Стихи о цирке

Цирк, цирк, цирк
Это сказочный сверкающий шатер.
Цирк, цирк, цирк —
Это кольцами играющий жонглер,
Это тигров полосатых грустный рев,
Это музыка и свет прожекторов.

Припев:
Любите цирк, цирк, цирк
И почаще приходите в цирк.

Цирк, цирк, цирк —
Это фокусник, творящий чудеса.
Цирк, цирк, цирк —
Это детства удивленные глаза,
Это пестрые летящие мячи,
Это гнущие подковы силачи.

Цирк, цирк, цирк —
Это лошади, танцующие вальс.
Цирк, цирк, цирк —
Это клоун, рассмешить сумевший нас,
Это смелые под куполом прыжки,
Это зрителей горячие хлопки.

Цирк, цирк, цирк —
Это делающий сальто акробат.
Цирк, цирк, цирк —
Это вечный праздник взрослых и ребят,
Это — сила, это — ловкость, это — труд,
А, поверьте, путь к победе очень крут.

Любите цирк, цирк, цирк
И почаще приходите в цирк.

Пляцковского М.

Похожее изображение

Цирк – это мир с особыми людьми,
И во вселенной нет такой планеты,
Где столько смелости и любви,
И риск – зачем – не требует ответа.

Опасность, боль здесь – это просто труд,
Красивый, как картины Рафаэля.
Здесь всё без дураков и здесь не врут
Все силы отдавая не жалея!

Мой мир – манеж! И здесь моё начало,
Хотя в манеже нет начала и конца.
И все мы здесь, у нашего причала
И бьются громко в унисон сердца

И в каждом сила, и любовь, и счастье
И сколько здесь родных, знакомых лиц.
Зови труба, предвестник дальних странствий!
И в этом сила, любовь и счастье!

И счастлив я, что цирк – мне дом родной.
Как говорят, в опилках я родился.
С ним связан я и делом, и судьбой.
С манежем до рожденья обручился

И с ним навек останусь до конца,
Передавая дело по наследству.
И снова бьются в унисон сердца
Моё, твоё и цирковое детство!

Боровик Э.

Картинки по запросу цирк

Взмахнул рукою дирижёр,
Грохочет музыки мажор,
И вновь ударил барабан,
И вновь ударил барабан,
И все расселись по местам!

Все тот же купол и фасад,
И каждый зритель видеть рад,
Огни знакомых фанарей,
И пару вздыбленных коней!

Мой старый цирк моя любовь,
Мой старый цирк, родился вновь,
И перестанут петь певцы,
Куда, куда, уехал цирк!

Мой старый цирк опять сомной,
Мой старый цирк, бульвар цветной,
Мой старый цирк из детских снов,
Моя судьба, моя любовь!

Идут гимнасты, силачи,
Жонглёры бросили мячи,
И всем давно понять пора,
Что наша жизнь игра, игра,
Слепят глаза прожектора.

Сияют лица малышей,
У них улыбка до ушей,
Но не скрываю слезы я,
Цирк продолжается, друзья!

Мой старый цирк моя любовь,
Мой старый цирк родился вновь,
И перестанут петь певцы,
Куда, куда, уехал цирк!

Мой старый цирк опять сомной,
Мой старый цирк, бульвар цветной,
Мой старый цирк из детских снов,
Моя судьба, моя любовь!
Моя судьба, моя любовь!

Юрий Никулин

Картинки по запросу Юрий Никулин

Владимир Высоцкий
Текст песни Натянутый канат

Он не вышел ни званьем, ни ростом.
Нe за славу, нe за плату —
На свой, необычный манер
Он по жизни шагал над помостом —
По канату, по канату,
Натянутому, как нерв.

Посмотрите — вот он
без страховки идет.
Чуть правее наклон —
упадет, пропадет!
Чуть левее наклон —
все равно не спасти…
Но должно быть, ему очень нужно пройти
четыре четверти пути.

И лучи его с шага сбивали,
И кололи, словно лавры.
Труба надрывалась — как две.
Крики «Браво!» его оглушали,
А литавры, а литавры —
Как обухом по голове!

Посмотрите — вот он
без страховки идет.
Чуть правее наклон —
упадет, пропадет!
Чуть левее наклон —
все равно не спасти…
Но теперь ему меньше осталось пройти —
уже три четверти пути.

«Ах как жутко, как смело, как мило!
Бой со смертью — три минуты!» —
Раскрыв в ожидании рты,
Из партера глядели уныло
Лилипуты, лилипуты —
Казалось ему с высоты.

Посмотрите — вот он
без страховки идет.
Чуть правее наклон —
упадет, пропадет!
Чуть левее наклон —
все равно не спасти…
Но спокойно,- ему остается пройти
всего две четверти пути!

Он смеялся над славою бренной,
Но хотел быть только первым —
Такого попробуй угробь!
Не по проволоке над ареной,-
Он по нервам — нам по нервам —
Шел под барабанную дробь!

Посмотрите — вот он
без страховки идет.
Чуть правее наклон —
упадет, пропадет!
Чуть левее наклон —
все равно не спасти…
Но замрите,- ему остается пройти
не больше четверти пути!

Закричал дрессировщик — и звери
Клали лапы на носилки…
Но прост приговор и суров:
Был растерян он или уверен —
Но в опилки, но в опилки
Он пролил досаду и кровь!

И сегодня другой
без страховки идет.
Тонкий шнур под ногой —
упадет, пропадет!
Вправо, влево наклон —
и его не спасти…
Но зачем-то ему тоже нужно пройти
четыре четверти пути!

Би Би Кинг — Король блюза

Жизненный путь

Признанный «Королем блюза», Би Би Кинг долгое время входил в число наиболее влиятельных музыкантов мира. Имя легендарного исполнителя в 1987-м году было включено в Зал славы рок-н-ролла. Родившийся на хлопковой плантации, на пике известности он давал сотни концертов в год. Рекордным оказался для Би Би Кинга 1956 год, когда музыкант вышел на сцену более 340 раз. Би Би Кинг (B.B. King, настоящее имя – Райли Би Кинг, Riley B. King) родился 16 сентября 1925 года в американском штате Миссисипи. Мать бросила сына, когда ему исполнилось лишь четыре. Отцу тогда приходилось очень много работать, поэтому воспитанием ребенка преимущественно занималась бабушка. В юности Би Би пел в церковном хоре. Первая гитара появилась у мальчика примерно в двенадцатилетнем возрасте. В 1943 году Кинг, бросив работу тракториста, решил посвятить свою жизнь творчеству. Покинув Килмайкл, где жила его бабушка, он устремился в Мемфис. Однако в штате Теннесси будущей звезде пришлось нелегко. Через несколько месяцев, не выдержав тягот, гитарист вернулся домой, где продолжил занятия музыкой. Пару лет спустя талант Кинга оценили на радиостанции в Уэст-Мемфисе, где он выступал как певец и диск-жокей. Именно там артиста и прозвали «Блюзбой» (Blues Boy), сокращенный вариант этого сценического псевдонима позже станет широко известным в музыкальном мире.

