Золотое сечение в дизайне

Картинки по запросу золотое сечение

В дошедшей до нас античной литературе золотое сечение впервые встречается в «Началах» Евклида (3 в. до н.э.). Термин «золотое сечение» был введён гораздо позднее Леонардо да Винчи, который использовал золотое сечение как пропорции «идеального человеческого тела».

fe83d0d5402c4811aad42a4707ef9cae

Например, пропорции мужского тела колеблются в пределах отношения 13 : 8 = 1,625 и немного ближе подходят к золотому сечению, чем пропорции женского тела, выражающиеся в соотношении 8 : 5 = 1,6.

Картинки по запросу золотое сечение

Давайте проведем эксперимент: какой прямоугольник из ниже расположенных, с вашей точки зрения, имеет идеальные пропорции?

fe9f7b39be19b0da1e3ffac7a018f7cf

По результатам опросов, большинство людей признает самым гармоничным прямоугольник под номером 2. Именно он построен в соответствии с правилом «золотого сечения».

Говорят, что “божественная пропорция” заложена в природе, и во многих вещах вокруг нас. Вы можете найти ее в цветах, ульях, морских раковинах, и даже нашем теле.

Эта божественная пропорция, также известная как золотое сечение, божественное сечение, или золотая пропорция может быть применена к различным видам искусства и обучения. Ученые утверждают, что чем ближе объект к золотому сечению, тем лучше человеческий мозг воспринимает его.

С тех пор как это соотношение было открыто, многие художники и архитекторы применяли его в своих работах. Вы можете найти золотое сечение в нескольких шедеврах эпохи Возрождения, архитектуре, живописи, и многом другом. В результате – красивый и эстетически приятный шедевр.

Немногие знают, в чем заключается тайна золотого сечения, что так радует наши глаза. Многие полагают, что то, что она появляется везде и является “универсальной” пропорцией, заставляет нас принять ее как что-то логическое, гармоничное и органичное. Другими словами, оно просто “чувствует” то, что нам нужно.

Итак, что такое золотое сечение?

Золотое сечение, также известное как “фи” по-гречески, это математическая константа. Оно может быть выражено уравнением a/b=a+b/a=1,618033987, где a больше, чем b. Это также можно объяснить последовательностью Фибоначчи, другой божественной пропорцией. Последовательность Фибоначчи начинается с 1 (некоторые говорят с 0) и добавляет к нему предыдущее число, чтобы получить последующее (т.е. 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21 …)

Золотое сечение

Если вы попытаетесь найти частное от деления двух последующих чисел Фибоначчи (т.е. 8/5 или 5/3), результат очень близок к золотому сечению 1,6 или φ (фи).

Золотая спираль создается с помощью золотого прямоугольника. Если у вас есть прямоугольник из квадратов 1, 1, 2, 3, 5 и 8 соответственно, как показано на рисунке выше, вы можете приступить к строительству золотого прямоугольника. Используя сторону квадрата, как радиус, вы создаете дугу, которая касается точек квадрата по диагонали. Повторите эту процедуру с каждым квадратом в золотом треугольнике, и в конечном итоге вы получите золотую спираль.

Где мы можем увидеть его в природе

Золотое сечение можно найти практически везде в живой природе.

3b8e2ec1d7a35c0aed9b3514057beef1
Золотое сечение

Золотое сечение и последовательность Фибоначчи можно найти в лепестках цветов. У большинства цветков количество лепестков сводится к двум, трем, пяти или больше, что походит на золотое сечение. Например, у лилий 3 лепестка, у лютиков 5, у цветков цикория 21, а у ромашек 34. Вероятно, семена цветков также следуют золотому сечению. Например, семена подсолнечника прорастают из центра и растут к внешней стороне, заполняя головку семени. Обычно они спиралевидные и имеют сходство с золотой спиралью. Более того, количество семян, как правило, сводится к числам Фибоначчи.

Руки и пальцы также являются примером золотого сечения. Посмотрите ближе! Основание ладони и кончик пальца разделен частями (костьми). Соотношение одной части в сравнении к другой всегда 1,618! Даже предплечья с руками находятся в таком же соотношении. И пальцы, и лицо, и можно продолжать список…

Картинки по запросу золотое сечение

Применение в искусстве и архитектуре

Парфенон в Греции, как утверждается, был построен с использованием золотых пропорций. Считается, что размерные соотношения высоты, ширины, колонн, расстояния между столбами, и даже размер портика близки к золотому сечению. Это возможно потому, что здание выглядит пропорционально идеально, и оно было таким с древних времен.

Леонардо Да Винчи был также поклонником золотого сечения (и многих других любопытных предметов, собственно говоря!). Дивная красота Мона Лизы может быть связана с тем, что ее лицо и тело представляют собой золотое сечение, как и реальные человеческие лица в жизни.

Картинки по запросу золотое сечение в живописи

Кроме того, цифры в картине “Тайная вечеря” Леонардо Да Винчи расположены в порядке, который используется в золотом сечении. Если начертить золотые прямоугольники на холсте, Иисус окажется как раз в центральной доле.

Можно увидеть его и в самых удачных творениях человеческих рук — принципы золотого сечения легли в основу композиционного построения многих произведений архитектуры, живописи, даже в поэзии.

e78a4c419f099bbd06ceaf5de4b4f8f3

Применение в дизайне логотипов

Неудивительно, что вы также можете найти использование золотого сечения во многих современных проектах, в частности, дизайне. Сейчас давайте сосредоточимся на том, как это может быть использовано в дизайне логотипа. Во-первых, рассмотрим некоторые из самых известных в мире брендов, которые использовали золотое сечение для совершенствования своих логотипов.

Золотое сечение

Видимо, Apple использовал круги из чисел Фибоначчи, соединив и обрезав формы для получения логотипа Apple. Неизвестно, было ли это сделано намеренно или нет. Тем не менее, в результате получился идеальный и визуально эстетичный дизайн логотипа.

Золотое сечение

Логотип Toyota использует соотношение a и b, формируя сетку, в которой образуются три кольца. Обратите внимание, как этот логотип использует прямоугольники вместо кругов для создания золотого сечения.

Золотое сечение

Логотип Pepsi создан двумя пересекающимися кругами, один больше другого. Как показано на рисунке выше, больший круг пропорционален в соотношении к меньшему – вы уже догадались! Их последний нерельефный логотип – простой, эффектный и красивый!

Кроме Toyota и Apple, логотипы некоторых других компаний, таких как, BP, iCloud, Twitter, и Grupo Boticario, как полагают, также использовали золотое сечение. И мы все знаем, насколько известны эти логотипы – все потому, что изображение сразу всплывает в памяти!

Вот как вы можете применить его в своих проектах

Создайте эскиз золотого прямоугольника, как показано выше желтым цветом. Этого можно достичь путем построения квадратов с высотой и шириной из чисел, принадлежащих золотому сечению. Начните с одного блока и поместите другой рядом с ним. А другой квадрат, чья площадь равна тем двум, поместите над ними. Вы автоматически получите сторону из 3 блоков. После построения этой конструкции из трех блоков, в конечном итоге у вас будет сторона из 5 четырехугольников, из которой можно сделать другую (площадью в 5 блоков) коробку. Это может продолжаться сколько угодно, пока вы не найдете тот размер, который вам нужен!

Прямоугольник может перемещаться в любом направлении. Выделите мелкие прямоугольники и используйте каждый из них, чтобы собрать макет, который будет служить в качестве сетки дизайна логотипа.

