» периода к «розовому».

"Девочка на шаре" 1905

«Девочка на шаре» 1905

Переломным моментом в творчестве Пикассо стал портрет Гертруды Штейн, написанный им в 1906 году.

"Портрет Гертруды Штейн" 1906

Работа над портретом была тяжелой — художник около 80 раз переписывал портрет и в итоге Пикассо отдалился от портрета как жанра изобразительного искусства в своем классическом понимании. Все дальнейшее творчество Пикассо можно охарактеризовать всего лишь одной его фразой «Надо писать не то, что вижу, а то что знаю». Именно этой установки П. Пикассо и старался придерживаться до конца своей жизни.

Кубизм

Этот большой период в творчестве Пабло Пикассо делиться на несколько этапов. Это время полного отказа от детализации персонажей: предмет и фон почти сливаются воедино, нет четко очерченных границ. Пикассо был убежден, что художник может больше, чем просто показывать то, что видит глаз.

Первый этап «сезанновский» он же «африканский» период. Этот этап отличается построением изображений с помощью простых- геометрических форм и преобладанием мутных размытых  зеленых, охристых и коричневых тонов.

В 1907-1909 гг внимание художника было устремленно на африканское искусство, с которым он впервые познакомился в 1907 году на этнографической выставке в музее Трокадеро. Отныне в творчестве Пикассо стали преобладать простые, даже примитивные формы изображаемых предметов. В технике художник стал употреблять грубую штриховку. Первой картиной выполненной в «африканском» стиле считается «Авиньонские девицы» 1907 г.

1 avinonskie devi4i(1907)

Эта картина писалось автором на протяжении года. Ни с одной своей картиной Пикассо не работал так долго. В итоге эта работа так отличалась от предыдущих его картин, что была неоднозначно воспринята общественностью. Но нащупав новый, интересный для него стиль, Пикассо не собирался отступать и на протяжении 2 лет художник всячески развивал его.

Работы «сезанновского» кубизма («Африканский» период) (1907 — 1909)

"Фермерша" 1908

«Фермерша» 1908

"Голова мужчины" 1907

«Голова мужчины» 1907

"Купальщица" 1909

«Купальщица» 1909

"Натюрморт с чашей и кувшином" 1908

«Натюрморт с чашей и кувшином» 1908

"Обнаженная с драпировкой (Танец с покрывалами)" 1907

«Обнаженная с драпировкой (Танец с покрывалами)» 1907

"Портрет Мануэля Пальяреса" 1909

«Портрет Мануэля Пальяреса» 1909

"Три фигуры под деревом" 1907

«Три фигуры под деревом» 1907

"Бокалы и фрукты" 1908

«Бокалы и фрукты» 1908

"Бюст человека (Спортсмен)" 1909

«Бюст человека (Спортсмен)» 1909

"Женщина" 1907

«Женщина» 1907

В аналитическом периоде Пикассо пришел к осознанию того, что нужно полностью сосредоточиться на объеме и форме предметов, отодвинув на задний план цвет. Таким образом отличительной чертой аналитического кубизма стала монохромность. Так же стоит отметить структуру работ этого периода — художник словно дробит предметы на мелкие фрагменты. Между разными вещами пропадает грань и все воспринимается как единое целое.

Работы «аналитического» кубизма (1909-1912)

"Человек с гитарой" 1911

«Человек с гитарой» 1911

"Человек со скрипкой" 1912

«Человек со скрипкой» 1912

"Аккордионист" 1911

«Аккордионист» 1911

"Натюрморт с бутылкой ликера" 1909

«Натюрморт с бутылкой ликера» 1909

"Поэт" 1911

«Поэт» 1911

"Портрет Фернанды" 1909

«Портрет Фернанды» 1909

"Портрет Вильгельма Уде" 1910

«Портрет Вильгельма Уде» 1910

"Сидящая обнаженная" 1910

«Сидящая обнаженная» 1910

"Женщина в зеленом" 1909

«Женщина в зеленом» 1909

Началом синтетического периода стала картина «Воспоминания о Гавре», написанная Пабло Пикассо в 1912 г. В этой картине появились более яркие краски, не присущие аналитическому кубизму.

Pablo-Picasso_Souvenir-du-Havre_1912

Монохромные работы вновь уступили место цвету. В основном на картинах этого периода преобладали натюрморты: бутылки вина, ноты, столовые приборы и музыкальные инструменты. Для разбавления абстрактности в работе над картинами использовались реальные предметы, такие как: веревки, песок, обои и т.д.