Похожее изображение

Прорыв случился в 1949 году, когда Кингу удалось записать первые четыре трека для Jim Bulleit’s Bullet Records. Затем был подписан контракт с лос-анджелесской студией RPM. Композиции для нее продюсировал еще один родственник музыканта – Сэм Филлипс, который в то время активно сотрудничал с известными американскими блюзменами. В течение 1950-х годов слава Кинга лишь набирала обороты. Музыкант быстро занял место среди наиболее заметных ритм-энд-блюзовых музыкантов. Соединенные Штаты восторженно приняли композиции как You Know I Love You, Sneakin’ Around, Bad Luck и Please Accept My Love, а также другие песни Би Би Кинга. Вместо 85 долларов артист зарабатывал за неделю уже 2500 долларов.

 

В 1970 году песня The Thrill Is Gone была удостоена премии «Грэмми», а журнал Rolling Stone внес композицию в число «величайших песен всех времен». Впоследствии музыкант еще не раз получит «Грэмми». Награду получат разные альбомы, а также сам Би Би Кинг – за его «жизненные достижения». Да и список других наград, которые в течение творческого пути вручались исполнителю, поражает воображение своей длиной. Би Би Кинг был официально женат дважды. Однако ни Марту Ли Дентон, ни Сью Кэрол Холл не устраивали слишком плотные графики выступлений известного супруга. Как пишет американская пресса, король блюза имел множество романов. Разные женщины родили ему не менее пятнадцати детей. Вплоть до начала 2000-х годов Би Би Кинг активно гастролировал. В 2004 году, отметив 75-летие, музыкант заявил о том, что будет выступать реже. Однако, несмотря на прошедший летом 2005 года «Прощальный тур» по странам Европы, он вернулся туда через год. Продолжались выступления и в родных Штатах. Осенью 2014 года Би Би Кинг, проживший свыше двадцати лет с сахарным диабетом 2-го типа, уже всерьез признался, что прекращает концертную деятельность. Весной 2015 года музыканта экстренно госпитализировали из-за резкого ухудшения состояния. Несмотря на все усилия врачей, болезнь зашла слишком далеко… 14 мая 2015 года Би Би Кинг скончался в собственном доме в Лас-Вегасе (США) из-за осложнений сахарного диабета. Артисту было 89 лет. 

Картинки по запросу Би Би Кинг картинки

Некоторые цитаты

Вода из черного фонтана ничуть не хуже на вкус, чем белого.
Многие люди верят в то, что говорят другие люди.
Если вы не можете донести свои песни к людям одним путем, вы должны найти другой.
Когда я рос, меня учили, что человек должен защищать свою семью. Когда волк пытается войти, ты должен стоять в дверях.
Блюз был похож на проблемное дитя, которое может быть в семье. Тебе немного стыдно показать его другим, но ты любишь его. Ты просто не знаешь как его примут другие.
Да, я люблю женщин больше всего на свете, но это не значит, что я хочу спать с ними всеми. Дайте мне объяснить. Это как смотреть на розу. Роза — это роза. Она красива. Но это не значит, что ее надо обязательно сорвать и нацепить себе на лацкан.

Картинки по запросу Би Би Кинг картинки

Похоже, что мне всегда приходилось работать больше, чем другим людям. Ночью, когда все остальные спят, я сижу в своей комнате и стараюсь играть гаммы.
Думаю, блюз начал мне нравиться то из 6-7 лет. В нем что-то было, потому что никто больше не играл такой музыки.
Я пытался связать мой голос с моей гитарой и мою гитару с моим голосом. Как они оба говорят между собой.
Я не думаю, что кто-то что-то ворует; все мы занимаем.
Меня не любит никто, кроме матери, а может, и она тоже меня обманывает.
В обучении прекрасное то, что никто у тебя этого не заберет.
Если бы не было женщин, я бы не хотел быть на этой планете. Женщины, друзья и музыка — без этих трех вещей я бы не хотел здесь быть.
Я никогда не хотел быть похожим на других блюзовых певцов. Я мог слушать, как они играют, но никогда не хотел быть никем другим, кроме как собой. Есть несколько человек, похоже на которых я хотел бы играть, но когда я пробовал, не получалось.
У меня нет любимой песни из тех, которые я написал. Но я любимую песню — «Always On My Mind», версия Вилли Нельсона. Если бы я мог спеть ее так, как он, я пел бы ее каждый вечер. Мне нравится история, которую она рассказывает.
Я никогда не употребляю этого слова, уйти на пенсию.
Когда меня наконец не станет, я молюсь Богу, чтобы это произошло в один из трех способов. Первый, на сцене или когда буду идти со сцены, второй, это во сне. Какой третий? Должны догадаться сами!

Картинки по запросу Би Би Кинг картинки

Музей мадам Тюссо

Музей мадам Тюссо в Лондоне (фр. Madame Tussauds) является самым большим и известным в мире музеем восковых фигур, основная часть экспозиций которого находится в столице Великобритании (район Мэрилебон).

По состоянию на сегодняшний день в лондонском музее располагается более чем тысяча восковых экспонатов разных эпох.

Следует отметить, что музей имеет свои филиалы в десяти городах, таких как: Вашингтон, Нью-Йорк, Лос-Анджелес, Лас-Вегас, Амстердам, Копенгаген, Шанхай, Гонконг, Берлин и Вена.

Музей мадам Тюссо

История музея мадам Тюссо и труды её учителя Филлипа Кёртиса

Мария Тюссо (девичья фамилия Гросхолтц (Grosholts), родилась 1761 года в Страсбурге. Её мать после кончины второго мужа, работала экономкой у доктора Филлипа Кёртиса, который занимался созданием восковых моделей.

До него, мало кто понимал смысл воскового искусства, однако после него данное направление приобрело небывалую славу и популярность по всему миру.

В 1765 году Филипп Кёртис создаёт свой поистине первый шедевр из воска, а именно фигуру Марри Жанны Дюбари, любовницы Людовика XV.