Если логотип более округлый, то вам потребуется круговая версия золотого прямоугольника. Вы можете добиться этого начертанием кругов, пропорциональных числам Фибоначчи. Создайте золотой прямоугольник, используя только круги (это означает, что самый большой круг будет иметь диаметр 8, а у круга поменьше будет диаметр 5, и так далее). Теперь разделите эти круги и разместите их так, чтобы вы могли сформировать основную схему для вашего логотипа. Вот пример логотипа Twitter:

Золотое сечение

Примечание: Вам не обязательно чертить все круги или прямоугольники золотого сечения. Вы также можете использовать один размер неоднократно.

Как применять его в дизайне текста

Это проще, чем проектирование логотипа. Простое правило для применения золотого сечения в тексте заключается в том, что последующий больший или меньший текст должен соответствовать Фи. Давайте разберем этот пример:

Если размер моего шрифта – 11, то подзаголовок должен быть написан в более крупном шрифте. Умножаю шрифт текста на число золотого сечения, чтобы получить большее число (11*1,6=17). Значит подзаголовок должен быть написан в 17 размере шрифта. А теперь заголовок или название. Умножу подзаголовок на пропорцию и получу 27 (1*1,6=27). Вот так! Ваш текст теперь пропорционален золотому сечению.

Как применить его в веб-дизайне

А здесь немного сложнее. Вы можете оставаться верными золотому сечению даже в веб-дизайне. Если вы опытный веб-дизайнер, вы уже догадались, где и как ее можно применить. Да, мы можем эффективно использовать золотое сечение и применить его к сеткам наших веб-страниц и макетам пользовательского интерфейса.

Возьмите общее число сетки пикселей за ширину или высоту и используйте его для построения золотого прямоугольника. Разделите наибольшую ширину или длину для получения меньших чисел. Это может быть шириной или высотой вашего основного контента. То, что осталось, может быть боковой панелью (или нижней панелью, если вы применили его к высоте). Теперь продолжайте использовать золотой прямоугольник для дальнейшего применения его к окнам, кнопкам, панелям, изображениям и тексту. Вы также можете построить полную сетку, основанную на маленьких версиях золотого прямоугольника расположенных как горизонтально, так и вертикально для создания более маленьких объектов интерфейса, которые пропорциональны золотому прямоугольнику. Для получения пропорций вы можете использовать этот калькулятор.

Спираль

Вы также можете использовать золотую спираль, чтобы определить, где разместить контент на вашем сайте. Если ваша домашняя страница загружается с графическим контентом, как, например, на веб-сайте онлайн магазина или блога фотографий, вы можете воспользоваться золотым методом спирали, который используют многие художники в своих работах. Задумка в том, чтобы поместить наиболее ценный контент в центре спирали.

Контент со сгруппированным материалом тоже может быть размещен при помощи золотого прямоугольника. Это означает, что чем ближе спираль движется к центральным квадратам (к одному квадратному блоку), тем “плотнее” там содержимое.

Вы можете использовать эту технику, чтобы обозначить расположение вашего заголовка, изображений, меню, панели инструментов, окна поиска и других элементов. Twitter славится не только использованием золотого прямоугольника в дизайн логотипа, но и задействовал его в веб-дизайне. Как? Благодаря использованию золотого прямоугольника, или, другими словами концепцией золотой спирали, в странице профиля пользователей.

Но нелегко будет проделать такое на платформах CMS, где автор материала определяет расположение вместо веб-дизайнера. Золотое сечение подходит WordPress и другим дизайнам блога. Это, вероятно, потому, что боковая панель почти всегда присутствует в дизайне блога, который хорошо вписывается в золотой прямоугольник.

Золотое сечение

Более простой способ

Очень часто дизайнеры опускают сложную математику и применяют так называемое “правило третей”. Его можно достичь путем деления площади на три равные части по горизонтали и вертикали. В результате – девять равных частей. Линия пересечения может быть использована в качестве фокусного центра формы и дизайна. Вы можете поместить ключевую тему или основные элементы на один или все фокусные центры. Фотографы также используют эту концепцию для плакатов.

Золотое сечение

Чем ближе прямоугольники к соотношению 1:1,6, тем приятнее воспринимается картина человеческим мозгом (так как это ближе к золотому сечению).

Картинки по запросу золотое сечение

Источник

Ландшафтный дизайн садового участка

kolonialnyy-stil-vozvraschaet-nas-v-nachalo-proshl

План создания ландшафтного дизайна своими руками

Незаменимыми помощницами в разработке плана ландшафта станут специальные программы, где можно лишь с помощью мышки и творческого воображения воссоздать на экране монитора любую картинку: вот тут вы построите баньку, здесь разобьёте газон, а там создадите декоративный водоём или альпийскую горку.

Зонирование участка своими руками

Прикиньте, где у вас будут находиться хозяйственные постройки: например, банька, летний душ, беседка и прочие строения; где вы планируете выделить местечко под газон, а где намереваетесь посадить сад, разбить клумбы, грядки и так далее. Наметьте маршруты перемещения по участку. Сначала определите главные: от ворот до дома, потом — от дома до хозяйственных построек, гаража и мест отдыха – беседки, пруда, лужайки и прочих. 

При зонировании участка учитывайте его характерные особенности и рельеф местности. Определите направление дренажных канав (если они потребуются), продумайте схему освещения и проводки электрокабеля. А когда станете зонировать участок непосредственно на местности, используйте деревянные колышки, соединяя их обычной верёвкой, только нужно как можно точнее придерживаться плана, нарисованного вами на бумаге.

Постройки на даче

Вторым этапом создания ландшафтного дизайна своими руками идет строительство. Вы вполне можете соорудить на своём участке замечательную баньку, летний душ, уютную беседку, спортивную и/или детскую площадки.

При сооружении дачных построек, требующих наличия котлована под фундамент, вынутую землю либо равномерно распределите по всему участку, либо пофантазируйте, как можно использовать образовавшиеся земляные насыпи.

Немного фантазии

Вынутая из котлована земля представляет собою мрачную серую насыпь. Превратите её в эксклюзив! Создайте многоступенчатую альпийскую горку, а если позволяет местность, и на участке есть вода, совместите горку с небольшим водоёмом, который оформите фонтаном и симпатичными садовыми фигурками.

Альпийская горка. Фото с сайта eti-online.org

Альпийская горка. Фото с сайта eti-online.org

Можно декорировать насыпь камнями в виде пирамиды (говорят, это благоприятно сказывается на энергетике местности) либо сделать из неё своеобразный подиум для садовых цветов. Фантазируйте!

Садовые дорожки своими руками

Итак, с зонированием и постройками вы, положим, определились. Но прежде, чем высаживать зелёную красоту на даче, нужно проложить на участке основную входную дорожку и тропинки между постройками. Их вполне можно обустроить своими руками. Простейший вариант — устройство садовой дорожки, именуемой «тропа». Для нее не нужны плитки, камни, подготовка почвы. На фотографии ниже наглядно видно, как оборудована дорожка такого типа. Этот способ в комментариях, я думаю, не нуждается. 

Садовая дорожка-тропа

Садовая дорожка-тропа. Фото с сайта static.dom.by

Второй способ — оборудование садовой дорожки с засыпанным галькой или мелким щебнем основанием. Выкопайте для неё ложе глубиною 10-15 см, застелите его нетканым геотекстильным полотном, укрепите бока специальной бордюрной лентой (продаётся в магазинах) или низким декоративным заборчиком. Затем укреплённое ложе засыпьте галькой или гравием. Всё — насыпная садовая дорожка готова. Вот так она выглядит на фотографии.