Работы «синтетического» кубизма (1912-1917)

"Человек у камина" 1916

«Человек у камина» 1916

"Человек в цилиндре" 1914

«Человек в цилиндре» 1914

"Бокал и игральные карты" 1912

«Бокал и игральные карты» 1912

"Гитара" 1912

«Гитара» 1912

"Натюрморт с фруктами на столе" 1914-1915

«Натюрморт с фруктами на столе» 1914-1915

"Пьедестал" 1914

«Пьедестал» 1914

"Столик в кафе (Бутылка Перно)" 1912

«Столик в кафе (Бутылка Перно)» 1912

"Харчевня (Ветчина)" 1914

«Харчевня (Ветчина)» 1914

"Зеленый натюрморт" 1914

«Зеленый натюрморт» 1914

"Человек с трубкой, сидящий в кресле" 1916

«Человек с трубкой, сидящий в кресле» 1916

Несмотря на то, что кубизм активно критиковали многие, работы этого периода хорошо продавались и  Пабло Пикассо наконец-то прекратил нищенствовать и переехал в просторную мастерскую.

Следующим периодом в творчестве художника стал неоклассицизм, которому положила начало женитьба Пикассо на русской балерине Ольге Хохловой в 1918 г. Этому предшествовала работа Пабло над декорациями и эскизами костюмов к балету «Парад» 1917 г. Именно выполняя эту работу художник познакомился с Ольгой Хохловой.

Занавес к балету "Парад" 1917

Занавес к балету «Парад» 1917

Costume-de-Chinois-du-Ballet-Parade_Pablo-Picasso-1917

Программка балета Парад с рисунком Пикассо. 1917

Parade-2003_Gregory-Milan-C-Getty-Images_1

Китайский маг, в костюме Пикассо, современная интерпретация, 2003

Europa-Danse_Picasso-et-la-danse_Parade_1

Персонаж французского «управителя» (зазывалы)

Этот период очень далек от кубизма: реальные лица, светлые тона, правильные формы… На подобные перемены в творчестве его вдохновляла русская жена, которая привнесла много нового в жизнь Пабло. Поменялся даже образ жизни художника — посещение светских раутов, костюмированных балетов и т.д. Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано».

Работы периода неоклассицизма (1918 — 1925)

"Чтение письма" 1921

«Чтение письма» 1921

"Купальщицы" 1918

«Купальщицы» 1918

"Любовники" 1923

«Любовники» 1923

"Мать и дитя" 1921

«Мать и дитя» 1921

"Ольга Хохлова в мантилье" 1917

«Ольга Хохлова в мантилье» 1917

"Ольга Пикассо" 1923

«Ольга Пикассо» 1923

"Первое причастие" 1919

«Первое причастие» 1919

"Пьеро" 1918

«Пьеро» 1918

"Портрет Ольги в кресле" 1917

«Портрет Ольги в кресле» 1917

"Портрет Паула, сына художника" 1923

«Портрет Паула» сына художника 1923

"Спящие крестьяне" 1919

«Спящие крестьяне» 1919

"Три купальщицы" 1920

«Три купальщицы» 1920

"Женщина с ребенком на берегу моря" 1921

«Женщина с ребенком на берегу моря» 1921

"Женщина в мантилье" 1917

«Женщина в мантилье» 1917

"Женщины, бегущие по берегу" 1922

«Женщины, бегущие по берегу» 1922

В 1925 году художник написал картину «Танец», которая в полной мере отражает проблемы в личной жизни художника в это время.

tanec

Зимой 1927 года Пикассо встречает свою новую музу — семнадцатилетнюю Марию Терезу Вальтер, которая стала персонажем многих картин периода сюрреализма. В 1935 году у пары родилась дочь Майя, однако в 1936 году Пикассо уходит от Марии Терезы и от Ольги Хохловой, с которой он так и не оформит официального развода вплоть до самой смерти Ольги в 1955 г.