Первая же выставочная экспозиция восковых трудов Филлипа Кёртиса была представлена публике лишь в 1770 году, которая в последствии пользовалась огромным успехом.

Следующая выставка состоялась 1776 года в Пале-Рояль (Париж), а также на бульваре дю Тампль в 1782, которая стала предшественником «Кабинета ужасов».


Просмотреть увеличенную карту

Однажды мадам Тюссо будучи ребёнком случайно зашла в подмастерья Филлипа Кёртиса и он увидел в глазах дочери своей экономки явный, а главное естественный интерес к данному ремеслу. После чего Филлип начал обучать юную Тюссо создавать шедевры воскового искусства.

В 1777 году Мария Тюссо сделала свою первую восковую модель (Вольтер), а затем последовали фигуры Франклин, Бенджамин, Жан-Жак Руссо. Во времена французской революции она создала посмертные маски королевской фамилии. После скоропостижной смерти в 1794 году Филлипа Кёртиса его коллекция перешла во владения Марии Тюссо.

1802 года Мария переехала в Лондон. В связи с англо-французской войной она и её восковая коллекция не могли вернуться в родную Францию и Тюссо решила путешествовать со своими экспозициями по Ирландии и Великобритании. В 1835 году городской муниципалитет утвердил первую и главное постоянную выставку музея мадам Тюссо в Лондоне на Бейкер-стрит.

В одной из центральных частей музея был расположен «Кабинет ужасов». В других помещениях выставки находились восковые фигуры жертв французской революции, убийц и других преступников того столетия.

Со временем экспозиции пополнялись восковыми шедеврами других известных людей, к примеру, Вальтер Скотт и знаменитый британский адмирал Нельсон.

В 1884 году коллекция переехала на улицу Мэрилебон, а в 1925 пожар уничтожил большинство фигур. Формы восковых моделей не пострадали, после чего они были восстановлены.

Восковые фигуры музея мадам Тюссо в Лондоне – это не только исторические и известные личности. На данный момент музей отображает всё происходящее в мире. Из воска созданы образы многих известных актёров, музыкантов, учёных, политиков, певцов, общественных деятелей и т.д.

Модели музея мадам Тюссо всегда актуальны и естественны. Если в Голливуде появилась новая восходящая звезда или президент Соединённых Штатов Америки только начал праздновать свою победу на выборах, либо реализована миллионная запись поп-исполнителя — а восковая фигура уже установлена в музее.

Музей мадам Тюссо в Лондоне считается одной из самых популярных достопримечательностей Лондона у туристов и путешественников.

Время работы: Открыт ежедневно с 9:30 до 15:30, кассы закрываются вместе с музеем. По выходным и некоторым праздникам музей работает до 18:00;

Дата основания: 1835;

Местонахождение: Marylebone Road, London, Greater London NW1 5LR;

Ближайшее метро: Baker Street;Логотип музея мадам Тюссо в Лондоне

Официальный сайт: www.madametussauds.com/London

Картинки по запросу Музей Мадам Тюссо
Восковая фигура мадам Тюссо
Картинки по запросу Музей Мадам Тюссо
Восковая фигура Елизаветы II
Картинки по запросу Восковая фигура Чарли Чаплина лондон
Восковая фигура Чарли Чаплина
Картинки по запросу Восковая фигура Иоанна Павла II лондон
Восковая фигура Иоанна Павла II
Картинки по запросу Музей Мадам Тюссо
Восковая фигура Мэрэлин Монро
Картинки по запросу Музей Мадам Тюссо
Восковая фигура Альберта Эйнштейна
Картинки по запросу Музей Мадам Тюссо
Восковые фигуры группы Битлз

Мастер-классы Оригами как перформанс

Орига́ми (яп. 折り紙, букв.: «сложенная бумага») — вид декоративно-прикладного искусства; древнее искусство складывания фигурок из бумаги.

Искусство оригами своими корнями уходит в Древний Китай, где и была изобретена бумага. Первоначально оригами использовалось в религиозных обрядах. Долгое время этот вид искусства был доступен только представителям высших сословий, где признаком хорошего тона было владение техникой складывания из бумаги.

Классическое оригами складывается из квадратного листа бумаги.

Существует определённый набор условных знаков, необходимых для того, чтобы зарисовать схему складывания даже самого сложного изделия. Бо́льшая часть условных знаков была введена в практику в середине XX векаизвестным японским мастером Акирой Ёсидзавой (1911—2005).

Классическое оригами предписывает использование одного листа бумаги без применения ножниц. При этом часто для шейпинга (shaping) сложной модели, то есть придания ей формы, или для её консервации используется пропитка исходного листа клеевыми составами, содержащими метилцеллюлозу.

Картинки по запросу Оригами как перформанс

Миллионы человек по всему миру объединяет интересное хобби – складывание фигурок из бумажных листов. Сегодня все мы знаем, что оно называется оригами и пришло к нам из Японии. На этом знания большинства людей, не увлекающихся оригами, и заканчиваются. А ведь о нем существует немало интересных фактов…  Первые упоминания о поделках из бумаги (правда, мало похожих на современное оригами) относятся еще к эпохе Хэйан. Тогдашние самураи делали друг другу небольшие подарки, к которым прикрепляли так называемые носи – украшения из бумажных лент.  Японцы считают оригами настоящим искусством. Как для любого искусства, для него действуют свои каноны. Фигурка должна появляться только одним способом – путем сгибания листа. Если в ход пускают клей и ножницы, оригами перестает быть оригами. Складывание фигурок проводится в особом порядке. Эта система была разработана только в 20-м веке, ее автор — Акира Ёсидзава.  Современное «бумажное искусство» не так строго, как можно было бы подумать. И даже сами японцы охотно нарушают введенные Ёсидзавой правила. Например, делая не плоские, как предписывает классическая техника, а объемные сердечки из бумаги. Или складывая поделки не из одного цельного листа, а из нескольких. Также вопреки установленому канону использовать только квадратные листы  определенного размера, в настоящее время всё чаще делают оригами из бумаги которая более распространена сейчас в мире, а именно применяют офисный стандартный формат А4.  В древности фигурки оригами использовали в двух целях: светской и культовой. Знать занималась изготовлением бумажных поделок, чтобы развеять скуку. Сложенных из бумаги бабочек клали на стол молодоженам, дабы они принесли новой семье счастье.

