Jean Molière – dramaturge, comédien et acteur français

Le chemin de la vie

Jean Molière, le grand dramaturge, comédien et acteur français, est né le 15 janvier 1622 à Paris, dans la famille du tapissier, ébéniste et valet royal Jean Poquelin. Vrai nom et prénom – Jean-Baptiste Poquelin (français : Jean-Baptiste Poquelin). En 1639, il obtient une licence en droit au Collège de Clermont, mais décide de se consacrer au théâtre. En 1643, avec plusieurs comédiens, Jean-Baptiste organise le « Théâtre Brillant » à Paris. En 1644, l’acteur Jean-Baptiste Poquelin apparaît pour la première fois sur scène sous le pseudonyme de Molière. Le répertoire dépassé n’a pas réussi et Molière a quitté Paris. En 1645, ses représentations en province commencèrent et durent jusqu’en 1658. La soif de répertoire de la troupe de Molière fut le moteur du début de son activité dramatique. Les premières comédies de Molière datent de cette époque. En 1658, la troupe, qui connaît un grand succès en province, revient à Paris. La toute première représentation au palais royal suscite les faveurs de Louis XIV. Le roi fournit à la troupe le théâtre de cour du Petit-Bourbon, dans lequel elle joue jusqu’en 1661, date à laquelle elle s’installe au théâtre du Palais Royal, où elle reste jusqu’à la mort de Molière. Dès l’installation de Molière à Paris, commence une période de son œuvre dramatique la plus active, dont l’intensité ne faiblit pas jusqu’à sa mort. En 15 ans (1658-1673), Molière crée toutes ses meilleures pièces qui, à quelques exceptions près, provoquent de violentes attaques de la part de groupes sociaux qui lui sont hostiles. Il laisse un riche héritage : « Ecole des épouses », « Ecole des maris », « Tartuffe »,

Картинки по запросу Жан Мольер «Тартюф»

“Don Juan”,

«Le Bourgeois dans la noblesse», «Les ruses de Scapin»… Ces pièces et d’autres de Molière sont toujours jouées sur les scènes de théâtre. Jean Molière est décédé le 17 février 1673 à Paris.

Quelques citations

Картинки по запросу Жан Мольер цитаты

L’influence de l’héritage de Jean Molière sur la littérature et le théâtre

Le texte est généré grâce à l’intelligence artificielle

L’influence de Jean-Baptiste Poquelin, plus connu sous le nom de Molière, sur la littérature et le théâtre est immense et perdure encore aujourd’hui. Molière était un dramaturge, comédien et metteur en scène français du XVIIe siècle, célèbre pour ses comédies satiriques et comiques. Son héritage dans le domaine de la littérature et du théâtre peut être analysé sous plusieurs aspects :

L’innovation dramatique

Molière a apporté d’importantes innovations dans la structure et la forme des pièces de théâtre. Il a notamment contribué à développer la comédie-ballet, une forme de divertissement qui combinait la danse, la musique et la comédie. Ses pièces étaient également caractérisées par une utilisation habile de la prose et de la versification, ce qui a influencé la manière dont le langage était utilisé au théâtre.

Le portrait de la société

Les pièces de Molière sont célèbres pour leur satire sociale et leur critique des mœurs de la société de son époque. Il a utilisé le théâtre comme un moyen de mettre en lumière les travers et les hypocrisies de la noblesse, de la bourgeoisie et du clergé. Cette approche satirique a influencé de nombreux dramaturges et écrivains qui ont utilisé le théâtre comme un moyen d’explorer les problèmes sociaux et politiques de leur propre époque.

La création de personnages mémorables

Molière a créé une galerie de personnages inoubliables, tels que Tartuffe, Harpagon, et Alceste. Ces personnages sont devenus des archétypes dans la littérature et le théâtre français, et ils ont influencé de nombreux écrivains ultérieurs dans la création de personnages comiques et tragiques.

L’influence sur la comédie

Molière est souvent considéré comme le maître de la comédie française. Son utilisation habile de la farce, de la comédie de caractère et de la comédie de mœurs a établi des normes pour la comédie qui ont perduré au fil des siècles. Des dramaturges comme Beaumarchais, Marivaux et Feydeau ont été influencés par son style comique.

La langue française

Molière a également contribué à enrichir la langue française en introduisant de nouveaux mots, expressions et tournures de phrase dans ses œuvres. Sa contribution à la langue a eu un impact durable sur la littérature française.

En résumé

l’héritage de Molière dans la littérature et le théâtre est incontestable. Ses innovations dramatiques, sa critique sociale, ses personnages mémorables et sa contribution à la langue française ont laissé une empreinte indélébile sur la culture littéraire et théâtrale française, et son influence se fait encore sentir de nos jours dans la comédie, le théâtre et la littérature contemporaine.

Алексей Горбунов

Жизненный путь

Алексей Сергеевич Горбунов родился 29 октября 1961 года в Киеве. Окончил Киевский театральный институт имени Карпенко-Карого. Работал в Театре-студии киноактера, Камерном театре М.Нестантинера и в театре русской драмы имени Леси Украинки. Работал Алексей и диджеем на Киевских радиостанциях. Организовал и являлся ведущим двух дискотек «Джанкой» и «Джуманджи» в Киеве. Он возглавляет музыкальную группу «Грусть пилота» и время от времени дает концерты в родном городе. Карьера Алексея Горбунова как киноактера началась с 1984 года. Он сыграл во многих известных фильмах:

«Груз без маркировки», «Филер», «Новые приключения янки при дворе короля Артура», «Гу-Га», «Яма», «Золото партии», «Графиня де Монсоро»,

«Страна глухих»,

Картинки по запросу Алексей Горбунов «Страна глухих» картинки

«Каменская», 

«12»,

Картинки по запросу Алексей Горбунов «12» картинки

«Стиляги», «Обитаемый остров», «Статский советник», «Котовский»,

«Ленинград 46»

Картинки по запросу Алексей Горбунов "Новые приключения янки при дворе короля Артура" картинки

и многих других. 

Картинки по запросу Алексей Горбунов картинки цитаты

Лапотных дел мастера

Лапотных дел мастера были со мной до утра,
В подарок оставили пару сандалий добраться до вечера.
А знакомые мои шулера уверяли, что ещё не пора,
Зазывали зевак в кабак под названьем «Своя игра».

А я между двух ветвей повис и вишу всё бледней и мрачней
В прекрасных сандалиях на босу ногу, но вниз головою и вместе с тобою.
Ты причина моих ранних седин, ты ходишь Е-два. Е-два — Е-один,
Ты делаешь вид, что нас двое, мне плохо без тебя, но как же мне плохо с тобою.

Оставь меня навсегда, чтобы радостью вышла беда.
И я не вернусь никогда назад. Я, по-моему, видел дорогу
Туда, куда, когда через стекло без труда,
Через полнОчь без огня и через беду без печалей
В волшебных сандалиях на босу ногу.

А вечером настанет весна, и по самому краешку сна 
Я все равно убегу… 
Лапотных дел лапотный праздник!
Отпусти меня навсегда, чтобы я мог без стыда
Обернуться назад, откуда не знал я дороги
Туда, куда, когда, если вином вода, просто смешно… беда…
И по облакам без печали в волшебных сандалиях на босу ногу.

Похожее изображение

Народний артист України Олексій Горбунов заспівав для військових Житомирщини

Під патронатом голови обласної ради Володимира Федоренка у Житомирській обласній філармонії ім. Святослава Ріхтера відбувся благодійний концерт народного артиста України, актора театру і кіно Олексія Горбунова. Про це повідомляє пресслужба Житомирської обласної ради.

Разом зі  своїм гуртом  «Грусть пилота» артист виконав міні спектакль-концерт для військових 95-ої окремої десантно-штурмової бригади, їх родин та курсантів Житомирського військового інституту ім. С.П. Корольова.

«Непересічна подія для нашого міста й області і як голова обласної ради, я щиро радий був посприяти та долучитись до її проведення.  Символічно, що пан Олексій є людиною, яка з самого початку війни на сході відмовилась від участі в усіх російських фільмах, і яка натомість дала численні концерти у зоні АТО/ООС . Щиро вдячні за важливу психологічну підтримку українського війська та їх родин!», – зазначив Володимир Федоренко.

Усі присутні у залі отримали масу задоволення та позитивних вражень.

Довідково. Олексій Сергійович Горбунов народився 29 жовтня 1961 року у Києві.  Фільмографія актора налічує понад 100 проектів: «Графиня де Монсоро», «Статський радник», «12», французький серіал «Бюро легенд» тощо. Зіграв одну з ролей в українському військово-драматичному мінісеріалі «Гвардія».

Олексій є солістом гурту «Грусть пилота».