Работы периода сюрреализма (1925 — 1936)

"Акрабат" 1930

«Акрабат» 1930

"Девушка, бросающая камень" 1931

«Девушка, бросающая камень» 1931

"Фигуры на пляже" 1931

«Фигуры на пляже» 1931

"Натюрморт" 1932

«Натюрморт» 1932

"Обнаженная и натюрморт" 1931

«Обнаженная и натюрморт» 1931

"Обнаженная на пляже" 1929

«Обнаженная на пляже» 1929

"Обнаженная на пляже" 1929

«Обнаженная на пляже» 1929

Zhenwina c zvetkom 1932

«Женщина с цветком» 1932

Son portret lyubovnizi xudownika MariiTerezi Uolter 1932

«Сон(портрет любовницы художника Марии Терезы Валтер)» 1932

Obnawennaya v kresle 1932

«Обнаженная в кресле» 1932

Obnawennaya v kresle 1929

«Обнаженная в кресле» 1929

"Поцелуй" 1931

«Поцелуй» 1931

В 30-е и 40-е годы героем многих полотен Пикассо стал бык, Минотавр. Минотавр в творчестве художника — олицетворение разрушительной силы, войны и смерти.

minotavriya 1935

«Минотаврия» 1935

"Палитра и голова быка" 1938
«Палитра и голова быка» 1938
"Баранья голова" 1939
«Баранья голова» 1939
"Натюрморт с бычьим черепом" 1942
«Натюрморт с бычьим черепом» 1942
Череп быка, фрукты, кувшин
«Череп быка, фрукты, кувшин» 1939

"Три бараньи головы" 1939

«Три бараньи головы» 1939

Весной 1937 года маленький город Испании Герника немецкие фашисты буквально стерли с лица земли. Это событие Пикассо не мог оставить без внимания и так на свет появилась картина «Герника». Эту картину можно назвать апофеозом темы Минотавр. Размеры картины впечатляют: длина — 8 м, ширина — 3,5 м. Известен один случай, связанный с картиной. Во время обыска, который устроил гестапо офицер-нацист обратил внимание на картину и спросил Пикассо: «Это вы сделали?»  на что художник ответил «Нет. Это сделали вы!».

picasso__guernica1937

«Герника» 1937

Параллельно полотнам о Минотаврах, Пабло Пикассо создает серию о монстрах «Мечты и ложь генерала Франко» (1937). Эта серия выражает позицию художника во время гражданской войны в Испании, в которой он поддерживал республиканцев и выступал против политики диктатора Франко.

 

 

dream-and-lie-of-franco-1937

«Мечты и ложь генерала Франко» (1937)

dream-and-lie-of-franco-1937

«Мечты и ложь генерала Франко» (1937)

Всю Вторую мировую войну Пабло Пикассо жил во Франции, где художник в 1944 году стал членом Французской коммунистической партии.

 

Работы военного времени (1937-1945)

"Фазан" 1938

«Фазан» 1938

"Голова женщины в шляпе" 1939

«Голова женщины в шляпе» 1939

"Мария Тереза в венке" 1937

«Мария Тереза в венке» 1937

"Мастерская художника" 1943

«Мастерская художника» 1943

"Майя с куклой" 1938

«Майя с куклой» 1938

"Молящая" 1937

«Молящая» 1937

"Натюрморт" 1945

«Натюрморт» 1945

"Плачущая женщина с платком" 1937

«Плачущая женщина с платком» 1937

"Птицы в клетке" 1937

«Птицы в клетке» 1937

"Раненная птица и кот" 1938

«Раненная птица и кот» 1938

"Склеп" 1945

«Склеп» 1945

"Женщина в красном кресле" 1939

«Женщина в красном кресле» 1939

В 1946 году художник работал над картинамии панно для замка семьи Гримальди в Антибе (курортный город Франции). В первом зале замка было установлено панно под названием «Радость жизни».  Основными персонажами этого пано были сказочные существа, фавны, кентавры и обнаженные девушки.

"" 1946

«Радость бытия» 1946

В этом же году Пабло познакомился с молодой художницей Франсуазой Жило, с которой они поселились в замке Гримальди. Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. В это время художник часто рисовал своих детей и Франсуазу, но долгой идиллия не продлилась: в 1953 году Франсуаза забрала детей и ушла от Пабло Пикассо. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве. Доказательство тому рисунки тушью, на которых уродливый старик-карлик с красивой молодой девушкой.

Один из самых известных символов «Голубя мира» был создан в 1949 году. Впервые он появился на Всемирном конгрессе сторонников мира в Париже.

1961

В 1951 году Пикассо была написана картина «Резня в Корее», которая повествует о зверствах той «забытой» войны.