Источник: https://kvn201.com.ua/origami.htm

Похожее изображение

Поделки оригами широко использовались в религиозных ритуалах. У японцев также было принято подвешивать над постелью тяжелобольного шар, сложенный из бумаги. Этот шар становился оберегом, защищавшим человека от злых духов. Известны случаи, что когда больной все-таки умирал, оберегавший его шар падал и рассыпался на кусочки.  Но на самом ли деле фигурки оригами наделены живительной силой? Специалисты в области парапсихологии решили это выяснить и провели замеры биоэнергетики нескольких помещений, одни из которых были украшены поделками оригами, а другие нет. Результаты удивили даже скептиков: позитивный энергетический фон в комнатах, где стояли или висели фигурки из бумаги, оказался намного выше.  Про них сложено много прекрасных легенд – с хорошим и не очень хорошим концом. Одна из них рассказывает о юноше, безнадежно влюбленном в прекрасную девушку. Что он только не предпринимал, чтобы добиться ее благосклонности, но сердце красавицы оставалось холодным. Тогда, уже отчаявшись, молодой человек подарил возлюбленной бумажный цветок. Девушка с удивлением отметила, что фигурка оригами в форме нарцисса пахнет как настоящий нарцисс, и поверила в силу любви своего воздыхателя.  С оригами связаны и вполне реальные жизненные события. В 50-х годах весь мир облетела история о девочке Садако, безнадежно больной лучевой болезнью. Малышка помнила легенду о тысяче журавлей, способных исполнять желания, и была уверена, что если сложит из бумаги тысячу журавликов, то обязательно выздоровеет. Но успела сложить только 644 фигурки. Уже после смерти Садако работу закончили ее друзья. С тех пор бумажный журавлик считается одним из символов мира наравне с голубем.

Источник: https://kvn201.com.ua/origami.htm

Картинки по запросу Оригами как перформанс

Ограничение складывания бумаги пополам в среднем составляет не более 7-8 раз. (в зависимости от выбраной бумаги). Рекордом же считается складывания в 12 раз.

Источник: https://kvn201.com.ua/origami.htm

Их образы можно обнаружить даже в кинематографе и в компьютерных играх. В фильме «Бегущий по лезвию» появляется фигурка единорога, сложенная, правда, не из бумаги, а из фольги. В игре «Heavy Rain» действует маньяк по прозвищу Мастер оригами.

Источник: https://kvn201.com.ua/origami.htm

Картинки по запросу Оригами как перформанс

Зажигательный танец go go dance

Популярные современные танцы на сегодняшний день имеют множество различных веяний и направлений. Каждый стиль уникален по-своему и отличается от другого постановкой и манерой подачи. Так вот, к одному из новых направлений в современном танце, в котором смешалось сразу несколько стилей, следует отнести зажигательный танец go go dance.

Итак, что такое go go?

Дать конкретное определение данного направления в танце, к сожалению, невозможно, так как в нем собран комплекс движений из разных танцевальных стилей. По ходу танца можно увидеть и ритмичные энергичные движения, и гибкие пластичные движения эротического характера, и красивые короткие танцевальные связки, плавно переходящие из одной в другую. Основная задача того, кто танцует go go танцы – это умение завести всю присутствующую публику, заставить всех смотреть на себя и двигаться в такт музыке. Важно прислушиваться к музыке, отбросить в сторону любые ограничения и импровизировать, тогда танец получится динамичным и неоднообразным.

Когда возникло танцевальное направление go-go?

что такое танцы гоу-гоу

Отправной точкой возникновения направления go-go можно считать тот день, когда в Голливуде состоялась первая дискотека в модном и популярном ночном клубе.В эту ночь всех посетителей заведения развлекали красиво одетые девушки, помещенные в импровизированные клетки и танцующие зажигательные танцы под быструю музыку. После этого танцы гоу гоу можно было увидеть уже во многих клубах Америки, а сегодня их танцуют чуть ли не в каждом развлекательном заведении во всем мире. Многие клиенты ради такого яркого шоу и драйва, которые демонстрируют танцоры, готовы ходить на дискотеки хоть каждый день. В России на сегодняшний день данное танцевальное направление находится на пике популярности, а вместе с этим появляется большое количество желающих овладеть подобной техникой танца.

А что такое gogo техника и где этому учатся?

что такое гоу-гоу танцы?

Прежде всего, стоит знать, что основными качествами, которыми должен обладать танцор танца go-go являются: импровизация; умение держать ритм; слышать музыку; пластично двигаться; молниеносно переключаться с одного стиля и переходить к другому – всему этому учат в современных школах танца, куда можно отправиться для овладения данной техникой. В танцевальной школе подробно расскажут о том, что такое гоу гоу, как нужно его танцевать, и еще о многих других моментах.

Занятия в танцевальной школе будут полезны как тем, кто планирует использовать go-go просто для себя, так и тем, кто хочет заняться этим профессионально. В процессе учебы расслабиться не удастся, придется сильно попотеть. Потребуется овладеть различными танцевальными стилями – это поможет научиться двигаться под разную музыку и делать правильные переходы между стилями. Также понадобится развить хорошую выносливость, физическую форму, развить гибкость и пластичность. Постоянные тренировки помогут уже в кратчайшие сроки получить прекрасный результат.

как научиться танцевать go-go dance

Однако кроме владения техникой sexy go go dance, нужно иметь хорошую растяжку, в этом может отлично помочь Стретчинг.  Если все ок с техникой и растяжкой, чтобы образ выглядел заверешнным и лаконичным, следует правильно подбирать соответствующую одежду. В таком деле не обойтись без красивой обуви, например, могут подойти обтягивающие сапоги до колена, а также без наряда, который будет подчеркивать красивую фигуру и акцентировать внимание на «прелестях фигуры». Это могут быть короткие шорты, юбки, обтягивающие лосины и т.д.

Научившись танцевать gogo, можно, не боясь, выходить на танцпол любого ночного клуба и быть уверенным в том, что все восхищенные взгляды будут направлены только в вашу сторону!

Умопомрачительный контрабас

Контраба́с (итал. contrabbasso или basso) — самый крупный по размерам (около двух метров в высоту) и самый низкий по звучанию из широко используемых смычковых струнных музыкальных инструментов, объединяющий в себе черты скрипичного семейства и семейства виол. Имеет четыре струны (реже три или пять), настроенные по квартам: E1, A1, D, G (ми, ля контроктавы, ре, соль большой октавы), диапазон от E1 (ми контроктавы) до g1 (соль первой октавы) и выше.