Леонид Куравлев – артист, которого мы не забудем…

Жизненный путь

Леонид Вячеславович Куравлёв родился 8 октября 1936 года в Москве, в рабочей семье, отец работал слесарем высшего разряда на авиазаводе, а мать трудилась парикмахером. После окончания средней школы Леонид сделал попытку поступления во ВГИК, но провалился на экзаменах. Год работы на фабрике кинооптики не прошёл для Куравлёва бесследно, и со второй попытки Леонид становится студентом ВГИКа. Амплуа комика закрепилось за актёром с первой же большой роли – Камушкина в картине С.А. Милькиной «Мичман Панин», снятой в 1960 году. В этом же году Куравлёв оканчивает институт. После ряда пусть и небольших, но очень полезных с точки зрения обучения мастерству ролей Леонид Вячеславович принимает участие в съёмках двух фильмов В.М. Шукшина: «Живет такой парень» (1964) и «Ваш сын и брат» (1965). Здесь актёр раскрывается в двух совершенно разных ипостасях: лирической и трагической соответственно. И каждую из них Куравлёв сыграл настолько убедительно и гениально, что предложения сняться в том или ином фильме заставили актёра надолго забыть об отдыхе и покое. Особое место в актёрской деятельности Леонида Вячеславовича занимает период сотрудничества с Леонидом Гайдаем. С 1970 по 1980 годы этот тандем создал массу любимых зрителем персонажей. А популярности и всенародной любви к Куравлёву после роли Жоржа Милославского в «Иван Васильевич меняет профессию» могут позавидовать (и завидуют) многие «супер-кинозвёзды» молодого поколения. Среди других наиболее известных его киноработ – роли в картинах: «Вий», «Не может быть!», «Место встречи изменить нельзя», «Золотой телёнок», «Афоня», «Семнадцать мгновений весны», «Ищите женщину», «ТАСС уполномочен заявить…», «Трест, который лопнул», «Самая обаятельная и привлекательная», «На золотом крыльце сидели», «Гангстеры в океане», «Мастер и Маргарита», «Ширли-Мырли», «Сибирский цирюльник», «Бригада», «Книга мастеров» и других. Заслуженный и Народный артист РСФСР, кавалер орденов «Знак Почета» и «За заслуги перед Отечеством» IV степени, член Союза кинематографистов – Леонид Вячеславович Куравлёв за свою творческую карьеру сыграл более 200 ролей, а также принимал участие в озвучивании мультфильмов и вёл телепередачи. 

,,Я артист больших и малых академических театров, а фамилия моя… фамилия моя слишком известна, чтобы я ее называл!..”
Ушел из жизни Леонид Куравлев – артист, который своими ролями делал нашу жизнь лучше, светлее, веселее. Мы не просто знаем его героев – мы помним наизусть их реплики и даже целые монологи.
Афоня, Жорж Милославский, Шура Балаганов, Пашка Колокольников… Несмотря на разные амплуа, Леонид Куравлев всегда оставался для зрителей “своим парнем”, и даже отрицательные персонажи в его исполнении вызывали восхищение.
Его любили по-настоящему, всей душой. И он сам всегда радовался этому – со слезами на глазах: “Сколько раз мне говорили простые люди на улице, что идешь домой, а там, да и на работе что-то не так, и вот включаешь телевизор, а там “Иван Васильевич”. И жизнь опять жизнь, ей радуешься. Великое дело! Великое!”.
Но если героев Куравлева мы видим на экране часто, то страницы его собственной жизни сохранились лишь в некоторых передачах – артист был очень скромен, не любил давать интервью, считая, что надо самовыражаться в профессии.
Родился Леонид Куравлев 8 октября 1936 года. “Детство – оно всегда счастливое, даже такое, как у меня было, – вспоминал он. – Я из рабоче-крестьянских. Окраина Москвы в преддверии Измайлова, рабочий люд, хулиганы. Я жил у сестры моей мамы, а мама была арестована по 58-й статье сразу после начала войны. Ее сослали в Караганду, она работала на металлургическом заводе, а потом еще долго не могла вернуться в Москву”.
Во ВГИК Куравлёв, как говорят, поступил почти случайно — в школе ему неважно давались естественные науки, вот и выбрал «гуманитарную профессию». Нравы в те времена в киноинституте были строгие, и сниматься студентам не позволяли — разве что в фильмах своих коллег с режиссерского факультета. Одновременно с Куравлёвым во ВГИКе учились Андрей Тарковский и Василий Шукшин. В их учебных работах — «Сегодня увольнения не будет» и «Из Лебяжьего сообщают» — и состоялся дебют молодого актера.
Если работа с Тарковским осталась лишь случайным эпизодом, то Шукшин нашел в Куравлёве «своего» актера. И в свой полнометражный дебют — фильм «Живет такой парень» — Шукшин позвал именно Куравлёва, для которого Пашка Колокольников стал первой главной ролью. Режиссер не только отстоял молодого актера «только его я буду снимать!», но и придумал ему образ: «Ты заикайся иногда, и зрители тебе поверят!»
За свою карьеру в кино Куравлев всегда благодарил Шукшина, назвав даже сына в его честь Василием.
Своим кинематографическим отцом Леонид Вячеславович называл Михаила Швейцера, который взял его в свой фильм о революционном прошлом «Мичман Панин» на роль кочегара Петра Камушкина. Это были первые съемки Куравлева в полнометражном художественном фильме. Потом Куравлев снялся ещё в шести картинах Швейцера.
Одной из первых больших актерских удач стала роль Шуры Балаганова в экранизации Михаила Швейцера, по роману Ильфа и Петрова «Золотой теленок». «Я там чувствовал себя как рыба в воде. Видимо, я уловил суть Балаганова. Когда однажды я спросил Швейцера, а кого играть, он сказал: «А играй дворняжку». Вот так, наверное, я интуитивно и сыграл уже на пробах, был дворняжкой, ищущей хозяина, который накормит, защитит, — вот кто такой Балаганов».
“Жулик без фантазии” у Куравлева получился, как говорили критики, “дураком до гениальности”.
Почти одновременно с “Золотым теленком” на экранах появилась экранизация гоголевского “Вия”, где Куравлев сыграл Хому Брута. А в 1973 году на экраны вышла бессмертная комедия Леонида Гайдая “Иван Васильевич меняет профессию”, где Куравлев сыграл Жоржа Милославского.
Искрометные перлы он выдавал прямо на съемочной площадке, импровизируя играючи.
«Ну вот, например, я прихожу к Шпаку, грабить его, он берет деньги, и по сценарию я говорю: «Храните деньги в сберегательной кассе». Я говорю Гайдаю: «Можно я прибавлю к этой фразе еще нечто?» Он говорит: «А что хочешь?» «Храните деньги в сберегательной кассе, если они у вас есть», — рассказывал Леонид Куравлев.
В 1975 году, когда на экраны вышел фильм Георгия Данелии ,,Афоня”, зрители влюбились в дебошира Борщева, который “успевает и в фонтаны нырять, и на танцах драться”.
“Режиссеры питали меня своим талантом, вкладывали в меня свой гений. И конечно же, многочисленные мои актеры-партнеры”, – говорил Куравлев. Он признавался, что на площадке его окружали гениальные люди, а в любую его партнершу можно было влюбиться: “в Женю Симонову, в ту же Софико Чиаурели, в Инну Чурикову”. Но он со школы любил одну женщину. “У меня была очень красивая жена. Она была очень хороша, а потом оказалась богата душой от природы, Нинка моя”, – говорил Куравлев.
Коллеги по актерскому цеху называли Куравлева одним из самых верных и любящих мужчин на свете. Романы Куравлев только играл, а любил всю жизнь одну единственную женщину – в 16 лет на катке встретил 13-летнюю Нину из своей школы, закончил ВГИК и женился на ней.
Друзья Леонида Вячеславовича говорят, что жена была для него всем: другом, мамой, опорой, поддержкой… Её мнение было самым важным. При том, что Нина Васильевна была дамой со строгими взглядами. Она работала учительницей английского языка в школе.
Всё оборвалось в 2012-м, когда прожив с Куравлевым полвека, ушла из жизни любимая супруга. Он по-настоящему затосковал, перестал сниматься, замкнулся, даже перестал приходить на встречи «гайдаевской семьи» – артистов, которые снимались в фильмах Леонида Гайдая, и в конце концов избрал уединенную сельскую жизнь, покинув Москву.
«Моя жизнь поделилась сейчас на до смерти и после, я сейчас стал совсем другим: идет пятый год, как ее нет, я часто бываю на могиле, это понятно, так ее не хватает в этой сложной, в этой безобразной порою жизни: жизнь у нас тяжелая, но жаловаться я не буду, зачем?»
Лишь вспоминая былое, с грустью в глазах признавался: “Я очень люблю то время, я его не предаю. Была неплохая жизнь. Влюблялся, учился, много снимался”.
Возможно, это изображение (1 человек и стоит)

***

С годами приходит мудрость. Я не балагур и не весельчак.

***

Люди часто говорят, что любят меня. Выше такой награды ничего в жизни актёра быть не может.

***

Плох нынешний наш кинематограф.

***

Семья – моя опора в жизни. Если нет семьи, детей – какой же смысл?

***

Моя самая любимая картина, в которой я сыграл, «Живет такой парень».

***

Вообще я сыграл трех воров – Жорж Милославский, Шура Балаганов в «Золотом теленке» Швейцера, Копченый в фильме «Место встречи изменить нельзя». Три вора – и всех их любит зритель, я не понимаю почему.

***

Кино – дело коллективное. Далеко не все зависит от актера. (кино)

***

Если актер, как Высоцкий – очень талантливый, гениальный, – то он задает тебе планку общения, приглашает быть таким же талантливым, как он.

***

Я себя на экране не люблю.

***

Я сейчас не снимаюсь, потому что в том, что мне предлагают, стыдно сниматься.

***

Я так был благодарен Шукшину, что назвал в его честь сына.

***

В принципе люди живут немножко по Афоне. Не обязательно в таком виде расхлыстанном. Но там суть национальная была схвачена, вот в чем секрет. Картина очень глубокая. Народу надо вылезать из той лужи, в которой оказался Афоня.

***

Прошлое – это и есть драгоценные, золотые горы мудрости.

***

Это настолько нежно, это настолько воздушно — любовь.

Леониду Куравлёву 80!

«Это я удачно зашел!»: Лучшие цитаты кино персонажей Леонида Куравлева

Кого только не играл Леонид Куравлёв! Как только не перепрыгивал из эпохи в эпоху, из характера в характер! Играл и положительных советских людей, и аморальных элементов. Передовиков и алкоголиков, героев и воров. Даже инопланетянина, даже знаменитого армянского эндокринолога.