Massacre_en_Coree_P-_PICASSO

«Резня в Корее» 1951

В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. Именно в этом городе он увлекся керамикой. Вдохновила Пикассо на такое увлечение ежегодная выставка керамики в Валлорисе, которую он посетил еще в 1946 году. Особый интерес художник проявил к изделиям из мастерской Мадура, в которой он позже и работал. Работа с глиной позволяла признанному живописцу и графику забыть ужасы войны и окунуться в иной радостный и безмятежный мир. Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи… Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо» И. Каретников, вышедшая в 1967 году.

Пикассо в мастерской Мадура

Пикассо в мастерской Мадура

Керамика Пикассо в музее, Париж

Керамика Пикассо в музее, Париж

141819520

Сравнивая работы Пикассо с керамикой античных времен можно найти некоторые сходства:

0511

В 1958 году для парижского здания ЮНЕСКО была написана композиция «Падение Икара».

"Падение Икара"

«Падение Икара»

Работы послевоенного периода (1945 — 1960e)

"Череп, книга и керосиновая лампа" 1946

«Череп, книга и керосиновая лампа» 1946

"Франсуаза, Клод и Палома" 1951

«Франсуаза, Клод и Палома» 1951

"Клод (сын Пикассо)" 1948

«Клод (сын Пикассо)» 1948

"Палома и Клод" 1950

«Палома и Клод» 1950

"Палома Пикассо" 1956

«Палома Пикассо» 1956

"Портрет Франсуазы" 1946

«Портрет Франсуазы» 1946

"Портрет сидящей женщины" 1960

«Портрет сидящей женщины» 1960

"Портрет Сильвет" 1954

«Портрет Сильвет» 1954

"Рыцарь, паж и монах" 1951

«Рыцарь, паж и монах» 1951

"Женщина с зелеными волосами" 1949

«Женщина с зелеными волосами» 1949

"Женщина в кресле" 1948

«Женщина в кресле» 1948

"Палома с целлулоидной рыбой" 1950

«Палома с целлулоидной рыбой» 1950

"Голубь" 1949

«Голубь» 1949

В 1961 году именитый художник, которому на тот момент было 80 лет, женился на 34-летней Жаклин Рок. В это время в творчестве Пикассо преобладали портреты Жаклин, которая была с живописцем до самой его смерти 8 апреля 1973 года в городе Мужен (Франция). Великий живописец скончался на 93-ом году жизни, будучи мультимиллионером. О смерти  он высказывался так: «Я все время думаю о Смерти. Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня».

Пабло Пикассо покоится у своего замка Вовенарг. Еще при его жизни, в 1970 году в Барселоне, был открыт Музей Пикассо, куда картины передавал сам художник. Позднее в 1985 году наследники живописца открыли Музей Пикассо в Париже.

Работы позднего периода (конец 60-х — 1973)

"Жаклин в студии" 1956

«Жаклин в студии» 1956

1954

«Жаклин Рок» 1954

19542

«Жаклин Рок» 1954

"Жаклин Рок" 1954

«Жаклин Рок» 1954

"Фигура Рембрандта Эрос" 1969

«Фигура Рембрандта Эрос» 1969

"Голуби" 1957

«Голуби» 1957

"Насилие над сабинианками" 1962-1963

«Насилие над сабинианками» 1962-1963

"Обнаженная и курильщик" 1968

«Обнаженная и курильщик» 1968

"Поцелуй" 1969

«Поцелуй» 1969

"Портрет мужчины в шляпе" 1971

«Портрет мужчины в шляпе» 1971

"Кавалер с трубкой" 1968

«Кавалер с трубкой» 1968

"Залив в Каннах" 1958

«Залив в Каннах» 1958

"Завтрак на природе (По Мане)" 1961

«Завтрак на природе (По Мане)» 1961

"Жаклин со скрещенными руками" 1954

«Жаклин со скрещенными руками» 1954

"Жаклин в студии" 1956

«Жаклин в студии» 1956

Как и многие талантливые люди Пабло Пикассо не боялся пробовать себя в разных ипостасьях и помимо вышеупомянутой керамики на протяжении всей своей творческой жизни не раз создавал скульптуры. Но общественности некоторые скульптуры были представлены в 1960 году на выставках в Париже, Нью-Йорке и Лондоне. А затем лишь в 1966 году состоялась полная выставка скульптур известного кубиста, когда Пикассо исполнилось 85 лет.