насыпная садовая дорожка

Насыпная садовая дорожка. Фото с сайта hitsad.ru

Если же на садовый проход планируется большая нагрузка (например, для проезда автомобиля), вам придётся потрудиться и соорудить дорожку на твёрдом заливном основании.

Садовая дорожка из плитки

Садовая дорожка из плитки

Для этого в углублённое на 10-12 см ложе дорожки засыпьте песок на высоту 5 см, утрамбуйте его, укрепите бока дорожки бордюрной лентой или рубероидом и забетонируйте либо оформите тротуарной плиткой.

Зелёные насаждения

Только после того, как вы определились с зонированием участка, постройками и оформлением садовых дорожек, можно, наконец, чуток передохнуть. А уж потом приступить к декорированию ландшафта  зелёными насаждениями.

Создаём газон своими руками

Прежде всего разровняйте площадку для газона и освободите её от сорняков, коряг и крупных камней. Затем засыпьте по всей площади любым универсальнымудобрением и вскопайте. А теперь — внимание! — либо утрамбуйте перекопанную почву специальным укатчиком, либо пройдитесь несколько раз по свежевскопанной земле мелким шагом, притаптывая её. Теперь участок должен «выстояться» месяц-полтора, чтобы дать естественную усадку. После этого приступайте к посеву. Оконтурить газон можно вечнозелёными культурами, но так, чтобы они не мешали регулярным стрижкам газонных растений.

Клумбы, альпинарии и миксбордеры своими руками

Вот уж где воистину простор для фантазии! Каких только клумб, альпинариев и миксбордеров не увидишь на дачных участках!

Клумба-зонтик. Фото с сайта zelenyjmir.ru

Клумба-зонтик. Фото с сайта zelenyjmir.ru

Посмотрите на эти фотографии и включите собственное воображение.

Клумба в рукотворном пне

Клумба в рукотворном пне

Возможно, и у вас на даче сохранились ненужные предметы, которые вполне можно использовать для создания подобных клумб своими руками.

Клумба в телеге. Фото с сайта liveinternet.ru

Клумба в телеге. Фото с сайта liveinternet.ru

А для сотворения вот такого красивого альпинария вполне достаточно места в 1 м². 

Альпинарий. Фото с сайта avatars.mds.yandex.net

Альпинарий. Фото с сайта avatars.mds.yandex.net

Также не представляет сложности создать подобный миксбордер. 

Миксбордер. Фото с сайта stroy-podskazka.ru

Миксбордер. Фото с сайта stroy-podskazka.ru

А вы можете разбить цветник по своему плану, подобрав растения, которые нравятся именно вам. Сделать дизайн отдельных уголков сада вам поможет простая и наглядная методика, суть которой показана в этом видеоролике.

Водоём своими руками

Собственный пруд на даче – это замечательная возможность не только добавить изюминку в свой ландшафтный дизайн, но и внести гармонию в окружающее пространство. Что ни говорите, приятно сидеть на теплой скамейке с хорошей книжкой, вдыхать аромат трав и слушать звуки льющейся воды. Создать такое чудо своими руками не так сложно, стоит лишь придерживаться общих правил. 

Дизайн жилища

Жилище — это возможность свободно двигаться, стоять, лежать; наслаждаться прохладой или теплом, отдыхать, погружаться в раздумья… Жилище — это возможность иметь семью, составляющую звено вечной цепи жизни; это пространство, необходимое для семейных радостей. (Ле Корбюзье, архитектор)

Учитывая, сколько времени большинство из нас проводят дома, это позор, что большинство из нас живут в небольших, скучных домах или квартирах. Если дом — это место жительства человека, то все в нем должно быть приятно человеку и близко его сердцу. Эти идеи дизайна интерьера будут гарантировать, что в таком доме Вы будете счастливым! Некоторые из этих интерьерных идей довольно дороги для своей реализации, но для тех, кто не может достаточно много потратить на дизайн своего дома, и хочет сэкономить, есть также небольшие и недорогие идеи, которые досупны в выполнении и сделают Ваш дом уникальным. А для тех из нас, кто живет в городских квартирах, найдутся также идеи, которые помогут Вам сэкономить пространство!

1. Домашняя библиотека — читальный зал со стеклянными стенами.

1. Домашняя библиотека — читальный зал со стеклянными стенами. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: imgur.com

2. Стеклянный пол над водой, сквозь который видно морское дно.

2. Стеклянный пол над водой, сквозь который видно морское дно. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: imgur.com

3. Потолочная библиотека над рабочим кабинетом, куда ведет лестница из нержавеющей стали.

3. Потолочная библиотека над рабочим кабинетом, куда ведет лестница из нержавеющей стали. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: http://www.homedsgn.com

4. Детская игровая комната с большим деревом, у которого есть секрет — ход на чердак.

4. Детская игровая комната с большим деревом, у которого есть секрет — ход на чердак. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.modenus.com

5. Компактная лестница — шкаф, в которой можно хранить множество нужных вещей.

5. Компактная лестница — шкаф, в которой можно хранить множество нужных вещей. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com

6. Большая комната с окном в виде часов в старой башне.

6. Большая комната с окном в виде часов в старой башне. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com

7. Стеклянный столик с натуральным деревом, выглядящий, как протекающая река.

7. Стеклянный столик с натуральным деревом, выглядящий, как протекающая река. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: gregklassen.com

8. Витражная дверь, бросающая яркие краски в дом.

8. Витражная дверь, бросающая яркие краски в дом. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: studio.arminblasbichler.com

9. Удобное место для чтения книг.

9. Удобное место для чтения книг. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: bernardorodriguespress.blogspot.com

10. Роспись стен люминисцентными светящимися красками.

10. Роспись стен люминисцентными светящимися красками. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com
47 потрясающих идей для дизайна дома дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com

11. Зеленая живая стена из растений в ванной.

11. Зеленая живая стена из растений в ванной. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: yacineaziz.com

12. Стена над камином, оформленная натуральными камнями.

12. Стена над камином, оформленная натуральными камнями. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com

13. Уютный домик-кровать для детей.

13. Уютный домик-кровать для детей. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.fun-love-do.com

14. Диоды, встроенные в пол, которые в темноте так завораживающе светятся в ванной комнате.

14. Диоды, встроенные в пол, которые в темноте так завораживающе светятся в ванной комнате. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com

15. Люстра, делающая из комнаты сказочный лес

15. Люстра, делающая из комнаты сказочный лес дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com

16. Космический пейзаж на стене.

16. Космический пейзаж на стене. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: thegadgetflow.com

17. Журнальный столик со стеклянными призмами, расцвечивающими комнату веселыми красками.

17. Журнальный столик со стеклянными призмами, расцвечивающими комнату веселыми красками. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.demilked.com

18. Лучшие жалюзи, которые можно себе представить.

18. Лучшие жалюзи, которые можно себе представить. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.aaltoaalto.com

19. Удивительный дизайн паркетных деревянных полов

19. Удивительный дизайн паркетных деревянных полов. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: evolulignum.blogspot.no

20. Красочный ковер

20. Красочный ковер дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.sonyawinner.com

21. Ванная, выглядящая как гамак.