Куравлёв играл маленьких людей, которые мечтали обвести вокруг пальца эпоху. Они и сами понимали тщетность попыток. Но именно куравлёвских героев – правильных и неправильных – любили зрители. Нет, не то, чтобы брали с них пример, а просто чувствовали, что они – свои, понятные.

Жорж Милославский. «Иван Васильевич меняет профессию»

«Иван Васильевич меняет профессию»

Граждане, храните деньги в сберегательной кассе! Если, конечно, они у вас есть…

А что, Феденька, войны сейчас никакой нет у нас?

Передай твой король мой пламенный привет!

О-о, да ты, ваше благородие, нарезался…

Торопиться не надо! Сесть я всегда успею!

Ой не похож, ой халтура!

Что Вы на меня так смотрите, отец родной, на мне узоров нету и цветы не растут!

Инспектор Грандэн, «Ищите женщину»

«Ищите женщину»

Какая ты красивая, когда молчишь!

Шура Балаганов, «Золотой теленок»

«Золотой теленок»

Я не нарочно, я машинально! Вот тебе крест!

Узнаю брата Колю!

Афанасий Борщов, «Афоня»

«Афоня»

А ты что, никогда не обедаешь? Верблюд, что ли?

Я не обязан после работы вкалывать.

Полкапли для запаха.

Спасибо, отец, на хлеб не намажешь.

Володя Завитушкин, «Не может быть!»

 

«Не может быть!»

Уберите психическую, а то жениться перестану!

Мамуля-то не хороша совсем. Не понимаю, чего ее среди здоровых держат, не предупреждают? Она же за столом может кого-нибудь вилкой ткнуть!

Я, может, за месяц готовился к таинству брака! Я, может, за полгода сходил в парикмахерскую, в баню!..

Мне, как жениху, неловко спрашивать про такие интимные вещи.

А теперь подсунут какое-нибудь дерьмо — и живи с ним!

Миша Дятлов, «Самая обаятельная и привлекательная»

 

«Самая обаятельная и привлекательная»

— Первый раз вижу дрессировщиков, у которых нет ананасов.

— Ну, нет у нас ананасов!

Еще о киноактерах

 

https://www.google.com.ua/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwiXoOzukanTAhXMKJoKHdGhA04QjRwIBw&url=%2Furl%3Fsa%3Di%26rct%3Dj%26q%3D%26esrc%3Ds%26source%3Dimages%26cd%3D%26cad%3Drja%26uact%3D8%26ved%3D%26url%3Dhttp%253A%252F%252Flive2day.ru%252Favstraliya%252F6-sidneyskiy-opernyy-teatr-avstraliya.html%26bvm%3Dbv.152479541%2Cd.bGg%26psig%3DAFQjCNGjkU7ufMNGiO6_VpffsT1y0szDxQ%26ust%3D1492437626255585&bvm=bv.152479541,d.bGg&psig=AFQjCNGjkU7ufMNGiO6_VpffsT1y0szDxQ&ust=1492437626255585

Сиднейская опера

О театре

Сиднейский оперный театр (англ. Sydney Opera House) — музыкальный театр в Сиднее, одно из наиболее известных и легко узнаваемых зданий мира, являющееся символом крупнейшего города Австралии и одной из главных достопримечательностей континента — парусообразные оболочки, образующие крышу, делают это здание непохожим ни на одно другое в мире. Оперный театр признан одним из выдающихся сооружений современной архитектуры в мире и с 1973 года является, наряду с мостом Харбор-Бридж, визитной карточкой Сиднея. 28 июня 2007 года театр внесён ЮНЕСКО в список объектов Всемирного наследия.
Сиднейский оперный театр находится в сиднейской гавани на Беннелонг-Пойнт. Это место получило такое название по имени австралийского аборигена, друга первого губернатора колонии. До 1958 года на месте театра находилось трамвайное депо, а ещё ранее — форт.
Архитектором оперного театра является датчанин Йорн Утзон, который за проект получил Притцкеровскую премию в 2003 году.
Несмотря на применённую концепцию сферических оболочек, решавшую все проблемы строительства и удачно подходящую для массового производства, точного изготовления и простоты монтажа, — строительство затянулось, в основном из-за внутренней отделки помещений. Планировалось, что строительство театра займет четыре года и будет стоить семь миллионов австралийских долларов. Однако опера строилась целых четырнадцать лет и обошлась в 102 миллиона долларов.
Театр был формально открыт 20 октября 1973 года королевой Австралии Елизаветой II при стечении большого количества народа. Церемония прошла под исполнение Девятой симфонии Бетховена и сопровождалась фейерверком.
Сиднейская опера — шедевр скорее архитектурный, нежели театральный. Это место стало символом Австралии, здесь проходят как спектакли, так и различные шоу, нет привычного театрального оформления, да и репертуар не классический. Но может это такое представление создателей о театре будущего, ведь «Сиднейская опера» была построена всего 37 лет назад. Кстати, открывала ее сама королева Елизавета.

Особенности театра

Даже если вам не знакомо название Сиднейского оперного театра, увидев картинку, вы сразу же узнаете это грандиозное здание.
Идея принадлежит гению архитектуры, датчанину Йорну Утзону. Было запланировано потратить на проект “Сиднейская опера” около 4 лет и 7 миллионов долларов.
Но в результате Сиднейскую оперу вовлекли во множество скандалов, связанных с властью и финансированием. Трагедии, слезы и непонимание: болезненный процесс тянулся долгих 14 лет и оказался в 15 раз дороже. Но все же, невзирая ни на какие преграды, 20 октября 1973 года Сиднейский оперный театр “поднял” паруса и распахнул двери.

Сиднейская опера – шокирующий факт №1

Идеолог проекта, всемирно известный дирижер Юджин Эйнсли Гуссенс, в связи с порноскандалом покинул Австралию в 1956 году. Он перестал концертировать и умер через 6 лет. Позже эту историю использовал местный композитор Дрю Кроуфорд в опере “Юджин и Роя”.

Сиднейская опера – шокирующий факт №2

Говорят, что председатель конкурсного жюри, американский архитектор Ээро Сааринен, выбрал победителя “навеселе”. Он просто устал от груды проектов и наугад достал заветные паруса с возгласом “Господа! Вот ваш оперный театр!”

Сиднейская опера – шокирующий факт №3

Один из самых ярых поклонников и защитников проекта, премьер-министр Австралии Кахилл, первым заложил памятную табличку в фундамент. Но через 6 месяцев он скончался, так и не увидев своей мечты.

Сиднейская опера – шокирующий факт №4

Тот же Кахилл, чтобы помочь финансированию проекта, организовал национальную лотерею. Вскоре одна семья выиграла джек-пот, их ребенка похитили и требовали выкуп. Позже 9-летнего мальчика нашли мертвым.

Сиднейская опера – шокирующий факт №5

Устав от постоянной травли Йорн Утзон, главный архитектор проекта, покинул Австралию 28 февраля 1966 и никогда не возвращался. Говорят, что по пути домой, он выбросил в море или сжег все эскизы Оперного театра. Так что никто теперь не знает тайны, спрятанной под бетонными парусами.

Сиднейская опера – архитектура и интерьер

Здание в стиле экспрессионизма, изрядно приправленное уверенным новаторским штрихом, сразу же по-новому заставило посмотреть на Сидней и Австралию в целом, стало визитной карточкой этой страны.
Площадь театра – 2.2 гектара. Величие и легкость ему придают известные каждому “паруса”. Кровля оперы выполнена из бетона и покрыта плиткой, привезенной в свое время из Дании. Идеально гладкая поверхность не просто белая – в зависимости от света она меняет оттенок. На ней часто устраивают нереальные световые шоу.
Внутренняя отделка выполнена из фанеры, дерева и розового гранита. Не странно, что и здесь продолжается тематика фасада – пространство грандиозно большое, в некоторых местах напоминает палубу.
Внутри – множество помещений. Самые большие – это концертный зал, рассчитанный на 2679 мест, и оперный театр на 1507 человек. Также здесь есть помещения поменьше: драматический театр, игровой зал и студия.
Посещаемость Сиднейского оперного театра – около 4.5 миллионов человек в год. И это неудивительно, ведь это не просто место, где кипит театральная жизнь. Здесь можно понять и прочувствовать, насколько гениальной может быть архитектура.

Еще о театрах

Какой могла быть Сиднейская опера

Сиднейский оперный театр, один из шедевров архитектуры, узнаваемый по всему миру, был спроектирован Йорном Утзоном. Его проект победил на конкурсе 1956 г., обойдя 221 претендента. Открывшись в 1973 г., театр пересмотрел амбиции Австралии, а в прошлом году отметил очередное событие – полностью перестал выделять углерод.

Как стало известно ProfiDOM.com.ua, история создания оперного театра такая же богатая и интересная, как и сама архитектура. В 1956 г. правительство Нового Южного Уэльса объявило конкурс на создание двух концертных залов – для оперы и симфонических концертов, – надеясь таким образом превратить Сидней в один из ведущих городов. Датский архитектор Йорн Утзон выиграл конкурс, представив проект, состоявший всего из нескольких набросков. Но он заинтриговал жюри.
А что оставшиеся претенденты? В попытке представить, каким мог бы быть сиднейский памятник, компании Budget Direct Australia и NeoMam Studios создали иллюстрации семи отвергнутых дизайнов.

1. Команда из Филадельфии
Второе место на конкурсе отдали оперному театру, похожему на подводную лодку. Проект создала импровизированная команда из семи дизайнеров из Филадельфии (США). Как и в случае с проектом-победителем, вдохновением для здания послужила форма ракушки. Планировалось, что при строительстве будут задействованы новейшие достижения в использовании бетона.

2. Пол Бусевейн и Барбара Осмонд
Жюри было потрясено масштабом здания и променадом. А похожий на коробку дизайн и упор на пешие прогулки не может не напомнить об Оперном театре в Осло, построенном пятьдесят лет спустя.