Babuin s malishom 1951

«Бабуин с малышом» 1951

Beremennaya wenshina 1950

«Беременная женщина» 1950

Bezimyannaya skulptura Pikasso v Chikago

Безымянная скульптура Пикассо в Чикаго

"Человек с ягненком" г. Валлорис, юг Франции

«Человек с ягненком» г. Валлорис, юг Франции

Bokal abcenta 1914

«Бокал абсента» 1914

Golova 1958

«Голова» 1958

Golova wenwini 1932

«Голова женщины» 1932

Golova wenwini fernanda 1909

«Голова женщины (Фернанда)» 1909

Всего скульптур насчитывается более 1220: выше представлены лишь некоторые работы. Несмотря на это уже можно сделать вывод о том, насколько разнообразным было творчество Пабло Пикассо, который навсегда вписал свое имя в историю искусства. Все творчество Пикассо оказало огромное влияние на развитие культуры и искусства XX века во всем мире.

Николай Рерих

 Жизненный путь

С детских лет Рериха влекли живопись, археология, история, но, прежде всего, богатейшее культурное наследие Востока. Все это, слитое воедино, позже дало удивительный результат, сделав творчество Николая Константиновича уникальным и ярким. Николай Константинович Рерих родился (27 сентября) 9 октября 1874 года в Петербурге, в семье нотариуса. До 1897 года Николай учился в Академии художеств у Куинджи, а также в студии Кормона в Париже. Позже Рерих был членом объединения «Мир искусства». В его ранних картинах определяющими сюжетами являлась древняя языческая Русь, красочные образы народного эпоса. Но уже с середины 1900-х годов тема Индии и Востока все чаще звучит на его полотнах и в литературных произведениях. Продолжая активно работать как живописец, Рерих в поздний свой период пишет также и огромные циклы автобиографических очерков «Листы дневника» и «Моя жизнь». Многогранный талант Николая Рериха ярко проявился в его работах для театральных постановок. Во время знаменитых «Русских сезонов» Дягилева в оформлении Рериха проходили «Половецкие пляски» из «Князя Игоря» Бородина, «Псковитянка» Римского-Корсакова, балет «Весна священная» на музыку Стравинского. В 1934—1935 годах Николай Константинович Рерих возглавляет экспедицию в районы Внутренней Монголии, Маньчжурии и Китая. С 1936 года постоянно жил и работал в Индии. Николая Рериха объявляли духовным водителем человечества, Антихристом, советским шпионом, руководителем мирового масонства и даже перевоплощением одного из индийских божеств… А он всегда оставался патриотом России и её гражданином, имея при себе лишь один российский паспорт. Мысль о возвращении на Родину не покидала его никогда. Сразу же по окончании войны художник запросил визу на въезд в Советский Союз, но 13 декабря 1947 года Николай Рерих умер в Наггаре (Индия), так и не узнав, что в визе ему отказали. В долине Кулу, на месте погребального костра, был установлен большой прямоугольный камень, на котором высечена надпись: «15 декабря 1947 года здесь было предано огню тело Махариши Николая Рериха — великого русского друга Индии. Да будет мир».

Картинки по запросу Николай Константинович Рерих цитаты картинки

Цитаты

Человеку, не умеющему понимать прошлое, нельзя мыслить о будущем.
Защита Родины есть и оборона культуры.
Поверх всяких Россий, есть одна незабываемая Россия. Поверх всякой любви, есть одна общечеловеческая любовь.

Картинки по запросу Николай Константинович Рерих цитаты картинки

Недавние кумиры человечества уже отброшены, и вместо них неизбежно и справедливо встает понимание Религии, доблести и труда. …Во многих странах мы возмущались атеизмом и цинизмом, которые, прикрываясь ложным названием материализма, являются порождениями самого несносного темного невежества.
Из древних чудесных камней сложите ступени грядущего.

знамя

Николай Рерих . «Знамя грядущего, 1925»

«Держава света» — сборник Николая Рериха, написанный им в Гималаях в феврале 1931 года.

Читая легенды, молодежь учится мечтать. Это великое качество, ибо оно наполняет сердца лучшими, мощными огнями. Этими огнями сердца молодежь познает, как различить, где истина.
Истина не познается расчетами, лишь язык сердца знает, где живет великая Правда, которая, несмотря ни на что, ведет человечество к восхождению.