21. Ванная, выглядящая как гамак. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.splinterworks.co.uk

22. Детская комната в пиратском стиле

22.  Детская комната в пиратском стиле дизайн, дом, идея, креатив
Источник: twincitiesremodeler.com

23. Подоконник может стать прекрасной основой для создания прочных и красивых полок

23.  Подоконник может стать прекрасной основой для создания прочных и красивых полок  дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com

24. Раковина в форме ракушки

24. Раковина в форме ракушки  дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.hightech-design-products.com

25. Гамак над лестницей.

25. Гамак над лестницей. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.ooda.eu

26. Спрятанная вращающаяся дверь-книжный шкаф

26. Спрятанная вращающаяся дверь-книжный шкаф дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com

27. Камин

27. Камин дизайн, дом, идея, креатив
Источник: fuckyeahnerdpr0n.tumblr.com

28. Стеклянный дом вокруг дерева

28. Стеклянный дом вокруг дерева  дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.amlu.com
47 потрясающих идей для дизайна дома дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.amlu.com

29. Ванная комната по мотивам “Желтой подводной лодки” Битлз

29. Ванная комната по мотивам “Желтой подводной лодки” Битлз дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.anthonylindsey.com

30. Семейное дерево.

30. Семейное дерево.  дизайн, дом, идея, креатив
Источник: ad.zanox.com

31. Стол из распиленного бревна как идея украшения

31.  Стол из распиленного бревна как идея украшения дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.johnhoushmand.com

32. Текстура на этой стене выглядит как рябь на воде

32.  Текстура на этой стене выглядит как рябь на воде дизайн, дом, идея, креатив
Источник: imgur.com

33. Фантастический стимпанк по мотивам романа Жюля Верна

33.  Фантастический стимпанк  по мотивам романа Жюля Верна дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com

34. Необычная лампа для освещения и украшения вашего жилья

34.  Необычная лампа для освещения и украшения вашего жилья дизайн, дом, идея, креатив
Источник: fancy.com

35. Космические туманности на ковриках

35. Космические туманности на ковриках  дизайн, дом, идея, креатив
Источник: fancy.com

36. Раковина-велосипед.

36.  Раковина-велосипед. дизайн, дом, идея, креатив

37. Кровать с балдахином

37. Кровать с балдахином дизайн, дом, идея, креатив
Источник: 33.media.tumblr.com

38. Читальный зал

38.  Читальный зал  дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com

39. Дом для скейтбординга

39.  Дом для скейтбординга дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com

40. Ванная комната, расположенная над шахтой 15-этажного лифта.

40. Ванная комната, расположенная над шахтой 15-этажного лифта. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com

41. Идея для оформления детских комнат

41. Идея для оформления детских комнат дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.demilked.com
47 потрясающих идей для дизайна дома дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.demilked.com
47 потрясающих идей для дизайна дома дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.demilked.com

42. Оригинальная идея для изголовья кровати

42. Оригинальная идея для изголовья кровати  дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com

43. Гипнотизирующие рисунки маркером

43.  Гипнотизирующие рисунки маркером  дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.heikeweber.net
47 потрясающих идей для дизайна дома дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.heikeweber.net

44. Прозрачный дом

44.  Прозрачный дом дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com

45. Малярная лента

45.  Малярная лента дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com

46.

46.  дизайн, дом, идея, креатив
Источник: www.boredpanda.com

47. Большое дерево, растущее внутри гостиной.

47. Большое дерево, растущее внутри гостиной. дизайн, дом, идея, креатив
Источник: doisong.vnexpress.net

Источник: https://fishki.net/1440611-47-potrjasajuwih-idej-dlja-dizajna-doma.html © Fishki.net

Використання біоніки в дизайні

У своїй творчій діяльності людина постійно, свідомо чи інтуїтивно звертається за допомогою до живої природи. Причини особливої уваги дизайнерів до законів формоутворення в живій природі полягають у тому, що дизайн як особливий вид мистецтва має безпосередній зв’язок з матеріальним середовищем. Жива природа у процесі свого розвитку прагне до всебічної економії енергії, будівельного матеріалу і часу. Саме це і наштовхнуло на думку щодо можливості використання в дизайні не тільки зовнішніх обрисів природних форм, а й закономірностей формоутворення живих організмів.

Найдосконаліші форми, як з точки зору краси, так і з точки зору організації і функціонування, створені самою природою і розвинулися в процесі еволюції. Людство з давніх пір запозичило у природи структури, елементи, побудови для вирішення своїх технологічних задач. В даний час техногенна цивілізація відвойовує у природи все більші території, навколо домінують прямокутні форми, сталь, скло і бетон, а ми живемо в так званих міських джунглях.

І з кожним роком все більш відчутною стає потреба людини в природному гармонійному середовищі існування, наповненому повітрям, зеленню, природними елементами. Тому екологічна тематика стає все більш актуальною в містобудуванні та дизайні.

Картинки по запросу бионика

Біоніка — це напрямок в першу чергу науковий, а потім вже творчий. Стосовно до архітектури він означає використання принципів і методів організації живих організмів і форм, створених живими організмами, при проектуванні і будівництві будівель. Першим архітектором, який працював в стилі біоніки, був А. Гауді. Його знаменитими роботами досі захоплюється світ (Будинок Бальо, Будинок Міла, Храм Святого Сімейства, Парк Гуель і ін.).

Сучасна біоніка базується на нових методах із застосуванням математичного моделювання і широкого спектру програмного забезпечення для розрахунку та 3d-візуалізації. Основним її завданням є вивчення законів формування тканин живих організмів, їх структури, фізичних властивостей, конструктивних особливостей з метою втілення цих знань в архітектурі. Живі системи є прикладом конструкцій, які функціонують на основі принципів забезпечення оптимальної надійності, формування оптимальної форми при економії енергії та матеріалів. Саме ці принципи і покладені в основу біоніки.

Ось кілька найбільших споруд на основі біоніки в усьому світі:

Ейфелева вежа в Парижі (повторює форму гомілкової кістки);

Картинки по запросу ейфелева вежа в парижі фото

Стадіон «Ластівчине гніздо» в Пекіні (зовнішня металева конструкція повторює форму пташиного гнізда);

Хмарочос Аква в Чикаго (зовні нагадує потік падаючої води, також форма будівлі нагадує складчасту структуру вапняних відкладень по берегах Великих Озер);

Картинки по запросу Хмарочос Аква в Чикаго

Житловий будинок «Наутілус» або «Раковина» в Наукальпане (його дизайн узятий з природної структури — раковини молюска);

Оперний театр в Сіднеї (наслідує розкрилися пелюсток лотоса на воді);

Плавальний комплекс в Пекіні (конструкція фасаду складається з «бульбашок води», повторює кристалічну решітку, вона дозволяє акумулювати сонячну енергію, що використовується на потреби будівлі);

Національний оперний театр в Пекіні (імітує краплю води).

Біонічний стиль прийшов і в дизайн інтер’єру: як в житлових приміщеннях, так і в приміщеннях сфери послуг, соціального і культурного призначення. Приклади біоніки можна побачити в сучасних парках, бібліотеках, торгових центрах, ресторанах, виставкових центрах і т.д. Що ж характерно для цього модного стилю? Які його особливості? Як і в разі архітектури, біоніка інтер’єру використовує природні форми в організації простору, в плануванні приміщень, в дизайні меблів і аксесуарів, в декорі.

Свої ідеї дизайнери черпають із знайомих структур живої природи:

Віск і бджолині стільники — основа для створення незвичайних конструкцій в інтер’єрі: стін і перегородок, елементів меблів, декору, скляних конструкцій, елементів стінових і стельових панелей, віконних прорізів і т.д.