Интересные факты:

  • Многие контрабасисты могут успешно играть на электрической бас-гитаре.
  • Контрабас был самым популярным и наиболее часто используемым басовым инструментом в разных коллективах в 1950-е годы, несмотря на то, что в то время уже появились бас–гитары и тубы.
  •  В 1911 году во время концерта произошел один казус: у контрабасиста Б. Джонса сломался смычок, не растерявшись музыкант продолжил исполнение произведения пальцами. Так зрители впервые услышали интересный звук контрабасового пиццикато.
  • В 1615 году на празднике в Дрездене был представлен контрабас-гигант высота которого составляла 4 метра, играл на нем польский музыкант. Назывался этот инструмент октобас. Один из таких старинных октобасов, под именем «Голиаф», сохранился и находится в Лондонском музее Виктории и Альберта. Высота его 2,6 метра, а ширина чуть более метра. По форме он похож на виолу да гамба, но только с более широкими боками.

.октобас

  • Некоторые октобасы таких больших размеров, что играть на них должны были два музыканта: один прижимал струны, а второй водил смычком. 
  • В 1855 году французский мастер Ж. Вильом продемонстрировал на Парижской выставке трёхструнный октобас . На сегодняшний день он является экспонатом в музее Парижской консерватории.  Высота этого гиганта составляет 4 метра, управляется он особым рычагово-педальным механизмом. Музыкант на фоне такого октобаса выглядит как Гулливер в стране великанов. Такой инструмент оказался непрактичным и место ему только в музее.
  •  Самый большой контрабас имеет высоту 5.55 м и ширину 2.13 м.
  • Из-за размеров начинать обучение на этом инструменте в детском возрасте было очень проблематично, но сейчас, с появлением контрабасов небольших размеров, знакомиться с инструментом можно начинать с 6 или 7 лет.
  • В США в 30-х годах прошлого столетия контрабасы изготавливались из алюминия и предназначались для игры в военных оркестрах.
  • Названия этого инструмента на разных языках: итальянский – Contrabasso; французский – Contrebasse, английский — Double Bass, немецкий- Kontrabass.
  • 10. 03. 2011 года в Сеуле (Южная Корея) состоялся концерт в котором участвовали 90 контрабасистов. Среди произведений была исполнена симфония А. Дворжака №9 «Из Нового Света». Все партии скрипок, альтов и виолончелей исполнялись на контрабасах. Концерт прошел под руководством корейской ассоциации контрабасистов.
  • Некоторые производители изготавливают инструменты специально для гастролирующих музыкантов. Контрабас имеет небольшой по размеру корпус, а также съемный гриф. Такой инструмент не теряет звуковых качеств и очень удобен при транспортировке.
  • На сегодняшний день стоимость контрабаса, сделанного из качественного выдержанного материала, составляет примерно 24000 долларов.

Конструкция

В отличие от инструментов скрипичной семьи, форма контрабаса никогда не была полностью стандартной. В результате эволюции этого инструмента возникло несколько основных разновидностей формы: виолы да гамба, скрипки, буссето, гитары и грушевидная форма.

Изготавливается контрабас из нескольких сортов хорошо выдержанного дерева и строение его такое же, как и у инструментов всей скрипичной группы: верхняя и нижняя деки, обечайка, подгрифник, резонаторные отверстия, петля, дужка, гриф, порожек, головка грифа, колки, накладка, колковая коробка, подставка.

Контрабас имеет толстые струны, которые обычно производят из стали, кетгута или синтетических материалов, но с обязательной медной или серебряной обмоткой.

На контрабасе, как и на скрипке играют смычком, правда имеет он две разновидности: немецкой системы — короткий и тяжелый, и французской — длинный и тонкий, который считается более маневренным. Смычок немецкой конструкции исполнитель держит сбоку, большой палец находится на деревянном основании. Французский смычок держится сверху, а большой палец – под тростью. Оба смычка используются современными исполнителями, и выбор зависит от личных предпочтений.

Размер контрабаса варьируется от самого большого, высотой 1,8 метра, до самого маленького — чуть больше виолончели. Высота контрабаса может незначительно изменяться при помощи шпиля, на который он опирается.

В 20-30-х годах прошлого столетия были сконструированы первые электроконтрабасы, которые имеют облегченный вес и легки в транспортировке. Сама идея была не нова: уже в прошлые века некоторые мастера в качестве эксперимента делали «немые» контрабасы, корпус которых был плоским. С появлением электронного воспроизведения звука, у производителей появились новые возможности, но потребовалось много времени, чтобы мастера довели качество инструмента до совершенства.

 

Применение и репертуар

Контрабас является обязательным участником симфонического и камерного оркестров. Этот инструмент был создан специально для того, чтобы удвоить в оркестре басовую партию, исполняемую виолончелями и создавать четкий гармонический фундамент, звуковую насыщенность и ритмическую основу для группы струнных инструментов.

Поначалу, в оркестре применяли только один контрабас, но со временем количество инструментов увеличилось до восьми.

Контрабас также нашел широкое применение в военных оркестрах и разнообразных концертных группах по всему миру. Он очень активно используется в ряде таких жанров, как джаз, блюз, рок-н-ролл, рокабилли, сайкобилли, традиционной музыки кантри, блюграсс, танго и многих других видах популярной и народной музыки. В джазовом биг-бенде, где малый состав исполнителей, этому инструменту предоставлены очень большие возможности сольного исполнения, например, при построении красивых гармонических басовых ходов.

Появление таких современных новых стилей, как соул, фьюжн, фанк и рок способствовало значительному росту технических возможностей, так как контрабасисты любят проводить различные эксперименты, в том числе и стилевые.

Контрабас вышел на сцену в качестве солирующего инструмента в конце 18 века. Первым исполнителем, который раскрыл богатые виртуозно-выразительные и певучие возможности контрабаса, был легендарный Д. Драгонетти – контрабасист и композитор. Позднее его дело продолжили П. Боттезини, Ф. Зимандль, и в 20-м веке А.Мишек, С. Кусевицкий, Р.Браун, Э.Мэйер, Н. Горбунов, А.Коэн, В. Волков, Е. Колосов, Ч. Мингус, Л. Раков многие другие.

Репертуар для контрабаса обширен. Концертные произведения для него сочиняли И. Гайдн, Д. Драгонетти, П. Боттезини, К. Диттерсдорф, С. Кусевицкий, И. Аберт, Р. Беннетт, В. Брунс, А. Эшпай, Д. Харбисон, О. Янченко, Н. Капустин, Э. Мэйер другие.

Показ мод как перформанс

Недели моды в модных столицах проходили последние несколько месяцев, создавая новые тренды, которые будут актуальны на весну-лето 2018 года. Что же нового смогли предложить лучшие дизайнеры мира? Какие были самые необычные и яркие новинки? И что станет горячим хитом теплых сезонов 2018 года в моде?