гималаи

Николай Рерих  «Гималаи. Розовые горы»

Разве легенды не есть гирлянды лучших цветов? О малом, о незначительном и жалком человечество не слагает легенд. […] Во всяком случае, каждая легенда содержит нечто необычайное. Не ведет ли эта необычность дух человеческий поверх сумерек механического стандарта?
Легенда, которая освобождает нас от подавляющих условий каждодневной рутины, обновляет наше мышление, позволяет погружаться в новые глубины познания, полные неисчерпаемого молодого задора.
Мечты — не знаки безграмотности, но отличия утонченных душ.
Было бы величайшей ошибкой думать, что понятие героев совместно лишь с прошлым. Синтез нашей Эры выкристаллизовывает своих героев. Позволительно надеяться, что костры, тюрьмы и казни более не будут непременными атрибутами этих великих душ!

матерь

Николай Рерих «Матерь Мира»

СВЯЩЕННЫЕ ЗНАКИ
Рерих Николай Константинович

Мы не знаем.
Но они знают.
Камни знают.
Даже знают деревья.
И помнят.
Помнят,
кто назвал горы и реки.
Кто сложил бывшие города.
Кто имя дал незапамятным странам.
Неведомые нам слова.
Все они полны смысла.
Все полно подвигов.
Везде герои прошли.
«Знать» — сладкое слово.
«Помнить» — страшное слово.
Знать и помнить.
Помнить и знать.
Значит — верить.
Летали воздушные корабли.
Лился жидкий огонь.
Сверкала искра жизни и смерти.
Силою духа возносились каменные глыбы.
Ковался чудесный клинок.
Берегли письмена мудрые тайны.
И вновь явно все.
Все ново.
Сказка — предание сделалось жизнью.
И мы опять живем.
И опять изменимся.
И опять прикоснемся к земле.
Великое «сегодня» потускнеет завтра.
Но выступят священные знаки.
Тогда, когда нужно.
Их не заметят.
Кто знает?
Но они жизнь построят.
Где же священные знаки?

эверест

Николай Рерих. «Гималаи. Эверест»

Картинки по запросу Николай Константинович Рерих цитаты картинки

КАМНИ ИКИ ИЛИ АНДЕЗИТ РУЧНОЙ РОСПИСИ

Что интересного может быть в андезите?

Совершенно неприметная горная порода вулканического происхождения, более чем наполовину состоящая из двуокиси кремния, сплавленного воедино с плагиоклазом и пироксенами. Андезита много в любых горных местностях – да и там, где гор давно уже нет, его находят немало. Однако в Андах высятся целые скалы и огромные утесы, сложенные этой породой. Оттого и название – андезит…


Кипение в лавовых котлах заставило андезит почернеть . Нередки и светлые андезиты. И даже розовато — бежевые .Разноцветные камни могут соседствовать в границах одного лавового поля. Эрозия перемешивает обломки андезита; реки окатывают глыбы в валуны; солнце обжигает поверхность камня – так проходят тысячелетия.

Но однажды симпатичный камушек размером с дыню попадает в руки предприимчивому человеку, и история меняет ход…

Казалось бы, причем тут Наска?

Перуанский город Ика мирно прожил четыреста лет, став семейным гнездом для рода Кабрера – и еще двух с половиной сотен тысяч граждан. Начиная с 1563-го года потомки конкистадора Иеронима Луиса де Кабрера и его сподвижников удачно растили виноград, выгодно торговали хлопчатником, пробовали силы в выращивании какао – но не пошло, климат не тот.

И вдруг в середине ХХ века звезда славы взошла над соседствующим с Ика – час пути по Панамериканскому шоссе – плато Наска. Фигуры, обнаруженные Сьеса де Лионом за десять лет до закладки Ики, и до поры никого особо не интересовавшие, вдруг стали знаменитыми.

Малозаметные канавки, бороздки и рукотворные каменные гряды получили гордое имя «геоглифов». В Наску зачастили экспедиции, а Эрих фон Деникен в своих сочинениях так прямо и заявил: Наска – космодром пришельцев.

Все, что досталось городу Ика от славы Наска – это повышенный сбыт гамбургеров проезжим туристам да очереди на заправках в летний сезон. «Мало!» – решил потомок славного рода Кабрера, доктор медицины Хавьер Кабрера. И тогда как по мановению волшебной палочки на свет появились камни с рисунками…
Первые ласточки, рыбки и прочие картинки

Перуанские грабители могил зовутся huaqueros. Поскольку в Перу без санкции правительства обшаривать захоронения запрещено, история сокрыла большинство имен «уакейрос», в начале 60-х годов прошлого века вынесших свои находки к дороге и попытавшихся продать камни богатым гринго ну хоть за несколько долларов.