Картинки по запросу бионика

Павутина є надзвичайно легким і економним сітчастим матеріалом. Часто застосовується як основа в дизайні перегородок, дизайні меблів і освітлювальних приладів, гамаків.

Зовнішні або внутрішні сходи можуть бути виконані у вигляді спіральних або незвичайних конструкцій, створених з комбінованих природних матеріалів, які повторюють плавні природні форми. У дизайні сходів художники біонічного напрямку найчастіше відштовхуються від рослинних форм.

Картинки по запросу бионика

Кольорові скла і дзеркала використовуються в прикладах біоніки для того, щоб створити цікаве освітлення.

У дерев’яних будинках в якості несучих колон можуть використовуватися стовбури дерев. Взагалі дерево — один з найпоширеніших матеріалів інтер’єру в стилі біоніки. Також застосовують шерсть, шкіру, льон, бамбук, бавовна та ін.

З водної гладі беруться і гармонійно вписуються дзеркальні і глянцеві поверхні.

Відмінним рішенням є застосування перфорації з метою зменшення ваги окремих конструкцій. Пористі кісткові структури часто використовуються для створення цікавих меблів, при цьому економлячи матеріал, створюючи ілюзію легкості.

Світильники також повторюють біологічні структури. Красиво і оригінально виглядають світильники, що імітують водоспад, що світяться дерева і квіти, хмари, небесні світила, морських мешканців і т.д.Прімери біоніки часто використовують природні матеріали, які є екологічно чистими. Характерними особливостями даного напрямку вважаються плавні лінії, натуральна колірна гамма. Це спроба створити атмосферу, наближену до природної природи, при цьому не скасовуючи зручностей, які людина придбала з розвитком техніки. Електроніку вписують в дизайн таким чином, щоб вона не впадала в очі.

У прикладах біоніки в інтер’єрі можна розглянути акваріуми, цікаві незвичайні конструкції і унікальні форми, які, як і в природі, не повторюються. Можна сказати, що в біоніці немає чітких меж і зонування простору, одні приміщення плавно «перетікають» в інші. Природні елементи не обов’язково будуть застосовні до всього інтер’єру. Дуже поширені в даний час проекти з окремими елементами біоніки — меблями, що повторюють структуру тіла, структуру рослин і інших елементів живої природи, органічні вставки, декор з натуральних матеріалів. Варто відзначити, що ключовою особливістю біоніки в архітектурі і дизайні інтер’єру є наслідування природних форм з урахуванням наукових знань про них. Створення сприятливої ​​для людини екологічно безпечного середовища проживання із застосуванням нових енергоефективних технологій може стати ідеальним напрямком розвитку міст. Тому біоніка є новим напрямком, що швидко розвивається, захоплюючи уми архітекторів і дизайнерів.

Картинки по запросу бионика

Коко Шанель

Габриэль Шанель, прозванная Коко Шанель, была ведущим французским кутюрье, чей модернизм, вдохновлённость и следование дорогой простоте в создаваемой одежде сделали из неё очень важную фигуру в истории моды 20-го столетия. Коко Шанель (фр. Coco Chanel, настоящее имя — Габриэль Бонёр Шанель, фр. Gabrielle Bonheur Chanel) родилась в Сомюре 19 августа 1883 года, хотя утверждала, что появилась на свет в 1893 году, в Оверни.

Картинки по запросу Коко шанель цитаты

Мать умерла, когда ей было шесть лет, позже отец Габриэль оставил её и еще четырёх ее братьев. Дети были тогда на попечении родственников и провели некоторое время в приюте. В 18 лет Габриэль устроилась продавцом в магазин одежды, а в свободное время пела в кабаре. Любимыми песнями девушки были «Ko Ko Ri Ko» и «Qui qua vu Coco», за что ей и дали прозвище – Коко.

Картинки по запросу Коко шанель цитаты

Габриэль не преуспела в качестве певицы, однако во время одного из её выступлений офицер Этьен Бальзан был очарован ею.

Картинки по запросу Коко шанель цитаты

Она переехала жить к нему в Париж, но вскоре ушла к английскому промышленнику Артуру Капелю. Вскоре она открыла магазин в Париже в 1910 году, продавая дамские шляпы.

Картинки по запросу Коко шанель цитаты

В 1912 году Коко открывает свой первый Дом моды в Довиле, но Первая мировая война прервала её деятельность. В 1919 году Шанель открывает Дом моды в Париже на улице Камбон. К этому времени у Шанель уже были клиенты во всём мире. В 1921 году появились знаменитые духи «Chanel № 5».

Картинки по запросу шанель 5

Картинки по запросу Коко шанель цитаты

Коко Шанель популяризировала и маленькое чёрное платье, которое можно было носить в течение дня и вечера в зависимости от того, как оно дополнено аксессуарами.

Картинки по запросу Коко шанель цитаты

Несмотря на огромный успех моделей Шанель, в 1939 году Коко закрыла все бутики и дом моды, потому что началась Вторая мировая война. Многие кутюрье покинули страну, но Коко осталась в Париже. После окончания войны она уехала в Швейцарию. В 1954 году 71-летняя Габриэль вернулась в мир моды и представила свою новую коллекцию «от кутюр».

Картинки по запросу Коко шанель цитаты

В 1950–1960-е годы Шанель сотрудничала с различными голливудскими студиями, одевала таких звезд, как Одри Хепберн и Лиз Тейлор. 10 января 1971 года великая Коко Шанель ушла из жизни. Она скончалась в возрасте 87 лет от сердечного приступа в отеле Риц в Париже, была похоронена в Лозанне (Швейцария).

Картинки по запросу Коко шанель цитаты

Картинки по запросу шанель

Картинки по запросу шанель 5

Показ мод как перформанс

Недели моды в модных столицах проходили последние несколько месяцев, создавая новые тренды, которые будут актуальны на весну-лето 2018 года. Что же нового смогли предложить лучшие дизайнеры мира? Какие были самые необычные и яркие новинки? И что станет горячим хитом теплых сезонов 2018 года в моде?

Показы коллекций сезона весна-лето 2018 идут уже довольно продолжительное время, за которое прошло несколько недель моды, поэтому можно подводить первые итоги модных трендов на следующие полгода. Что же можно выделить из общего количества модных новинок?

Неделя моды в Нью-Йорке весна-лето 2018

Первая неделя моды из четырех самых главных и значимых была более скромная в этом модном сезоне, но это вовсе не означает, что там не было на что посмотреть.

Ralph Lauren

Знаковые роскошь и строгость, необычный симбиоз сексуальных шелков и холодного аристократизма. По подиуму ходили такие известные модели, как Кендалл Дженнер, Белла Хадид, Пресли Гербер и другие не менее известные манекенщицы.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Victoria Beckham

Тотальный oversize, прямой крой, костюмы двойки в разной цветовой гамме, плиссированные юбки и любимая гамма дизайнера – красный, черный, белый и немного пыльных оттенков.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Oscar de la Renta

Баланс на грани актуальной американской моды и модной традиции бренда Oscar de la Renta. Черно-белые тона прилагаются. 

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

 

Неделя моды в Лондоне весна-лето 2018

Самая короткая неделя моды оказалась одной из самых качественных — туда постарались собрать только самое лучшее. Burberry, Gareth Pugh, Mary Katrantzou, Simone Rocha, J.W.Anderson, Erdem и Chalayan – в английской столице представили свои коллекции главные модные интеллектуалы. Кто-то вдохновлялся гардеробом Елизаветы Второй, а кто-то печалился по поводу обезличивания из-за новых технологий и гаджетов.