3. Сэр Юджин Гуссенс
Гуссенс был не только дирижером Сиднейского симфонического оркестра, но и директором Государственной музыкальной консерватории Нового Южного Уэльса, а также одним из ключевых голосов, требовавших строительства оперного театра.

4. Петер Коллар и Бальтазар Кораб
По информации ProfiDOM.com.ua, архитекторы в свое время бежали в Австралию от коммунистического режима в Венгрии. Жюри отметило “очень качественное планирование” проекта. Кроме того, это было самое именитое предложение от австралийских архитекторов.

5. Милбурн и партнеры
Милбурн и Доу поместили променад под здание, а на крыше разместили вертолетную площадку. Наверное, на тот случай, если вдруг дирижеру придется срочно куда-то улететь.

6. Вайн и Вайн
Английская компания Vine and Vine представила оперный театр разделенным рестораном на два зала. Как и многие другие претенденты, архитекторы предусмотрели и пространство на улице – площадь у воды.

7. Келли и Грузен
Этот проект немного похож на предыдущий, но в нем чувствуется своеобразный стиль Вегаса.

https://www.google.com.ua/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwicv47DuMXSAhVDDZoKHWGxBVYQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.excurser.ru%2Fplaces%2Faustria%2Fvienna%2Fstate_opera_house.html&psig=AFQjCNEIB8wKrvAIfrA48Yds27k9HkLr2g&ust=1489012105707376

Венская государственная опера: центр мировой культуры

О Венской государственной опере как центре мировой культуры

Венскую оперу нельзя обойти вниманием. Австрия всегда гордилась своими композиторами, именно поэтому здесь так любят ставить постановки на музыку Моцарта. Также здесь прошла премьера всего Вагнеровского цикла «Кольцо Нибелунгов». Построена «Венская опера» 1869 году, внутреннее убранство поражает роскошностью и величественностью. В конце 19 века это место было средоточием культурной жизни Европы. Здесь же до сих пор по традиции ежегодно проходит знаменитый на весь мир «Оперный бал», куда съезжаются богачи со всего мира, хотя раньше он был оплотом местной аристократии.
Венская государственная опера (нем. Wiener Staatsoper, до 1918 года Венская придворная опера) — крупнейший оперный театр в Австрии, центр музыкальной культуры.
Придворная опера в Вене возникла в середине XVII века, спектакли оперы шли в различных театрах. В 1861 году было начато строительство специального здания для Венской оперы по проекту венских архитекторов Августа Зикарда фон Зикардсбурга и Эдуарда ван дер Нюлля; здание было завершено к 1869 году и торжественно (в присутствии Франца-Йозефа и Сисси) открылось 25 мая оперой Моцарта «Дон Жуан». До 1918 года театр находился под покровительством Габсбургов и носил название Придворного оперного театра (нем. Wiener Hof-Operntheater). В 1920-х гг. неофициально его стали называть государственным, но официальное название Венской государственной оперы (нем. Wiener Staatsoper) он получил лишь в 1938 году, с началом Аншлюса. Во вре­мя 2-й ми­ро­вой вой­ны К. Кра­ус, В. Фурт­венг­лер, К. Бём ру­ко­во­ди­ли по­ста­нов­ка­ми со­чи­не­ний Мо­цар­та, Бет­хове­на, Вер­ди. В 1938 со­стоя­лась пре­мье­ра опе­ры «День ми­ра» Р. Штрауса, к 1944 бы­ли по­став­ле­ны все его оперы.
В 1945 году в результате американской бомбардировки здание театра было частично разрушено. Восстановительные работы продолжались до 1955 г., и, наконец, 5 ноября 1955 г. театр был открыт постановкой «Фиделио» Бетховена (под управлением К.Бёма). Тогда же была возобновлена традиция ежегодных балов в Венской опере.

Разнообразная программа Венской государственной оперы

Венская Государственная опера является одним из первых оперных адресов мира, где Вы наслаждаетесь разнообразием на высшем уровне, так как знаменитая сцена предлагает ежедневно меняющуюся программу. Свыше 60 опер и балетных произведений за 285 дней в сезоне – такая плотность представлений возводит Венскую оперу в международном масштабе на первое место.

Репертуар Государственной оперы простирается от эпохи барокко до XXI века, причем в центре внимания находится искусство XIX века. В сезоне 2016/17 состоится пять оперных премьер.

Первой состоится опера Кристофа Виллибальда Глюка «Армида» (октябрь 2016 года, под руководством дирижера Марка Минковски), за ней последуют оперы Джузеппе Верди «Фальстаф» (декабрь 2016 года) и «Трубадур» (февраль 2017 года – с Анной Нетребко и Роберто Аланья в главных ролях). Семён Бычков возьмет на себя музыкальное руководство оперой Рихарда Вагнера «Парсифаль» с Ниной Штемме и Джеральдом Финли (премьера 30.3.2017 года). Опера Клода Дебюсси «Пеллеас и Мелизанда» с 18 июня, спустя почти 30 лет, наконец, вновь появится в программе венской Государственной оперы.

В репертуаре также представлены оперы Моцарта «Дон Жуан» – с Саймоном Кинлисайдом и Эрвином Шроттом – и «Свадьба Фигаро» с великолепной Валентиной Нафорницэ в роли Сюзанны. Пласидо Доминго будет стоять на сцене венской Государственный оперы в опере Верди «Дон Карлос» в роли Родриго вместе с Ферруччо Фурналетто (Филипп II) и Рамоном Варгасом (Дон Карлос).

Лучшие мировые постановщики, режиссеры и художники сцены с огромным удовольствие демонстрируют свое мастерство опытной и критичной венской публике. Среди директоров знаменитого дома на Рингштрассе тон задавали такие крупнейшие деятели музыки, как Густав Малер (1897-1907), Рихард Штраус (1919-1924), Герберт фон Караян (1956-1964) и Клаудио Абадо (1986-1991).

Само здание оперы было построено в 1863-1869 годах и стало одной из первых парадных построек на недавно проложенной Рингштрассе. Авторами проекта тогдашнего Императорского и королевского придворного оперного театра стали архитекторы Аугуст Сикард фон Сикардсбург и Эдуард ван дер Нюль.

А раз в году сцена и паркет Государственной оперы волшебным образом преображаются на одну ночь в огромный бальный зал — здесь проходит венский Оперный бал. Тогда в присутствии президента Австрии более ста пар дебютантов в длинных вечерних платьях и фраках открывают этот бал балов, напоминая о былом очаровании эры Рингштрассе.

11 апреля 2021 года Венская государственная опера проведет прямую онлайн-трансляцию премьерной постановки Кирилла Серебренникова. Для просмотра оперы Рихарда Вагнера «Парсифаль» нужна только регистрация и заказ бесплатного абонемента. 

За дирижерский пульт встанет музыкальный руководитель театра Филипп Жордан. Главные партии исполнят Йонас Кауфман (Парсифаль) и Элина Гаранчи (Кундри). Над визуальным решением спектакля вместе с Кириллом Серебренниковым работали сценограф Ольга Павлюк и художник по костюмам Татьяна Долматовская.

Премьерный показ «Парсифаля», запланированный на 1 апреля, был сорван из-за положительного ковид-теста одного из сотрудников Венской оперы.

Добавим, в Австрии действует запрет на проведение крупных культурных мероприятия до 31 августа. Первую премьеру офлайн театр планирует показать 7 сентября: сезон стартует с оперы Джакомо Пуччини «Мадам Баттерфляй».

Почитать о других театрах

 

 

Корифей театру Богдан Ступка

Богдан Ступка: спогади в цитатах • журнал Коліжанка

«ВСЕ НАШЕ ЖИТТЯ — СУЦІЛЬНА ІМПРОВІЗАЦІЯ, А ЗНАЧИТЬ, ВСЕ НАШЕ ЖИТТЯ — ЦЕ ДЖАЗ!»

Ступка закінчив Львівську СШ № 4 (тепер Львівська лінгвістична гімназія). Богдан хотів вступити на хімічний факультет Львівського університету, але іспити склав невдало. По тому влаштувався в обсерваторію.

— Я міг стати хіміком, астрономом. Була у мене така сторінка в біографії: я працював у Львівському університеті лаборантом-обчислювачем по змінним зіркам, і один старий професор говорив мені: «Я з тебе, Богданчику, зроблю астронома». Не вийшло, — згадував Богдан Сильвестрович.

Ukraine, from Iryna | Words of encouragement, Quotations, Words

1961 року Ступка закінчив студію при Театрі ім. М. Заньковецької, на цій сцені дебютував, як актор і там же до нього прийшла популярність. До речі, його вчителем був Борис Хомич Тягно, курбасівський «березілець», який говорив: «Те, що відбувається на сцені, це як у житті, але на каблук вище, це не побутова правда, а художня!»

— У театрі вважалося, що я «неврастенік із негативною привабливістю». Тож грати «хороших радянських людей» мені не довіряли, — з посмішкою згадував актор. — У п’єси совєтських драматургів режисери мене брали дуже рідко. І це я вважаю — добре бо мав щастя грати Трєплєва у «Чайці», Едмонда у «Королі Лірі», Дона Жуана у «Камінному господарі», Річарда III в однойменній шекспірівській драмі…. Взагалі, якщо актор не грає класику,  тоді занепадає. Треба мати якийсь фантастичний талант, аби не деградувати, працюючи постійно в сучасному репертуарі. Знаєте, тривалий час існувало чітке уявлення про мене як актора на ролі негідників, а я завжди відчував, що моя акторська палітра досить широка…

Ступка зі вдячністю згадував й свого друга і старшого товариша Сергія Данченка, постановки якого стали знаковими у творчій долі режисера і актора…

Моя Україна - Вподобай Моя Україна 🇺🇦 #Цитати #Ступка | Facebook

У Львові актор зустрів своє кохання на все життя — з Ларисою Семенівною вони прожили 45 років, і «це були роки щастя, і всі мої перемоги — це все завдяки моїй Ларисі, яка була моєю Музою, дружиною, найріднішою людиною, хранителькою нашого родинного вогнища», — стверджував Ступка.