Туристы «раритетами» не впечатлились, зато элита местного общества проявила к изукрашенным рисунками камням самый живой интерес. И если профессор Кабрера первый свой андезитовый валун получил в подарок на день рождения, то архитектор Сантьяго Кальво выкупил разрешение на раскопки и, говорят, таки нашел два разрисованных камня в старинных могилах.

По словам Кабреры, подаренный ему камень был украшен изображением рыбы, почему-то ископаемой. По мнению независимых ученых, явный анахронизм являлся перехлестом в попытке привлечь внимание публики. В конце концов, история инков – и вообще человечества – не так продолжительна, чтобы простираться в эпоху расцвета кистеперых рыб.

Однако чем острее критика, тем сильнее вера…

«Путь к славе будет вымощен камнями Ики!»

Так решил Хавьер Карбера и рьяно взялся за дело. Принято считать, что все одиннадцать тысяч экспонатов его коллекции – камни, найденные в тайных пещерах и оставленные там неведомыми предками не просто так.

Доктор Кабрера проанализировал художественный материал и пришел к выводу: собрание изображений – ни что иное как библиотека. Отдельные картинки связаны стилистически и по смыслу, и объединяются в комплекты разного размера. В некоторых сериях всего пять-шесть камней. Другие насчитывают многие десятки изображений.
Собрание Хавьера Кабреры самое крупное, но не единственное. Несколько коллекционеров древностей из разных стран мира поспешили купить камни Ики. До тысячи экземпляров разошлось по музеям – естественно, большей частью перуанским. Всего же в мире у разных владельцев хранится то ли двадцать, то ли пятьдесят тысяч андезитовых голышей, испещренных рисунками и символами.

Однако у мировых специалистов по истории Южной Америки доверия к камням Ики нет.

Камни Ики – новодел?

Причем малоосмысленный, уверены историки. Улыбающиеся рожицы, процарапанные на многих камнях Ики, явно детского авторства. Взрослая рука лишь перенесла картинку на камень и снабдила рисунок тем или иным декором.

Палеобиологи решительно возражают против анахронизмов, наблюдаемых в сюжетах многих изображений. Если человек в недавнем – тысяча, две, да даже двадцать две тысячи лет назад – прошлом активно использовал крупных ящеров в хозяйстве, то где следы существования этих животных?

Популяция одомашненных динозавров (в том числе и птеродактилей) должна быть достаточно большой для производства жизнеспособного потомства. Физических следов же недавнего существования этих животных просто нет…

Полеты верхом на протоптицах – плод художественной фантазии резчиков по камню. Грузоподъемность птеродактиля недостаточна для его превращения в воздушного коня.

«Хирургические» камни Ики – скопированные иллюстрации из анатомических атласов. Причем скопированные неквалифицированным исполнителем: в важные подробности пропущены, малозначительные детали – отражены. Кроме того, предлагаемые зрителю идеи пересадки сердца старику от юноши при прямом переливании крови от беременной женщины к оперируемому ведут не к выздоровлению, а к скорой и мучительной смерти всех участников действа.

И самое главное. Место обнаружения кладов разрисованных андезитов держится в тайне шестой десяток лет. По туманным рассказам «поисковиков» все или почти все камни Ики добыты из одной пещеры. Однако в окрестностях города подходящих полостей в горных породах просто нет.
Помимо этого, на рынок древностей камни Ики попали не все одновременно – что было бы характерно для единовременно открытого клада. Постепенность поступления «свежих» валунов с изображениями выдает подделку с головой.

Адепты альтернативной истории не согласны!

И потому приводят весомые, как им кажется, возражения. Первый аргумент весьма спорен: якобы себестоимость резки по андезиту выше товарной цены камней Ики – особенно в первые десятилетия продвижения товара на археологическом рынке.

На самом деле твердость андезита, для пущего эффекта именуемого кабреристами «вулканическим гранитом», по шкале Мооса не превышает пятой отметки – стало быть, рисунки на камне можно процарапывать хоть ножом, хоть осколком бутылки.

Кроме того, утверждают сторонники подлинности камней Ики, для изготовления столь объемной партии товара необходимы механизированные производственные мощности и многочисленный персонал.

Скептики без лишних слов проводят практические пробы и выясняют: некоторые изображения можно накорябывать по две-три штуки в день при условии наличия у человека самых что ни на есть зачаточных художественных навыков. Большие валуны требуют несколько более долгой работы, но отнюдь не лет и даже не месяцев. За три световых дня нетрудно нацарапать картину любой детализации.