Emilia Wickstead, Erdem и Roksanda

Эффектные платья с фасонами из прошлого века и цветочным принтом Erdem, ленты, рюши и шляпы в стиле рококо Марии-Антуанетты Emilia Wickstead и платья с золотой бахромой Roksanda — самые изящные и женственные коллекции представили именно эти бренды.

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Peter Pilotto, Chalayan и Topshop

Полосатый рай от Peter Pilotto, серая воздушность и легкость от Chalayan и старый добрый горошек Topshop — настоящий коктейль из свежести и юмора.

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Simone Rocha, J.W.Anderson и Mary Katrantzou

Редкий творец может обойтись в своем творчестве без детских воспоминаний и переживаний. Куклы с гипсовыми лицами, конструкторы LEGO и розовые фламинго – в брендах Simone Rocha, J.W.Anderson и Mary Katrantzou знают, как трансформировать детское воображение в коммерчески успешные коллекции.

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Неделя моды в Милане весна-лето 2018

Все коллекции весна-лето 2018 недели моды в Милане объединило буйство ярких красок, неожиданные аксессуары и общий оптимистичный настрой. Fendi, Moschino, Emporio Armani, Versace, Max Mara, Gucci, Missoni, Dolce&Gabbana, MSGM, Salvatore Ferragamo, Blumarine и Bottega Veneta показали, чем будут удивлять нас весной и летом.

Dolce&Gabbana, Versace и Giorgio Armani

Dolce&Gabbana удивили аксессуарами в виде цветов, фруктов и игральных карт, вызывающие цвета и принты поп-арта у Versace и привычный черный Armani в сочетании с неоновыми цветами.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Moschino, Prada и Fendi

Бабочки и сады Moschino, гранжевая эстетика 80-х и поп-арт-культуры 60-х в современной арт-галерее Prada, а также геометрия и футуризм Fendi.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Gucci и Missoni

Gucci вернули 80-е и диско, но оставили эклектику, а Missoni сделали акцент на ярких шляпах с прозрачными эфемерными платьями.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Неделя моды в Париже весна-лето 2018

В грядущем сезоне между классицизмом и фантазией, французские дизайнеры стремятся показать спонтанность, протест, естественность и молодежь в современном мире, а также воспитывают индивидуальность и стиль с новыми и преобразованными старыми тенденциями.

Christian Dior и Saint Laurent

Мария Кьюри Грация в новой коллекции создала на подиуме оду женской уверенности и юной эксцентричности, а Энтони Ваккарелло создал горячую и сексуальную коллекцию, отдав дань наследию дома Saint Laurent.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Chanel и Elie Saab

Классика + прозрачность Chanel от Карла Лагерфельда и бессменная роскошь Elie Saab.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Junko Shimada и Manish Arora

Восхваление природы и эльфийская утонченность Junko Shimada и восточная пестрый калейдоскоп Manish Arora.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Модные недели проходят во многих крупных столицах по всему миру, однако Париж, Милан, Лондон и Нью-Йорк задают тон всей фэшн индустрии и определяют главные тренды следующих сезонов.

Источник

Кристиан Диор — французский дизайнер-модельер

Жизненный путь

Кристиан Диор родился 21 января 1905 года в городе Гранвиль (Франция), в состоятельной семье. Когда Кристиану было 6 лет, его семья перебралась в Париж. Кристиан получил домашнее образование, а затем был отдан в Свободную школу политических наук для подготовки к карьере дипломата. Но это занятие не привлекало мальчика, он предпочитал музеи, музыку и живопись. В 1928 году он вместе с другом открыл художественную галерею. Просуществовала она около трех лет и была закрыта из-за смерти матери и болезни отца Кристиана, ведь именно отец финансировал ее. Тогда Кристиан начал продавать свои эскизы шляпок и платьев, которые пользовались большим успехом. В 1941 году он уже работал в известном парижском модельном доме Lucien Lelong. В 1942 году Диор открыл парфюмерную лабораторию, из которой потом выросла всемирно известная фирма Christian Dior Perfume.

Похожее изображение

Диор всегда считал аромат неотъемлемой частью женского образа.

Картинки по запросу кристиан диор женские ароматы реклама

В 1946 году он открыл и собственный дом моды и создал необычайно женственную коллекцию New Look, которая покорила и Европу, и Америку, подтвердив титул «мировой столицы моды» у Парижа. С 1953 года Диор выпускает также обувь, создавая законченный облик «Диор».

Картинки по запросу кристиан диор

В 1950-е годы дом моды Кристиана Диора был самым крупным и прибыльным в Париже. Кристиан Диор лицензировал свои модели, и они продавались под его фирменным знаком. Умер знаменитый кутюрье Кристиан Диор 24 октября 1957 года в возрасте 52 лет в Италии от сердечного приступа. В его доме в Гранвиле открыт музей Кристиана Диора. 

Похожее изображение

Некоторые цитаты

Картинки по запросу кристиан диор некоторые цитаты

Картинки по запросу кристиан диор некоторые цитаты

Картинки по запросу кристиан диор

Картинки по запросу кристиан диор некоторые цитаты

Картинки по запросу кристиан диор некоторые цитаты

Картинки по запросу кристиан диор некоторые цитаты

Картинки по запросу кристиан диор некоторые цитаты

Кельвин Кляйн

Жизненный путь

Кельвин Ричард Кляйн (англ. Calvin Richard Klein) родился 19 ноября 1942 года в Нью-Йорке (США), в семье владельца бакалейного магазина. Но вместо помощи отцу в бизнесе он более охотно помогал матери в шитье. Уже в пять лет мальчик живо интересовался модой и решил стать модельером. В 20 лет Кельвин поступает в Высшую школу искусств и дизайна, затем продолжает учиться в Институте технологии моды. После учёбы практикуется в ателье и в мастерских. Но в итоге уходит оттуда и с моральной поддержкой отца и материальной помощью друга детства Барри Шварца открывает свою компанию по пошиву одежды. В 1968 году с конвейера сошли первые мужские и женские пальто под маркой Кельвина Кляйна.

Картинки по запросу женское пальто PeaCoat Кляйн

Почти сразу же один предприниматель заказывает продукцию на 50 тысяч долларов, что весьма вдохновляет начинающего дизайнера. Кельвин Кляйн придумал укороченное женское пальто PeaCoat, которое было последним писком моды 1970-х. Молодой модельер несколько раз получает престижную премию Coty, награды America Award. В 1974 году коллекция Кляйна дополняется изделиями из меха, а спустя ещё четыре года кутюрье совершает революцию – создает первые в мире дизайнерские джинсы calvins, которые сейчас уже стали классикой. Создавая их, он сделал ставку на сексуальность джинсовой одежды. Кельвин Кляйн даже получил звание «министр джинсов».

 

 

Картинки по запросу джинсы кельвин кляйн

Картинки по запросу джинсы кельвин кляйн

В конце 1970-х годов мастер запускает ещё и собственную линию парфюма. Духи под маркой СК (Obsession, Eternity, Escape, Contradiction) быстро становятся популярными, они и сегодня успешно продаются. В 1982 году дизайнер переключился на мужское нижнее белье, создал модную коллекцию «боксеров» и «слипов». Спустя 10 лет Кляйн в очередной раз устроил обществу культурный шок, создав аромат в стиле унисекс – «СК One».