Богдан Ступка: докладна біографія великого актора світового масштабу. -  ЗНАЙ ЮА

Pin by Ирина Абдулова on Цитаты | Poems, Wise, Rubrics

Богдан Ступка и Лариса Корниенко. Любимая женщина одного из самых  колоритных актёров современности | Люди и судьбы | Яндекс Дзен

Вдова Ступки: Как жить дальше? Пенсии ни на что не хватает, а дети помогать  не могут, у них своя жизнь / Бульвар

— Коли Сергій Володимирович Данченко дав мені роль Миколи в «Украденому щасті», я тільки що одружився, і для мене були актуальними супутні почуття: ревнощі, зрада, можливість розлучення… Я все перекладав на образ Задорожного, відчував його характер до найдрібніших подробиць і добре розумів його стан… З драматургією Івана Франка в моєму житті багато пов’язано. Можливо, колись зберуся, сяду і напишу книжку…

— Якщо повіриш у те, що кожен твій крок на сцені — високе мистецтво, то це вже катастрофа! Тільки сумнів дає прогрес.Все наше життя — суцільна імпровізація, а отже, все наше життя — це джаз!

Мені завжди казали: не хвалися, що ти це зробив. Ти — просто провідник ідей, які дали тобі батьки і Господь Бог. Якщо у тебе є здібності, ти не маєш цього закопати. І ніколи не будь гордим…

Украина - презентація з історії україни

Живучи у Львові, я любив із парасолькою вийти в дощ, підняти комір плаща та прогулюватися містом… Пам’ятаю старих львівських інтелігентів, які, вітаючи один одного, піднімали капелюхи: «Моє поваження! Як здоров’я? Вітаю вашу родину! Цілую ручки, пані! Прошу, перепрошую, евентуально, автентично…» Звісно, це все з минулих часів, сьогодні нове покоління львів’ян розмовляє інакше. Але в мені залишилося багато чого, закладеного матір’ю, батьком…

До речі, львівські риси я вніс в образ Зиґмунда Фройда у виставі «Істерія». Наприклад, парасолька, з якою я не розлучаюся під час усієї постановки. Це згадка про Львів, оскільки там часто падають дощі…

Нині є макет пам’ятника Богдану Сильвестровичу у капелюсі і з парасолькою (робота скульпторів Чепеликів), який колеги франківці мріють установити біля входу до театру, але поки на реалізацію проєкта бракує коштів…

Богдан Ступка - презентація з біографії

«МОЇ РОЛІ — ЯК ДІТИ, НІ ВІД КОГО НЕ ВІДМОВЛЯЮСЯ»

Київська сторінка творчої долі Богдана Сильвестровича тісно пов’язана з колективом Театру імені І. Франка з 1978 року, коли зі Львова приїхав Сергій Данченко й очолив команду франківців, взявши до себе в трупу двох провідних акторів Театру ім. М. Заньковецької — Ступку і Розстального. Саме Данченку належить розробка моделі поняття «національний театр». Театр Високого Стилю, в якому відверта театральність, вишуканий смак виступають в єдиному синтезі зі справжньою народністю. А коли 2001 року Сергій Володимирович помер, його справу продовжив Богдан Сильвестрович, який очолив Театр ім. І. Франка і ніс прапор франківців до самої смерті. «Мені було легше бути міністром культури, ніж художнім керівником театру…» — зізнавався Б. Ступка.

— Я завжди важко працюю над ролями. Може, всього лише в одну або другу увійшов із першого прочитання чи репетиції. Перевтілюєшся лише тоді, коли знаходиш абсолютно іншу, відмінну від власної пластику героя. Дуже давно, працюючи над виставою «Украдене щастя», я помітив, як тренер київського «Динамо» Валерій Лобановський розхитується на лавці, хвилюючись під час матчу, і я запозичив ці рухи для мого героя Миколи Задорожного в його останній сцені з Михайлом Гурманом, — згадував Богдан Сильвестрович.

До речі, Ступка зі сміхом говорив, що він «вічний студент» бо у Київському театральному інституті вчився довго-довго: заважала велика занятість у театрі, а згодом й у кіно. Тільки у 1984 р. нарешті він отримав диплом, як… театрознавець (!).  Захищав роботу під назвою «Мій Микола Задорожний» по знаковій виставі «Украдене щастя», яка вже стала сучасною класикою…

Ступка дебютував у кіно у фільмі Юрія Іллєнка «Білий птах з чорною ознакою» (1971 р.) — роль Ореста Дзвонаря. На цю роль претендував Іван Миколайчук, але це була роль бійця УПА (тобто негативна за радянських часів), тодішні цензори не хотіли, щоб її грав Миколайчук, який з успіхом створив кінообраз Кобзаря. Затвердили Ступку, за яким після ролі Річарда III у Львівському театрі ім. М. Заньковецької закріпився негативний імідж. Але образ Ореста у трактуванні Ступки виявилося дуже вдалим, і ця роль стала першою окрасою в довжилезному списку кіноробіт митця.

Серед ролей Б.Ступки було багато історичних постатей: гетьмани Іван Брюховецький («Чорна рада»), Іван Мазепа («Молитва за гетьмана Мазепу»), Богдан Хмельницький («Вогнем і мечем»), а також Чингісхан («Таємниця Чингісхана»), Олександр Керенський («Червоні дзвони»), Борис Годунов («Кремлівські таємниці»), Остап Вишня («Із житія Остапа Вишні») та інші. Серед останніх його кіно робіт були: «Тарас Бульба», «Дім», «Одного разу в Ростові» та «Безодня»…

Pin by Roman on Мудрые | Quotes, Wisdom, Life

— Роби справу чесно, з душею — і твоє до тебе прийде. Це не означає, що завтра з’являться золоті гори. Треба бути терплячим, але істину золотих слів для нинішнього покоління закривають золоті гори… Мрією мого життя було, щоб українська культура стала відома в усьому світі. Мрії повинні збуватися, і я щасливий, що маю можливість сприяти цьому…» — казав актор.

10 глибоких цитат Богдана Ступки про життя і війну | То є Львів.

— Працюючи над ролями в картинах «Чорна рада», «Вогнем і мечем» і «Молитва за гетьмана Мазепу», я сам вчився. Спочатку знав про гетьманів поверхово, потім став заглиблюватися, знайомився з архівними матеріалами і відкривав багато цікавого. Наприклад, Іван Мазепа побудував 12 церков в Україні, серед яких дзвіниця Святої Софії у Києві, дав гроші на вівтар Храму гроба Господнього в Єрусалимі. Ще зараз залишилися частини цього вівтаря. При ньому в Україні на високому рівні була освіта. У нього в боржниках була половина Європи. У нього просили гроші не тільки російський цар, а й шведський, і навіть польський королі. Коли пару років тому проводили виставку «Українське бароко» в Лаврі, то тоді демонстрували портрети Мазепи. І що цікаво — їх було більше десятка, і на кожному він різний. Минуло триста років, і нині важко сказати, яким він був дійсно. Скажу одне: для мене він, перш за все, патріот, який любив свою батьківщину. Це прекрасний воїн та полководець, громадський діяч. Постать дуже сильна, вольова. Грати Мазепу мені було важко, бо кожен із нас його уявляє по-своєму. Ми разом з Іллєнком не робили з нього «зацукрованого гетьмана» — такий солодкий, що хочеться його лизнути. Він — глава держави. Був і гуманістом, і жорстоким чоловіком — живою людиною з сильними і слабкими рисами».

Глядачі із захопленням сприймали ролі Ступки, зіграні ним у таких популярних виставах: «Украдене щастя», «Дядя Ваня», «Тев’є Тевель», «Король Лір», «Сни за Кобзарем»,»Кар’єра Артура Уї», «Енеїда», «Записки божевільного», «Цар Едіп», «Лев і левиця», «Легенда про Фауста» та ін. Актор зізнавався, що своїми успіхами завдячує «міцному тилу» — дружині Ларисі. Вона була чудовою балериною. Її запрошували працювати у Великий театр, а вона пожертвувала особистою кар’єрою, зробила затишним дім Ступок, виростила сина, займалася онуками…

Богдан Ступка - презентація з біографії

— Мені не завжди аплодували. Були й розгромні рецензії. Але мої ролі — як діти, ні від кого не відмовляюся. Є три вистави, які вважаю найголовнішими в моєму житті. Це — «Украдене щастя» Івана Франка, «Дядя Ваня» Антона Чехова і «Тев’є-Тевель» Шолом-Алейхема. Мої персонажі — Микола Задорожний, Тев’є-Тевель, Іван Петрович Войницький постійно розмовляють з Богом. «Господи, пропало життя! Якби мені почати життя спочатку… Я міг би бути Шопенгауером, Достоєвським», — а він — ніхто, він — «дядя Ваня». На цю роль мене підштовхнула моя мама. Вона мала стати великою актрисою і не стала. Я виріс у театрі. У сім років батько привів мене до Львівської опери, де працював хористом. Кожної суботи і неділі я дивився вистави. Слуху не мав, але співав. Сусіди скаржилися, а батько мене захищав. Коли я надумав стати актором, то він досить критично до цього поставився і нічим не допомагав. Це правильно, бо в нашій професії потрібно мати сильний характер, щоб чогось добитися. Актор, з одного боку, м’яка губка, а з другого — вольова людина. Це дуже важка праця, насильство над собою: змінюєш ходу, звички, мелодику мови. Актор — важка професія, в ній не можна раз і назавжди схопити Бога за бороду. Треба постійно залишатися учнем і завжди бути готовим до змін…

Сам я нічого не ставлю, не хочу поповнювати когорту бездарних режисерів! Театр зображує, так би мовити, життя. Але там не по-справжньому вмирають, гинуть і так далі. Там грають в це все. Грають у життя. Театр — продовження життя. Ти підносишся трохи над реальністю, але це та ж реальність, тільки в художній формі. Театр — не втеча з життя, просто людина знайшла іншу його форму. Все пов’язане, воно ж не буває окремо: життя — це життя, театр — це театр..