Стегозавры с треугольными костными выростами, не унимаются последователи Хавьера Кабреры, были открыты уже после нахождения камней Ики – а на андезитовых валунах изображены именно такие звери!

Костяные гребни стегозавров, отвечают ученые, бывают не только пластинчатыми (трех- и пятиугольными), но и шипообразными. Открытие стегозавров пришлось на конец XIX – начало ХХ века – что на полстолетия раньше обнаружения камней Ики. В 1992-м году просто нашли еще один неполный комплект фрагментов костей стегозавра.

Споры длились бы бесконечно, но здравомыслящей публике тема скоро прискучила, и сегодня ни один серьезный ученый не говорит о камнях Ики иначе как о подделках, призванных привлекать внимание туристов к малопримечательному городку на краю Ойкумены.

Истина – посередине?

И все-таки дыма без огня не бывает. Никто и никогда не поймал за руку резчиков-фальсификаторов, хотя небезосновательные подозрения задокументированы в перуанских судах. Быть может, просто не ловили?

Трудно отрицать обнаружение некоторых камней во время официально проводившихся раскопок. Впрочем, южноамериканские методы ведения дел не исключают возможности появления «подкидышей» в любых экспедициях.

Кроме того, не хочется сбрасывать со счетов упоминания о гравированных на камнях изображениях, найденные в хрониках некоего Хуана Пачакути, крещеного индейца, составившего описание местности в конце ХVI века. Летописец прямо и недвусмысленно указывает на многочисленность камней с рисунками, сосредоточенных в святых местах данного региона.

И хотя достоверность этого (и немногочисленных иных) источников вызывает сомнения у историков, ученые признают: наличие письменного документа повышает вероятность «естественности» происхождения раритетов.

Сегодня в научном сообществе превалирует мысль: некоторая часть – очень небольшой процент от общего количества камней Ики – подлинная. Обилие подделок и имитаций не дает возможности серьезного анализа изображений на андезитовых валунах. До тех пор, пока не будет изобретен верный способ датировки рисунков на камнях Ики, ни о каких доинкских цивилизациях говорить не приходится.

История камней Ики не окончена

Доктор Кабрера умер, дождавшись признания лишь от муниципальных властей. Мэрия Ики дважды объявила Хавьера Кабреру прославленным сыном города, и поддержала идею постоянного развития музея камней Ики. Правда, дочь Кабреры дело отца продолжает без рвения: коллекцию содержит в исправности, но новых исследований не ведет и не поощряет.

Следует отметить, что сам Кабрера, оскорбленный недоверием мировой науки, подавал официальное прошение о проведении раскопок – но получил отказ. Выявленные полицией Перу уакейрос выступили с заявлениями, что никаких могил они не грабили, артефактов не добывали, а камни Ики, известные также как глиптолиты, изготовлены ими собственноручно.

Профессиональные резчики по камню рекомендуют ориентироваться на наличие естественной патины на поверхности камня, однако минерологи предостерегают: искусственно состарить андезит нетрудно, и потому метод датирования изделий по состоянию окисной пленки недостоверен.

Тем не менее, прогрессивная научная общественность не теряет надежды. Когда-нибудь ученым удастся отделить семена от плевел, и тогда, возможно, прольется свет на давнюю загадку: не являемся ли мы наследниками древней, могучей, но совершенно забытой цивилизации?

Человек – ровесник динозавра…
Динозавры вымерли, а мы
Можем в трубы дуть и бить в литавры:
Нас сегодня – тьмы, и тьмы, и тьмы…
Мы взнуздали ядерный реактор,
Мы сыграли в салки на Луне…
Но сегодня нет упрямей факта:
Змей Горыныч реял не во сне.
Наши пращуры дракона оседлали.
На звезду в подзорную трубу
Любовались долгими ночами.
В черном камне — числили судьбу.
В мире электронном и разумном
Не сыскать таких библиотек,
Где бы не в латиницах и рунах,
А в рисунках ожил человек.
Черные, таинственные камни
Горных гротов древнего Перу
Донесли утраченную тайну
Про вселенскую и вечную игру.
Под забралом шлемов спрятав лики,
Вы сокрыли след в пыли комет…
Фантастичнее, чем черный камень Ики,
Невозможно выдумать сюжет.
( Геннадий Шалюгин )

Translate »