Картинки по запросу Кельвин Ричард Кляйн цитаты картинки

В этом же году ему присваивается звание «Лучший дизайнер Америки». К тому времени компания Кляйна бурно развивалась, из маленького ателье он построил успешную империю с ежегодным оборотом около 5 миллиардов долларов. Умелая маркетинговая политика наравне с блестящими дизайнерскими идеями сделали Кляйна одним из самых популярных модельеров. Своей компании он сумел создать оригинальный образ торговой марки, которая стала символом молодости, сексуальности и раскованности.

Картинки по запросу

Тем более, что дизайнер одним из первых начал одевать своих клиентов «от и до» — начиная с нижнего белья и заканчивая модными аксессуарами, с одежды для дома — и подиумными нарядами. Также одной из составляющих успеха Кляйна является мгновенная реакция на изменение тенденций в мировой моде. Например, на пороге 21 века он одним из первых начал разрабатывать стиль «милитари».

Картинки по запросу «милитари». кельвин кляйн

Утвердившись в США и Европе, его компания в 1990-е годы активно охватывала рынки, двигаясь на восток и открывая свои бутики в Гонконге, Джакарте, Кувейте. В 2003 году Кельвин Кляйн продал свою компанию Phillips Van Heusen за 430 млн. долларов, но оставил за собой право выбирать преемника. Сегодня модельер продолжает активно заниматься творчеством, у Келвина Кляйна множество идей и далеко идущих планов. 

Картинки по запросу 1968 первые мужские и женские пальто под маркой Кельвина Кляйна.

Картинки по запросу Кельвин Ричард Кляйн картинки

КРИСТАЛЛЫ СВАРОВСКИ — ШИК И БЛЕСК

Наверняка не найдется такого человека, кто бы ни слышал о камнях бренда Сваровски. Так что же это за камни и чем они привлекают покупателей?
Сам бренд Сваровски ( Swarowski ) возник в 1900 году. Однако история появления этих знаменитых камней началась немного раньше.

История

В середине 19 века никому тогда еще неизвестный Даниэль Сваровски был всего лишь обычным мальчиком, который работал вместе с отцом на собственной стекольной фабрике. Такая работа не увлекала его, пока однажды в его жизни не произошел переломный момент. Он посетил Всемирную электротехническую выставку. После этого Даниэль конструирует электрический станок для огранки и шлифовки стекла и хрусталя. Это и стало поворотным моментом во всей истории моды.

В то время хрусталь обрабатывали и шлифовали вручную. Сваровски сделал процесс шлифовки удобнее, а готовый материал был непревзойденного качества. Грани были четкие, не имелось сколов. И конечно же, такой способ шлифовки занимал намного меньше времени по сравнению с ручным.

Но чтобы хрусталь выдерживал машинную обработку, нужно было изменить его состав. И Даниэль изобрел собственную формулу для изготовления хрусталя. Так появились знаменитые кристаллы Сваровски. Они отличались от остальных ювелирных украшений своим переливающимся блеском и точными гранями. Камни не мутнели со временем, не крошились и не отклеивались от изделий.

Стразами стали украшать одежду, обувь, сумки. Делали и делают из камней красивые фигурки, украшают люстры, часы, картины. Многие знаменитые дома издавна полюбили эти кристаллы. Сценические костюмы многих див и королей сцены украшены этими великолепными камнями. Кристаллы Сваровски – это отдельная глава во всемирной истории моды.

Почему же эти камни называют кристаллами? На иностранном языке слово хрусталь созвучно слову кристалл, поэтому их стали называть не хрусталем, а кристаллами Сваровски. Своей же популярностью, помимо всего остального, эти камни обязаны еще и схожестью с настоящими бриллиантами.
Однако, несмотря на это, Даниэль не скрывал, что его продукция– это не драгоценные камни, а хрусталь. Он ценил самобытную красоту кристаллов, и не пытался выдавать их за драгоценности. Но это никак не отразилось на качестве камней, а также на их цене. Немногие могут побаловать себя такой роскошью. Это и привело к появлению всевозможных подделок.

Особенности кристаллов Сваровски

Как же можно отличить подделку от настоящих кристаллов? Есть несколько отличительных черт:

Сами камни с четкими гранями, с ровным зеркальным напылением
Цвет у камней в одной пачке одинаковый, нет проблесков
Нет никаких сколов, неровностей, помутнений
У кристаллов Сваровски уникальная упаковка с несколькими степенями защиты (штрихкод, голограмма, индивидуальный идентификационный номер, голографическая рельефная наклейка с брендом компании на обороте).
Какой же секрет кроется в составе этих кристаллов? До сих пор компания Сваровски держит секрет производства камней при себе. Известно лишь несколько фактов.

Своим отличительным блеском стразы Сваровски обязаны содержанию в своем составе окиси свинца. Его в камнях Сваровски больше, чем в каких-либо других стразах.

Также большое значение имеют четкие, идеально отшлифованные грани. Именно они создают восхитительное преломление света. Стразы имеют четырнадцать боковых граней(7 из них узкие, 7-широкие). Этот способ огранки создатель кристаллов запатентовал. Бриллиантовому эффекту способствует и серебристо-зеркальная подложка страз.

Не стоит забывать, что обработке этих камней уделено немалое внимание. Маленький скол, царапина, неровность– камни списываются на брак. В работе с кристаллами Сваровски все очень строго.

Счастливым обладателям этих великолепных камней нужно знать, как заботиться о своих украшениях.

Нужно беречь кристаллы от влажности, лучше убирать их в фирменную коробочку.
Желательно избегать попадания на украшения духов и косметики.
Хранить камни стоит отдельно от других украшений во избежание царапин.

Компания не сдает позиций

Компания не стоит на месте, производство совершенствуется. В прошлом веке внук Даниэля, Манфред, изобрел новый способ изготовления кристаллов Сваровски. При таком способе камни получаются всевозможных цветов и оттенков. В 21 веке был изобретен также новый способ огранки и был выведен способ изготовления хрусталя, при котором свинец был практически не нужен. Судя по всему, бренд Сваровски не теряет популярности и только приумножает свои достижения.
Красота и разнообразие продукции компании Сваровски поразит любого изысканного ценителя красоты. Ведь кристаллы этой компании настоящее искусство.

Существует даже музей Сваровски. Открытие музея произошло в 1995 году. Он находится недалеко от главной штаб-квартиры компании в Ваттенсе. Также музей неоднократно расширялся, так как количество любителей камней Сваровски росло, и нужно было увеличивать пространство. В музее, кроме выставочных залов, существует отдельный VIP зал для коллекционеров, огромный магазин собственной продукции, а также ресторан. Помимо этого, музей хранит в себе самый маленький и самый большой кристаллы.

Вход в музей представляет собой голову великана. Его глаза – это огромные зеленые кристаллы. А сами залы музея находятся под землей. Конечно, как и вся продукция этого бренда, музей впечатляет своей оригинальностью.
Даниэль Сваровски сделал великое открытие для всех ценителей украшений, произвел на свет удивительно чистые и ни с чем не сравнимые кристаллы. И эти камни, несомненно, составили достойную конкуренцию настоящим бриллиантам.