Український глядач — найкращий глядач у світі, і його подяка та оплески є найкращою винагородою для акторів і меценатів. Ми — громадяни однієї країни, і обов’язок кожного зберегти її культурне багатство. Вважаю, що люди, які допомагають у цьому — патріоти України.

Так вийшло, що фактично майстер прощався зі своїми шанувальниками на бенефісі «Концерт №70 від Ступки», який на франківській сцені актор дав 7жовтня 2011 р. У тому вечорі Богдан Сильвестрович дебютував як «ударник», виконавши соло на барабані й тарілках, шуткував, декламував улюблений вірш «Крила», який написала Ліни Костенко: « Людина нібито не літає…//А крила має. А крила має!»…

До речі, 2008 року, на 67 день народження Ступки, працівники Андрушівської астрономічної обсерваторії назвали в його честь астероїд, який відкрили в ніч на 27 серпня. Офіційна назва астероїда — «269 252 Богданступка».

Протягом всього свого життя у актора був сильний зв’язок із матір’ю Марією Григорівною. Навіть народилися вони в один день — 27 серпня. До порад матері Богдан прислухався все життя. Коли Богдан Сильвестрович відчув, що життєві сили почали залишати його, сказав, що хоче померти в той день, коли не стало його мами — 23 липня. До цієї дати Ступка не дожив лише добу…

Сьогодні акторську династію Ступок продовжують син Остап та онук Дмитро в Театрі ім.І.Франка, внучка Устина — студентка факультету «Міжнародне культурознавство», перейшла на II курс, Богдану-молодшому 12 років — він школяр, а правнучці Богданці виповнилось два роки…

СОЗВЕЗДИЕ ЗВЁЗД — *АКТЕРСКИЕ И ТВОРЧЕСКИЕ ДИНАСТИИ* | OK.RU

Нині пам’ять про актора живе у серцях людей, бо нам у спадок він лишив прекрасні театральні вистави і фільми. На Байковому кладовищі встановлений пам’ятник — це бронзовий дуб із перевернутим корінням і в цьому закладено багато смислів і сенсу, які підкреслюють існування митця на землі, його душі…

Тетяна ПОЛІЩУК, «День»

Богдан Ступка фото 17 из 20 в галерее на - 24СМИ

Система Станиславского

Система Станиславского – это то, на что ссылаются многие успешные люди. Однако что это такое, и в чем суть этого феномена знают не все. Если вам нравится саморазвитие, значит, вы должны, по крайней мере, теоретически знать систему Станиславского.

Система Станиславского – это теория сценического искусства, метода актёрской техники. Была разработана русским режиссёром, актёром, педагогом и театральным деятелем Константином Сергеевичем Станиславским в период с 1900 по 1910 год.
В системе впервые решается проблема сознательного постижения творческого процесса создания роли, определяются пути перевоплощения актёра в образ.
Естественно, Станиславский использовал в своей работе важные моменты эвристики (Наука, изучающая процессы продуктивного творческого мышления.) вообще, и латерального мышления ( это умение мыслить нестандартно, нешаблонно, используя максимальное количество подходов к решению задачи, которые довольно часто игнорируются человеческим логическим мышлением). в частности. Это при том, что тогда этих направлений в науке не существовало как самостоятельных дисциплин.
Целью системы Станиславского является достижение полной психологической достоверности актёрской игры.

В основе системы лежит разделение актёрской игры на три технологии: ремесло, представление и переживание.
Ремесло по Станиславскому основано на использовании готовых штампов, по которым зритель может однозначно понять, какие эмоции имеет в виду актёр.
Искусство представления основано на том, что в процессе длительных репетиций актёр испытывает подлинные переживания, которые автоматически создают форму проявления этих переживаний, но на самом спектакле актёр эти чувства не испытывает, а только воспроизводит форму, готовый внешний рисунок роли.
Искусство переживания — актёр в процессе игры испытывает подлинные переживания, и это рождает жизнь образа на сцене.
Система в полной мере описана в книге К. С. Станиславского «Работа актёра над собой», которая вышла в свет в 1938 году.

Станиславский умер в 1938 году, однако его научные достижения и творческое осмысление психологии человека актуальны и по сей день. В данной статье мы рассмотрим 7 основных принципов, из которых состоит система Станиславского.

1. Действие – основа сценического искусства

Система Станиславского является достаточно условным понятием. Сам автор признавался в том, что научиться мастерству и набраться опыта, ученик может лишь при тесном общении с учителем.
То есть на расстоянии добиться хорошего результата просто невозможно. Интересно, что многие понимают систему Станиславского по-разному. Даже главные ее условия могут отличаться у тех или иных актеров или режиссеров.
Центральным элементом системы нужно считать принцип действия.
Действие в свою очередь является основой сценического искусства, поскольку любой спектакль состоит из множества действий, каждое из которых должно приводить к достижению какой-то конкретной цели.
При выстраивании своей роли, артисту не стоит просто имитировать эмоции и чувствасвоего персонажа, поскольку тогда его игра окажется фальшивой.
Напротив, актер обязан пытаться выстраивать цепочку, состоящую из простых физических действий. Благодаря этому его игра на сцене будет правдивой и естественной.

2. Не играть, а жить

Правдивость, в системе Станиславского является одним из самых важных элементов. Ни один актер или режиссер не может изобразить что-то лучше, чем то, что существует в природе, в реальном мире.
Природа – это и главный художник, и инструмент, а значит именно ее нужно использовать. Во время выступления перед публикой надо не просто исполнять роль, а всецело жить ею.
В записях самого Станиславского встречается следующая фраза: «При своем показе Хлестакова я тоже минутами ощущал себя самого в душе Хлестаковым». Любая роль должна стать важной составляющей самого артиста.
Но, чтобы достичь такого результата, выступающему следует задействовать свой жизненный опыт и фантазию, благодаря чему ему удастся поверить в то, что он исполняет именно те действия, что и его герой.
В таком случае все составляющие роли и ваши актерские задачи будут не надуманными, а буквально частями вас самих.

3. Анализ

Человек так устроен, что он зачастую не способен анализировать собственные эмоции. Ему не удается замечать, что он чувствует, когда ест, ходит или говорит. Также нам не свойственно анализировать поступки иных людей.
Актер же напротив, обязан быть очень хорошим исследователем. Например, ему стоит во всех подробностях исследовать то, как проходит его обычный день. Или наблюдать за поведением человека, пытающегося понравиться людям, к которым он пришел в гости.
Эти и другие наблюдения должны стать привычными. Благодаря этому, актер или режиссер сможет собрать определенную информацию и набраться опыта. Помимо всего прочего, ему удастся грамотно выстраивать цепочку физических действий, а значит и переживаний своего персонажа.

4. Простота, логика и последовательность

По мнению Станиславского партитура (цепочка) физических действий должна быть максимально простой и ясной. В связи с тем, что артисту приходится сотни раз выступать перед зрителями, он должен вновь и вновь переживать свою роль, а при сложной схеме действий он непременно запутается.
Ему окажется гораздо труднее выражать какие-нибудь эмоции на сцене, а зрителю в свою очередь, будет сложнее анализировать его игру. Станиславский полагал, что практически все действия людей весьма логичны и последовательны. Поэтому такими же они должны быть и во время театральной постановки.
Логика и последовательность должны присутствовать во всем: в целях, желаниях, размышлениях, эмоциях, поступках и прочих областях. В противном случае будет происходить все та же неразбериха.

5. Сверхзадача и сквозное действие

Одним из самых важных условий системы Станиславского является такое понятие, как сверхзадача. Ни артисты, ни режиссеры, ни в коей мере не должны пренебрегать идей автора пьесы в угоду собственным мнениям.
Режиссер обязан всецело раскрывать идею автора и пытаться выражать ее на сцене. А актером, помимо этого, следует еще и максимально глубоко проникаться идеями своих героев. Сверхзадача состоит в том, чтобы выразить главную мысль произведения, поскольку в этом и заключается основная задача спектакля.
Все участники актерского коллектива должны стараться достигнуть данной цели. Добиться этого можно при условии выяснения главной линии действия, проходящей через все части произведения и называющейся сквозным действием.

6. Коллективность

Сверхзадача станет доступной лишь при условии, когда все артисты объединят свои усилия в работе над спектаклем. Станиславский утверждал, что взаимная уступчивость и понимание общей цели чрезвычайно важны.
Когда артист старается проникнуться идеями художника, писателя или режиссера, а художник или писатель в желания актера – то в таком случае все будет великолепно. Артисты обязаны любить и понимать то, над чем они работают, а также уметь уступать друг другу.
При отсутствии в актерском коллективе взаимоподдержки, искусство будет обречено на провал. Многие из вас наверняка слышали знаменитую фразу Станиславского: «Любите искусство в себе, а не себя в искусстве».