Показы коллекций сезона весна-лето 2018 идут уже довольно продолжительное время, за которое прошло несколько недель моды, поэтому можно подводить первые итоги модных трендов на следующие полгода. Что же можно выделить из общего количества модных новинок?

Неделя моды в Нью-Йорке весна-лето 2018

Первая неделя моды из четырех самых главных и значимых была более скромная в этом модном сезоне, но это вовсе не означает, что там не было на что посмотреть.

Ralph Lauren

Знаковые роскошь и строгость, необычный симбиоз сексуальных шелков и холодного аристократизма. По подиуму ходили такие известные модели, как Кендалл Дженнер, Белла Хадид, Пресли Гербер и другие не менее известные манекенщицы.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Victoria Beckham

Тотальный oversize, прямой крой, костюмы двойки в разной цветовой гамме, плиссированные юбки и любимая гамма дизайнера – красный, черный, белый и немного пыльных оттенков.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Oscar de la Renta

Баланс на грани актуальной американской моды и модной традиции бренда Oscar de la Renta. Черно-белые тона прилагаются. 

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

 

Неделя моды в Лондоне весна-лето 2018

Самая короткая неделя моды оказалась одной из самых качественных — туда постарались собрать только самое лучшее. Burberry, Gareth Pugh, Mary Katrantzou, Simone Rocha, J.W.Anderson, Erdem и Chalayan – в английской столице представили свои коллекции главные модные интеллектуалы. Кто-то вдохновлялся гардеробом Елизаветы Второй, а кто-то печалился по поводу обезличивания из-за новых технологий и гаджетов.

Emilia Wickstead, Erdem и Roksanda

Эффектные платья с фасонами из прошлого века и цветочным принтом Erdem, ленты, рюши и шляпы в стиле рококо Марии-Антуанетты Emilia Wickstead и платья с золотой бахромой Roksanda — самые изящные и женственные коллекции представили именно эти бренды.

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Peter Pilotto, Chalayan и Topshop

Полосатый рай от Peter Pilotto, серая воздушность и легкость от Chalayan и старый добрый горошек Topshop — настоящий коктейль из свежести и юмора.

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Simone Rocha, J.W.Anderson и Mary Katrantzou

Редкий творец может обойтись в своем творчестве без детских воспоминаний и переживаний. Куклы с гипсовыми лицами, конструкторы LEGO и розовые фламинго – в брендах Simone Rocha, J.W.Anderson и Mary Katrantzou знают, как трансформировать детское воображение в коммерчески успешные коллекции.

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Неделя моды в Милане весна-лето 2018

Все коллекции весна-лето 2018 недели моды в Милане объединило буйство ярких красок, неожиданные аксессуары и общий оптимистичный настрой. Fendi, Moschino, Emporio Armani, Versace, Max Mara, Gucci, Missoni, Dolce&Gabbana, MSGM, Salvatore Ferragamo, Blumarine и Bottega Veneta показали, чем будут удивлять нас весной и летом.

Dolce&Gabbana, Versace и Giorgio Armani

Dolce&Gabbana удивили аксессуарами в виде цветов, фруктов и игральных карт, вызывающие цвета и принты поп-арта у Versace и привычный черный Armani в сочетании с неоновыми цветами.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Moschino, Prada и Fendi

Бабочки и сады Moschino, гранжевая эстетика 80-х и поп-арт-культуры 60-х в современной арт-галерее Prada, а также геометрия и футуризм Fendi.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Gucci и Missoni

Gucci вернули 80-е и диско, но оставили эклектику, а Missoni сделали акцент на ярких шляпах с прозрачными эфемерными платьями.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Неделя моды в Париже весна-лето 2018

В грядущем сезоне между классицизмом и фантазией, французские дизайнеры стремятся показать спонтанность, протест, естественность и молодежь в современном мире, а также воспитывают индивидуальность и стиль с новыми и преобразованными старыми тенденциями.

Christian Dior и Saint Laurent

Мария Кьюри Грация в новой коллекции создала на подиуме оду женской уверенности и юной эксцентричности, а Энтони Ваккарелло создал горячую и сексуальную коллекцию, отдав дань наследию дома Saint Laurent.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Chanel и Elie Saab

Классика + прозрачность Chanel от Карла Лагерфельда и бессменная роскошь Elie Saab.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Junko Shimada и Manish Arora

Восхваление природы и эльфийская утонченность Junko Shimada и восточная пестрый калейдоскоп Manish Arora.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Модные недели проходят во многих крупных столицах по всему миру, однако Париж, Милан, Лондон и Нью-Йорк задают тон всей фэшн индустрии и определяют главные тренды следующих сезонов.

Источник

Владимир Высоцкий и Марина Влади: трагический сценарий прекрасной любви

Настоящим потрясением для всего СССР стал выход на экраны фильма “Колдунья” с Мариной Влади в главной роли. Мужская половина Советов грезила, чтобы их любимая хоть немного внешне походила на таинственную французскую актрису, а для десятков тысяч девушек эта актриса мгновенно стала иконой. Однако самые смелые мысли витали в голове у тогда еще мало кому известного актера Театра на Таганке Володи Высоцкого, который, увидев Марину Влади на экране, сказал себе: «Она будет моей».

Марина и Владимир встретились в 1967 году на Московском международном кинофестивале.

Влади, дочь русского эмигранта, к тому времени уже побывала дважды замужем, снялась в дюжине фильмов и была всемирно известной обладательницей приза Каннского фестиваля.

Высоцкий же, напротив, еще не имел даже всесоюзной популярности, но его песни были уже в моде в Москве. Он также был дважды женат и имел детей.

В тот самый день иностранную гостью Марину Влади пригласили в Театр на Таганке. На сцене играли «Пугачева» по Есенину, в роли Хлопуши был Владимир Высоцкий.

Спектакль произвел на Марину огромное впечатление. И после представления Влади с Высоцким оказались за одним столиком в ресторане.

Высоцкий без зазрения совести жадно рассматривал французскую диву, потом наклонился к ней и тихо произнес: «Наконец-то я встретил вас. Я хотел бы уйти отсюда и петь только для вас».

И вот он уже сидит у ее ног и под гитару поет свои лучшие песни. Потом, как будто в бреду, признается, что уже давно безумно влюблен в нее.

Она отвечает с грустной улыбкой: «Володя, ты необыкновенный человек, но у меня на поездку только несколько дней, и у меня трое детей».

Но начинающий актер напорист: «У меня тоже семья и дети, но все это не должно помешать нам стать мужем и женой».