7. Воспитание театром

Искусство непременно должно быть хорошим воспитателем, как для актерской труппы, так и для публики, пришедшей в театр. Сам Константин Сергеевич признавал, что основной задачей театрального искусства является развлечение.
Но в тоже время он дополнял свою мысль следующим образом: «Публика идет в театр для развлечения и незаметно для себя выходит из него обогащенная новыми мыслями, ощущениями и запросами благодаря духовному общению с ней авторов и артистов».
Очень важно помнить о том, что зрители будут посещать спектакли, как в качестве развлечения, так и для того, чтобы отвлечься от бытовых хлопот, семьи и работы. Но само собой, это никоим образом не должно подстегивать актеров идти на поводу у публики.
Ведь когда зрители рассаживаются по местам и в зале гасят свет, «мы можем вливать им в душу все, что захотим», – говорил Станиславский.

Габдулла Тукай. Театр

Театр- и зрелище и школа для народа, Будить сердца людей- вот в чем его природа! На путь неправедный он не дает свернуть, Он к свету нас ведет, открыв нам правый путь.
Волнуя и смеша, он заставляет снова Обдумать прошлое и смысл пережитого. На сцене увидав правдивый облик свой, Смеяться будешь ты иль плакать над собой.
Узнаешь: жизнь твоя светла иль непроглядна, Вот это верно в ней, а это в ней неладно. Развить захочешь ты достойные черты — Так новой мудростью обогатишься ты.
И если ты хорош — то только лучше станешь, А если ты дикарь — из темноты воспрянешь. В театре рангов нет, в нем так заведено: Ты господин иль раб — театру все равно!
Он чист и величав, влечет он к светлым весям, Свободен и широк, он свят и независим. Он — благонравья храм, он- знания дворец. Наставник для умов, целитель для сердец.

ВЕРЮ!!! КОНСТАНТИН СТАНИСЛАВСКИЙ

ПАМЯТИ ВЕЛИКОГО ГЕНИЯ СЦЕНИЧЕСКОГО ИСКУССТВА ПОСВЯЩАЕТСЯ

Система Станиславского — теория сценического искусства, метода актёрской техники. Была разработана русским режиссёром, актёром, педагогом и театральным деятелем Константином Сергеевичем Станиславским в период с 1900 по 1910 год.

В системе впервые решается проблема сознательного постижения творческого процесса создания роли, определяются пути перевоплощения актёра в образ. Целью является достижение полной психологической достоверности актёрской игры. В основе системы лежит разделение актёрской игры на три технологии: ремесло, представление и переживание.

Константин Сергеевич Станиславский (настоящая фамилия Алексеев) вошел в российскую историю как великий реформатор театра, актер, режиссер, руководитель театров, теоретик и педагог. Создатель знаменитой актерской системы, которая на протяжении 100 лет имеет огромную популярность в России и в мире.

Константин Алексеев родился 5 (17) января 1863 года в Москве, в многодетной (всего у него было девять братьев и сестер) купеческой семье, состоявшей в родстве с крупнейшими заводчиками и меценатами того времени — С.И. Мамонтовым и братьями Третьяковыми. Отец — Сергей Владимирович Алексеев, мать — Елизавета Васильевна (урожденная Яковлева). Городской голова Москвы Алексеев приходился ему двоюродным братом. Младшая сестра — Зинаида Сергеевна Соколова (Алексеева), заслуженная артистка РСФСР. Дед Константина Станиславского, П. Алексеенко, родился на Украине и после женитьбы переехал в Москву, где сменил фамилию на Алексеев.
Свою сценическую деятельность Станиславский начал еще в юности. 5 сентября 1877 года Костя Алексеев (псевдоним Станиславский он взял в 1885 году) впервые выступил в домашнем любительском спектакле. Вокруг него образовался кружок любителей театра, получивший название Алексеевского. В 1888 году Станиславский совместно с режиссером А.Ф. Федотовым, певцом и педагогом Ф.П. Комиссаржевским, художником Ф.Л. Соллогубом основал Общество искусства и литературы и создал при нем драматическую труппу. В 1898 году Станиславский вместе с Владимиром Немировичем-Данченко основал Московский художественный театр.

Уже в постановках Алексеевского кружка и в других любительских спектаклях проявилось замечательное актерское дарование Станиславского. Он сыграл в ту пору многие комедийные роли в опереттах и водевилях, Подколесина в «Женитьбе» Гоголя и Несчастливцева в «Лесе» А. Островского. В Обществе искусства и литературы круг ролей Станиславского расширился. Наряду с комедийными он создал и трагические образы, например Отелло в трагедии Шекспира и Уриэля Акосты в одноименной пьесе Гуцкова, выступив и постановщиком этих спектаклей.
Первая крупная самостоятельная режиссерская работа Станиславского была еще раньше, в 1891 году, тогда он поставил «Плоды просвещения» Л. Толстого. Станиславский увидел в этой комедии не просто осмеяние духовного убожества обывательского аристократического мирка, но прежде всего изображение горькой мужицкой доли. В необыкновенно разнообразном актерском творчестве Станиславского (от Астрова в «Дяде Ване» Чехова и Сатина в «На дне» Горького до ярко комедийных ролей Крутицкого в пьесах «На всякого мудреца довольно простоты» Островского и Аргана в «Мнимом больном» Мольера), в его режиссерской деятельности отразилась плодотворность принципов жизненной правды.
Первой постановкой Станиславского после революции стал «Каин» Дж.Г. Байрона (1920). Репетиции только начались, когда Станиславский был взят заложником при прорыве белых на Москву. Общий кризис усугублялся в Художественном театре тем, что значительная часть труппы во главе с Василием Качаловым, выехавшая в 1919 году в гастрольную поездку, оказалась отрезанной военными событиями Гражданской войны от Москвы.
Безусловной победой стала постановка «Ревизора» (1921). На роль Хлестакова Станиславский назначил Михаила Чехова, недавно перешедшего из МХАТа (театр уже был объявлен академическим) в его 1-ю студию. В 1922 году МХАТ под руководством Станиславского отправляется в длительные зарубежные гастроли по Европе и Америке, которым предшествует возвращение (не в полном составе) качаловской труппы.

Деятельность Станиславского в 20–30-е годы определялась прежде всего его желанием отстоять традиционные художественные ценности русского искусства сцены. Станиславский так определял стоящую перед артистом задачу: «Должно быть, рутиной называют театральность, то есть манеру ходить и говорить как-то особенно на театральных подмостках. Если так, то не следует путать рутину с необходимыми условиями сцены, так как последняя требует, несомненно, чего-то особенного, что не находится в жизни. Вот тут-то и задача: внести на сцену жизнь, миновав рутину (которая убивает эту жизнь) и сохранив в то же время сценические условия». На протяжении всего своего творческого пути Станиславский и искал решения этой задачи. В ходе этих исканий он пришел к открытию и определению законов сценического творчества, известных под названием системы Станиславского. Эта система — открытие законов, коренящихся в природе творчества актера. Система Станиславского неразрывно связана с искусством переживания, которое ее создатель считал высшим ввыражением принципов сценического реализма. Станиславский противопоставлял искусство переживания ремеслу — использованию раз и навсегда установленных штампов, и отличал от искусства представления, основанного на механическом повторении лишь однажды достигнутого в процессе живого переживания результата. С самого начала своей деятельности Станиславский видел в артисте носителя высоких гражданственных, этических принципов. Отсюда возникло учение о сверхзадаче — главной идейной цели, ради которой артист творит. Со сверхзадачей связано понятие сквозного действия — единой главной линии действия.
После тяжелейшего инфаркта, случившегося в юбилейный вечер во МХАТе в 1928 году, врачи навсегда запретили Станиславскому выходить на подмостки. Станиславский вернулся к работе только в 1929 году, сосредоточившись на теоретических изысканиях, на педагогических пробах «системы» и на занятиях в своей Оперной студии Большого театра, существовавшей с 1918 году (ныне Московский академический музыкальный театр имени К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко).

В конце своей жизни Станиславский пришел к так называемому методу физических действий, основанному на признании ведущего значения физической природы действия в овладении внутренней жизнью роли. Физическое действие в понимании Станиславского неотделимо от «жизни человеческого духа», которую артист призван раскрывать перед зрителем. Систему Константина Сергеевича Станиславского — замечательное наследие великого мастера — знают и ценят во всем мире.

Станиславский умер 7 августа 1938 году в Москве, похоронен на Новодевичьем кладбище.

Мы помним чудный день рожденья,
Когда на свет родился ты!!!!
О, Константин, для нас ты — вдохновенье!!!!!
Сегодня в дар несём тебе цветы!!!!

Ты основал великую систему,
Ты создал знаменитый, вечный МХАТ,
И зрители с восторгом и благоговеньем
На все спектакли в этот МХАТ спешат!!!!!

Ты научил в себе любить искусство
И сцену ты свою всегда любил!!!!!
С высоким, неизменным чувством ПРАВДЫ
Всегда на эту сцену выходил!!!!!

Как режиссёр всегда был идеален!!!!
Тебе кричали люди: «Браво!!!!! Бис!!!!!»
О, Станиславский, самый лучший режиссёр наш!!!!
И идеальный навсегда артист!!!!!

Пусть мчатся все века и пусть проходят годы
И время пусть бежит, как с гор вода,
Но Станиславского навеки не забудем!!!!
Его Систему будем чтить всегда!!!!

Дубникова Олеся

РОЛЬ МУЗЫКИ В ТЕАТРЕ

Театральная музыка, в широком смысле музыка в любых театральных спектаклях, то есть как в постановках театра музыкального (опера, балет, оперетта, музыкальная драма, музыкальная комедия), так и драматического. Обычно под театральной музыкой понимают только музыку в спектаклях драматического театра (в трагедии, драме, комедии). В музыкальном театре музыка — важнейшее средство характеристики образов и сценических положений, неотъемлемый компонент драматургии спектакля, в конечном счёте — ведущий проводник художественной идеи. В драматическом театре она способствует созданию определённой эмоциональной атмосферы спектакля; наряду с прочими средствами воссоздаёт исторический, национальный и локальный колорит, углубляет характеристики персонажей, подчёркивает переломные моменты развития действия, драматические кульминации. Велика её роль в лирических сценах, в обрисовке сказочных, фантастических образов. Часто она выполняет и важную драматургическую роль.
Издавна известны формы драматического искусства, в которых музыка занимала большое место, — античная трагедия и комедия, итальянская комедия дель арте, английские маски, китайский театр, театральные жанры народов Востока и др. В западноевропейском драматическом искусстве 19—20 вв. такими формами стали опера-водевиль, пролог как самостоятельная пьеса, дивертисмент.
В ряде пьес включение определённых музыкальных номеров предусмотрено самим драматургом; эти номера составляют органическую часть такой пьесы и должны исполняться во всех её постановках. В других случаях театральная музыка представляет один из элементов постановки пьесы, вводимый режиссёром в соответствии с его сценическим замыслом. Иногда режиссёр привлекает композитора, который создаёт музыкальное оформление пьесы для данной постановки. Режиссёр может также отбирать представляющиеся ему подходящими музыкальные пьесы и фрагменты из различных сочинений, не связанных с постановкой.
Театральная музыка, включение которой в спектакль предопределено драматургом, это большей частью музыкальные пьесы, исполняющиеся непосредственно на сцене (сольное и хоровое пение, игра на музыкальных инструментах, бальный или военный оркестр и др.). При этом обычно музыка звучит за сценой, актёр же только имитирует игру на музыкальном инструменте и даже пение. Часто реальному или имитируемому пению на сцене аккомпанирует оркестр, не предусмотренный сценическим действием; иногда так же ставятся и танцевальные сцены. Театральная музыка, относящаяся к сценическому оформлению данной постановки, звучит главным образом во время немых, мимических сцен, иногда же составляет фон для монологов, диалогов и др. Наряду с привлечением артистов-музыкантов, хора, оркестра в 20 веке для музыкального оформления спектакля часто используется звукозапись.
Помимо музыкальных номеров, вплетающихся в сценическое действие, применяются и относительно крупные инструментальные пьесы, предваряющие всю постановку или отдельные акты спектакля, — увертюра и антракты.Такие музыкальные сочинения, по характеру образов и их развитию тесно связанные с данной пьесой, представляют разновидность программной музыки.
Многие номера театральной музыки, написанные выдающимися композиторами, живут и самостоятельной жизнью, исполняются в концертах в первоначальном виде (главным образом увертюры, например Л. Бетховена к драме «Эгмонт» Гёте, Ф. Мендельсона-Бартольди к комедии «Сон в летнюю ночь» Шекспира) или в осуществленных автором обработках, обычно в виде сюит (например, сюиты Э. Грига из музыки к драме Ибсена «Пер Гюнт», сюита Ж. Визе из музыки к драме «Арлезианка» Доде и др.). Для драматического театра писали многие композиторы, в том числе Ж. Б. Люлли («Мещанин во дворянстве», «Господин де Пурсоньяк» Мольера), Р. Шуман («Манфред» Байрона), О. А. Козловский («Фингал» Озерова), А. Н. Верстовский («Параша Сибирячка» Полевого), М. И. Глинка («Князь Холмский» Кукольника), М. А. Балакирев («Король Лир» Шекспира), П. И. Чайковский («Снегурочка» Островского), А. С. Аренский («Буря» Шекспира), А. К. Глазунов («Маскарад» Лермонтова). Яркие страницы Т. м. создали советские композиторы: Д. Б. Кабалевский («Гибель эскадры» Корнейчука, «Школа злословия» Шеридана), А. А. Крейн («Много шума из ничего» Шекспира), А. И. Хачатурян («Маскарад» по Лермонтову), Т. Н. Хренников («Много шума из ничего» Шекспира, «Давным-давно» Гладкова), Д. Д. Шостакович («Гамлет» Шекспира).

https://www.youtube.com/watch?v=DU9W5c0kpDE

Вупи Голдберг

Жизненный путь

Вупи Голдберг (англ. Whoopi Goldberg) родилась 13 ноября 1955 года в Нью-Йорке (США), в бедной семье. Её настоящее имя — Кэрин Элейн Джонсон (англ. Caryn Elaine Johnson), а псевдоним Вупи она взяла в память о своём детстве, он происходит от прозвища-дразнилки «whoopee cushion». Актёрский талант Вупи проявился ещё в раннем детстве. С восьми лет девочка играла на сцене детского театра Элен Рубинштейн. Однако общее образование получить не смогла из-за дислексии. В юности Кэрин становится хиппи и начинает употреблять наркотики. Бросить пагубное пристрастие ей помог её будущий муж Элвин Мартин, который в начале 1970-х годов был активистом движения «Против наркотиков». Кэрин на долгие годы забыла о своём актёрском призвании и работала ночным сторожем, строителем и на прочих неквалифицированных работах.

В 1974 году её приглашают в труппу нового театра «Репертори тиэтр» в Сан-Диего. Вупи расстается с мужем и уезжает из Нью-Йорка. Её театральным дебютом этого времени можно назвать главную роль в спектакле «Мамаша Кураж».

В 1983 году Вупи ставит собственную пьесу «Шоу привидений», в которой сама играет все шесть ролей. Шоу имеет большой успех, актриса начинает гастролировать по Америке, Канаде и Европе. После выступления на Бродвее, Вупи Голдберг приглашают в мюзикл «Иисус Христос – суперзвезда».

Картинки по запросу вупи голдберг «Иисус Христос – суперзвезда».

В кино актриса дебютирует в 1985 году в фильме Стивена Спилберга «Лиловый цвет» и за блестяще сыгранную в нём главную роль получает «Золотой глобус» и номинацию на «Оскар».

В 1991 году Вупи Голдберг получила награды «Оскар», «Золотой глобус» и BAFTA за роль второго плана в фильме «Привидение».

Отмечена работа Вупи и на Международном кинофестивале в Сан-Себастьяне за участие в фильме Андрея Кончаловского «Гомер и Эдди» (1989) и в Каннах 1992 года за ленту «Серафина» и «Игрок».

Кстати, она является одной из немногих актрис, кто удостоен четырёх главных американских престижных наград: «Оскар», «Грэмми», «Эмми» и «Тони», также в её копилке – два «Золотых глобуса», BAFTA и Звезда на Аллее славы.

Актриса играет в самых разных жанрах: комедии, детективах, фантастике. В её фильмотеке такие ленты, как «Джек-Попрыгун», «Воровка», «Роковая красотка», «Действуй, сестра!»,

Картинки по запросу

«Лунный свет и Валентино», «Призраки Миссисипи», «Рыцарь Камелота» и другие. Всего в фильмографии Вупи более 100 киноролей. Голдберг также снималась в сериалах и принимала участие в озвучивании различных фильмов. Одновременно с работой в кинематографе Вупи Голдберг сделала успешную карьеру и на телевидении. Она несколько лет была постоянной участницей юмористического шоу «Комическая помощь», вела авторское ток-шоу, а в 1994 году дебютировала в качестве ведущей церемонии вручения премий «Оскар». С тех пор она имеет грандиозный успех в качестве ведущей различных церемоний и продолжает активно сниматься в кино, а ещё известна как активный общественный деятель. 

Некоторые цитаты

Картинки по запросу вупи голдберг цитаты

Картинки по запросу вупи голдберг 1992

Людмила Гурченко

Жизненный путь

Людмила Марковна Гурченко родилась 12 ноября 1935 года в Харькове. Девочка росла в музыкальной семье и рано проявила артистические наклонности: читала стихи и танцевала под отцовский баян, выступала перед гостями. После школы уехала в Москву и в 1958 году окончила ВГИК. Дебютировала Гурченко в кино еще студенткой в 1956 году. Первый фильм, где она сыграла — «Дорога правды», не был особенно отмечен, но вслед за ним в этом же году вышла «Карнавальная ночь» Эльдара Рязанова, где Гурченко снялась вместе с широко известным Игорем Ильинским.

Картинки по запросу людмила гурченко карнавальная ночь

После фильма актриса стала любимицей публики. Людмила Гурченко проявила талант и как комедийная актриса в фильме «Девушка с гитарой»,

Картинки по запросу людмила гурченко «Девушка с гитарой»

и как драматическая в ленте «Рабочий посёлок».

А прекрасный вокал продемонстрировала в мюзикле Леонида Квинихидзе «Соломенная шляпка».

Актриса сыграла главные роли в фильмах, ставших классикой советского кинематографа: «Вокзал для двоих»,

«Любимая женщина механика Гаврилова»,  «Сибириада»,

«Любовь и голуби»,

Картинки по запросу людмила гурченко «Любовь и голуби»

«Виват, гардемарины!»  и многих других. В 1980-е годы Гурченко была удостоена награды «Золотой орел», звания «Лучшая актриса 1983 года» и стала Народной артисткой СССР. Всего в фильмографии актрисы около 90 фильмов. Кроме того, она автор нескольких книг, выпущен ряд пластинок с песнями в ее исполнении. В конце 20 века Людмила Гурченко получила Государственную премию РФ в области литературы и искусства, орден «За заслуги перед отечеством» IV степени и стала почетным гражданином Харькова. Она до последнего дня вела активную творческую жизнь, выступала в концертах и на телевидении. Людмила Марковна Гурченко умерла 30 марта 2011 года в Москве. 

Картинки по запросу людмила гурченко цитаты

Некоторые цитаты

Картинки по запросу людмила гурченко цитаты

Картинки по запросу людмила гурченко цитаты

Картинки по запросу людмила гурченко цитаты

Картинки по запросу людмила гурченко цитаты