Когда Марина снова приехала в Москву, Владимир был в Сибири на съемках фильма «Хозяин тайги». Влади получила роль в фильме С. Юткевича «Сюжет для небольшого рассказа» и поэтому на время задержалась в Союзе.

Как-то в один из осенних вечеров на вечеринке у Володиных знакомых Марина попросила оставить их вдвоем. Гости потихоньку разошлись, хозяин удалился к соседям, а Марина и Владимир проговорили о своей любви всю ночь.

И вот уже вскоре, 13 января 1970 года, в арендованной на время московской квартире состоялась свадьба Владимира Высоцкого и Марины Влади.

На следующий же день влюбленные отправились на теплоходе в Грузию в свадебное путешествие. Это были их лучшие дни.

Потом последовала разлука: он уехал в Москву, она — в Париж. У обоих настали серые дни, сложности с детьми. Ко всему прочему, Высоцкому не давали визу на выезд во Францию. Молодоженам оставались лишь переписка да звонки по телефону.

Однажды Володя сказал Марине, что Андрей Тарковский хочет снять ее в своем «Зеркале». Появилась долгожданная надежда, что они какое-то время будут вместе. Но вскоре оказалось, что Марина не прошла пробы и ее кандидатура была отклонена.

Высоцкий впал в бешенство. Свою злость и отчаяние он стал глушить в беспробудном пьянстве.

Только через шесть лет после свадьбы Высоцкому все же дали разрешение на выезд за границу. Марине Влади даже пришлось стать на время членом коммунистической партии Франции.

Дальше они начали наверстывать упущенное: часто путешествовали по миру, гуляли. Марина устраивала Володе концерты в Париже. По Москве Высоцкий передвигался на единственном тогда в СССР «мерседесе».

Венгерский режиссер Марта Месарош снимала Влади в фильме «Их двое» и, чтобы Высоцкий мог быть с женой, специально придумала для него эпизодическую роль.

Так появилась на свет единственная картина, где Марина Влади и Владимир Высоцкий играли вместе.

На первый взгляд все казалось благополучным, но на душе Владимира было не так безоблачно. При бешеной популярности у народа власти не признают Высоцкого — его стихи не печатают, пластинки не выпускают, большинство пьес, в которых он начинает репетировать, театру запрещают ставить.

Семейная жизнь на расстоянии, когда постоянно приходится выпрашивать визы, не доставляет ему радости. По-прежнему свои эмоции он подавляет алкоголем и наркотиками.

Высоцкий пытается преодолеть зависимость, разобраться в себе и начинает задумываться о смысле жизни и смерти.

 

Позже Марина пыталась разобраться в их отношениях, понять, что пошло не так: «Я отношу твое охлаждение ко мне на счет усталости, которая нередка для супругов, проживших вместе более десяти лет…»

«…О том, что это из-за морфия, я тогда не знала. И, главное, очевидно, ты отчаялся выжить. Я узнаю о твоих постоянных изменах. Я больна ревностью. Я не сразу смогла понять, что все это просто попытки цепляться за жизнь, самому себе доказать, что ты все еще существуешь».

«Ты пытаешься мне сказать об этом, но я не слышу этого. Все, тупик. Ты можешь лишь кричать о главном, а я замечаю только то, что на поверхности. Ты плачешь о своей любви, я вижу лишь измену…»

«…Ты, видимо, надеялся на мою помощь. С твоим пьянством ведь мы боролись сообща. Но в одну ночь было сказано все, и между нами нет больше секретов. Мы словно опять вернулись к истокам нашей любви, нам нечего друг от друга скрывать».

«Ты говоришь: “Все. Беру себя в руки, ведь жизнь еще не прожита”. Ты весь дрожишь, только дрожь эта не от мороза. На твоем посеревшем лице живыми и говорящими остались только глаза…»

В 1978 году Высоцкий решил уйти из театра. Чтобы остановить талантливого актера, Любимов предложил ему сыграть Свидригайлова в «Преступлении и наказании».

Спектакль вышел в начале 1979 года, и это была последняя роль Высоцкого в театре. Символично было то, что в конце пьесы Володя исчезал в люке, откуда вырывался дрожащий красноватый свет. Марина была потрясена финалом.

Первый сердечный приступ с артистом случился на концерте в Бухаре 25 июля 1979 года. Тогда его жизнь спас прямой укол в сердце.

«Я не нужен этой даме в черном», — сказал тогда Высоцкий. Но он не знал, что ровно через год она вернется.

За полтора месяца до кончины Высоцкий писал Марине: «Любовь моя! Найти выход мне под силу. Я лишь хочу попросить тебя — оставь мне надежду».

«Только благодаря тебе я смогу снова вернуться к жизни. Я люблю тебя и не могу допустить, чтобы тебе было плохо. Поверь, позже все встанет на место, и мы будем счастливы».

По первому тревожному звонку Марина Влади сразу же прибыла в Москву, но с каждым разом убеждалась, что все ее усилия спасти Володю напрасны, он как будто бы нарочно шел к своему концу.

11 июня 1980 года Влади провожала Высоцкого в Москву. По дороге в аэропорт они обменивались дежурными фразами: «Береги себя… Не делай глупостей…» Но оба уже чувствовали, что невозможно далеки друг от друга.

18 июля Высоцкий сыграл Гамлета в последний раз. В тот вечер он себя чувствовал никудышно, и врач за кулисами периодически делал ему уколы.

29 июля Володя должен был улететь снова в Париж, к Марине. К сожалению, этому было не суждено сбыться. Вечером 23 июля состоялся их последний телефонный разговор.

«А в 4 часа утра 25 июля, — вспоминала Марина Влади, — я просыпаюсь в поту, зажигаю свет, сажусь на кровать. Ярко-красный след на подушке. Огромный раздавленный комар. Меня заколдовывает это пятно».

«Звонит телефон. Я знаю, что услышу не тот голос. Знаю! “Володя умер!” Вот и все. Два коротких слова, сказанных незнакомым голосом».

Вернувшись полностью разбитой после похорон во Францию, она долго находилась в глубокой депрессии и даже пыталась покончить жизнь самоубийством.

Ее спасением стала встреча с врачом-онкологом Леоном Шварценбергом, который с пониманием относился к ее подавленному состоянию и бесконечным разговорам о Высоцком.

Спустя несколько лет Марина Влади начала писать книги и издала свой знаменитый автобиографический роман, переведенный на многие языки, — «Владимир, или Прерванный полет» (1989).

После смерти Леона Влади, находясь в отчаянии, пристрастилась к алкоголю, однако ей удалось побороть зависимость — она продолжила писать книги.

На этом несчастья не закончились: в автокатастрофе она потеряла внучек и едва не лишилась сына. С тех пор актриса часто повторяет, что с некоторых пор вообще не боится смерти — слишком часто и слишком близко та проходила рядом.

В 2015 году разразился скандал: Влади выставила на аукционе посмертную маску Владимира Высоцкого и его последнее стихотворение, посвященное ей, с автографом автора.

Последнее стихотворение Владимира Высоцкого ушло с аукциона за 200 000 евро. Актриса объяснила этот поступок так: «Дело не только в деньгах. Я поворачиваю свою жизнь и бросаюсь в будущее».

 

Источник

Рабиндранат Тагор индийский писатель и общественный деятель, Нобелевский лауреат

Рабиндранат Тагор родился 7 мая 1861 года в Калькутте, в состоятельной семье. У родителей Тагора было четырнадцать детей, он был младшим. Писать стихи начал с восьми лет. Получил хорошее образование – учился в Восточной семинарии в Калькутте, в педагогическом училище и Бенгальской академии. В 1873 году вместе с отцом совершил путешествие по северу Индии, давшее ему представление о богатстве многовековой индийской культуры. В 1878 году опубликована первая поэма Тагора «История поэта». В этом же году Тагор уехал в Лондон для изучения права в Университетском колледже. В 1890 году он стал управляющим родового поместья в Восточной Бенгалии. Главная тема стихов, написанных Тагором в период с 1890 по 1891 годы, – пейзажи и обычаи сельской жизни. В 1891 году Тагор переехал в семейное поместье под Калькуттой, где с пятью единомышленниками открыл школу. Чтобы собрать деньги на открытие школы, был вынужден продать авторское право на свои произведения. Первое десятилетие 20 века для Тагора было омрачено личными потерями – смертью жены в 1902 году, одной из дочерей в 1903 году и младшего сына в 1907 году. В 1912 году в Лондоне были опубликованы авторские переводы на английском языке произведений Тагора, после чего к нему пришла известность в Англии и США. В 1913 году Рабиндранат Тагор получил Нобелевскую премию по литературе. Премиальные деньги он передал своей школе. В последующие годы совершал многочисленные поездки в США, страны Южной Америки, Европу, на Ближний Восток. Получил почетные степени четырех Индийских университетов, почетную степень доктора Оксфордского университета. Тагор является автором гимнов Индии и Бангладеш.

Гимн Индии

Слава тебе — властителю дум всех народов, Вершителю судьбы Индии, Вдохновляющему сердца Пенджаба, Синда, Гуджарата и Махараштры, Страны дравидов, Ориссы и Бенгалии, Твое имя эхом гремит в горах Виндья и в Гималаях, Сливается оно с музыкой Джамуны и Ганга, Подхватывают его волны Индийского океана, Прося твоего благословения и славя тебя, Слава тебе, направляющему к счастью все народы, Вершителю судьбы Индии! Слава, слава, слава!

Гимн Бангладеш

Моя золотая Бенгалия

Я тебя люблю

Всегда твоё небо, твой воздух

Моей душе играют на флейте

О мать, в марте в твоих манговых лесах

От аромата сходят с ума, ах!

О мать, в ноябре твоим налитым полям

Которые я увидел, я сладко улыбаюсь

Какое великолепие, какие тени,

Какая нежность, какая магия —

Что за край сари ты расстелила у корней баньянов

У берегов реки

Мать, твоих уст слова

Кажутся моим ушам нектаром

Ах!

Мать, если твоё лицо становится грустным

О мать, я наполняюсь слезами 

Умер Рабиндранат Тагор 7 августа 1941 года в Калькутте.

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Картинки по запросу Рабиндранат Тагор цитаты

Петр Чайковский — русский композитор, дирижер, педагог

Петр Ильич Чайковский родился (25 апреля) 7 мая 1840 года в городе Воткинске, находившемся тогда в составе Вятской губернии. В 1852-1859 годах он обучался в Императорском училище правоведения, по окончании которого получил чин титулярного советника и стал работать в Министерстве юстиции. В 1862 году Чайковский становится одним из первых студентов консерватории в Санкт-Петербурге, а в 1865 году оканчивает ее с серебряной медалью и сразу же переезжает в Москву, где получает профессорскую должность в консерватории. Он перевел несколько музыкально-теоретических трудов для педагогических целей и написал учебник «Руководство к практическому изучению гармонии» (1872). С 1871 по 1876 годы он трудится музыкальным критиком в газетах «Русские ведомости» и «Современная летопись», отстаивая реалистические принципы в отечественной музыке. В этот же период Чайковский активно занимается и творчеством, в эти годы им созданы: 3 симфонии, несколько программных оркестровых сочинений, в том числе увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта», 1-й концерт для фортепиано с оркестром и «Меланхолическая серенада» для скрипки с оркестром, 3 струнных квартета, оперы («Воевода», «Ундина», «Опричник», «Кузнец Вакула»), балет «Лебединое озеро», музыка к пьесе А.Н. Островского «Снегурочка», фортепианные пьесы, романсы и другие произведения. В конце 1870-х — начале 1880-х годов Петр Ильич много путешествовал по Европе, продолжая сочинять. С 1885 года он поселился в Подмосковье и возобновил активную музыкально-общественную деятельность, став директором отделения российского музыкального общества в Москве. Часто бывая в Москве и Петербурге, Чайковский участвовал в различных мероприятиях Русского музыкального общества и Московской консерватории, а премьера его оперы «Черевички» в Большом театре в 1887 году стала началом его дирижерских выступлений. В 1887‒93 годах он дирижировал своими преимущественно симфоническими сочинениями, а также операми в России и за рубежом. Всемирную славу Чайковскому принесли балеты «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Спящая красавица», оперы «Евгений Онегин», «Пиковая дама», «Орлеанская дева» и другие. Творчество композитора получило высокую оценку — в 1892 году Чайковский был избран член-корреспондентом Академии изящных искусств (Франция), в 1893 году удостоен звания Почетного доктора Кембриджского университета. 16 октября 1893 года состоялось последнее выступление великого композитора, он дирижировал своей Шестой симфонией. (25 октября) 6 ноября 1893 года в Санкт-Петербурге Петр Ильич Чайковский скончался от холеры, он был похоронен в Александро-Невской лавре в Некрополе мастеров искусств. Величайший русский композитор, дирижёр, педагог оставил после себя 10 опер, 76 опусов, три балета, 7 симфоний, 4 сюиты.

Источник