СЛОВНО В КРИСТАЛЛАХ СВАРОВСКИ

Любовь Пешкова. 07.02.16
Словно в кристаллах Сваровски, в проснувшихся
Реках шуга,
Гладко обкатаны в волнах льдинки на солнце горят
Сугробов остатки доверчиво, тая стекают к воде,
Тянутся травы приветливо, из зимнего плена к весне.
Облаком стылым уходит в прошлое тихо зима
Птицы над ивами кружат гнёзда отстроить спеша.
Словно в кристаллах Сваровски, в проснувшихся
Реках шуга,
Тянутся травы за солнцем, тянется к солнцу весна.

Пабло Пикассо

Жизненный путь

Испанский художник, скульптор, график, керамист и дизайнер, родился 25 октября 1881 года в Малаге, шумном портовом городе на юге Испании. Голубой период. Девочка на шаре Отец Пикассо был преподавателем живописи. В семье было четверо детей, Пабло был старшим. В 1895 году семья переехала в Барселону, где отец стал работать в художественной школе Ла Лонха. Пикассо начал учиться именно там, а в 1897 году продолжил образование в мадридской Академии изящных искусств. В 16 лет он вернулся в Барселону и организовал собственную студию. Пабло был на редкость самоуверенным юношей и не сомневался в том, что сумеет добиться грандиозного успеха. Подобно всем амбициозным художникам того времени, Пикассо мечтал попасть в Париж. Его мечта сбылась в 1900. В 1904 он окончательно обосновался в Париже. 1900-1904 называют «голубым периодом» в творчестве Пикассо, поскольку большинство созданных им в эти годы картин написано в холодных голубых тонах. Розовый период «Голубой период» сменился кратковременным «розовым», когда художник предпочитал более теплую гамму. Следующий период его творчества отмечен дружбой с художником Жоржем Браком. В результате их сотрудничества сложилось новое направление в живописи – кубизм. В 1917 году художник посетил Рим, где работал над декорациями и костюмами к балету «Парад» в постановке Сергея Дягилева. Здесь Пикассо влюбился в Ольгу Хохлову, одну из танцовщиц русской труппы. Купальщицы Они поженились в 1918 году. В 1921 году у Пабло и Ольги родился сын Поль, однако их брак счастливым не назовешь. По сути, он кончился в январе 1927 года, когда Пикассо увлекся 17-летней Мари-Терез Вальтер. Самому мэтру было тогда 45. В 1935 году у Мари-Терез родилась девочка, которую назвали Майей. Брак Пикассо с Ольгой, заключенный по испанским законам, не мог быть расторгнут. Ольга и Пабло формально оставались мужем и женой вплоть до смерти Ольги в 1955 году. Но не сложились и отношения Пикассо с Мари-Терез. После нее у художника были еще музы – Дора Маар и Франсуаза Жило (они прожили вместе 10 лет, и родили двоих детей), Жаклин Рок (на которой художник женился). Даже перевалив за восьмой десяток лет, Пикассо продолжал энергично работать. При этом в последние свои годы он крайне редко появлялся на людях, предпочитая тихую уединенную жизнь в обществе Жаклин. Умер Пабло Пикассо 8 апреля 1973 года в возрасте 91 года и был похоронен в старинном замке Вовенарг, где жил и работал в 1958-1961 годах.

Обзор творчества

Уже с 7 лет мальчик дописывал некоторые детали на картинах отца (первой такой работой были лапки голубей). В 8 лет была написана первая серьезная картина маслом под названием «Пикадор».

Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)

Portret materi (1896)

«Портрет матери» 1896

Pervoe prichastie (1896)

«Первое причастие» 1896

"Испанская пара перед гостиницей" 1900

«Испанская пара перед гостиницей» 1900

"Бульвар Клиши" 1901

«Бульвар Клиши» 1901

"Мул" 1898

«Мул» 1898

"Портрет отца художника" 1895

«Портрет отца художника» 1895

Следующий период в творчестве Пабло Пикассо называют «голубым». В  1901 — 1904 гг. в палитре Пикассо преобладали холодные цвета — в основном голубой и его оттенки. В это время Пикассо поднимал темы старости, бедности, нищеты, характерным настроением картин этого периода были меланхолия и печаль. Художник отображал человеческие страдания, рисуя слепых, нищих, алкоголиков и проституток и т.п. — именно они были главными персонажами «голубого» периода.

Работы «голубого» периода (1901-1904)

Zavtrak slepogo (1903)

«Завтрак слепого» 1903

"Суп" 1902

«Суп» 1902

"Мать и дитя" 1903

«Мать и дитя» 1903

"Любительница абсента" 1901

«Любительница абсента» 1901

"Гладильщица" 1904

«Гладильщица» 1904

"Нищий старик с мальчиком" 1903

«Нищий старик с мальчиком» 1903

"Жизнь" 1903

«Жизнь» 1903

"Две сестры (Свидание)" 1902

«Две сестры (Свидание)» 1902

"Голубая комната (Ванна)" 1901

«Голубая комната (Ванна)» 1901

"Гурман" 1901

«Гурман» 1901

"Сидящая женщина в капюшоне" 1902

«Сидящая женщина в капюшоне» 1902

В «розовом» периоде (1904 — 1906) главной темой в творчестве художника был цирк и его персонажи — акробаты и комедианты. Преобладали яркие жизнерадостные цвета. Любимым персонажем этого периода можно назвать арлекина, который наиболее часто встречался в работах Пикассо. Помимо цирка вдохновляла его еще и модель Фернанда Оливье, с которой познакомился в 1904 г., в самом начале «розового» периода. Её же была музой художника на протяжении всего периода.

Работы «розового» периода (1904 — 1906)

"Акрабат и арлекин" 1905

«Акрабат и арлекин» 1905

"Девочка с козлом" 1906

«Девочка с козлом» 1906

"Мальчик, ведущий лошадь" 1906

«Мальчик, ведущий лошадь» 1906

"Семейство комедиантов" 1905

«Семейство комедиантов» 1905

"Крестьяне" 1906

«Крестьяне» 1906

2 obnozhennaya c kuvshinom_1906

«Обнаженная женщина с кувшином» 1906

"Причесывание" 1906

«Причесывание» 1906

"Женщина с хлебом" 1905

«Женщина с хлебом» 1905

"Два акрабата с собакой" 1905

«Два акрабата с собакой» 1905

"Туалет" 1906

«Туалет» 1906

Одну из известнейших картин П. Пикассо «Девочка на шаре» (1905), которая сейчас находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, некоторые специалисты называют переходной от «голубого» периода к «розовому».

"Девочка на шаре" 1905

«Девочка на шаре» 1905

Переломным моментом в творчестве Пикассо стал портрет Гертруды Штейн, написанный им в 1906 году.

"Портрет Гертруды Штейн" 1906

Работа над портретом была тяжелой — художник около 80 раз переписывал портрет и в итоге Пикассо отдалился от портрета как жанра изобразительного искусства в своем классическом понимании. Все дальнейшее творчество Пикассо можно охарактеризовать всего лишь одной его фразой «Надо писать не то, что вижу, а то что знаю». Именно этой установки П. Пикассо и старался придерживаться до конца своей жизни.

Кубизм

Этот большой период в творчестве Пабло Пикассо делиться на несколько этапов. Это время полного отказа от детализации персонажей: предмет и фон почти сливаются воедино, нет четко очерченных границ. Пикассо был убежден, что художник может больше, чем просто показывать то, что видит глаз.

Первый этап «сезанновский» он же «африканский» период. Этот этап отличается построением изображений с помощью простых- геометрических форм и преобладанием мутных размытых  зеленых, охристых и коричневых тонов.

В 1907-1909 гг внимание художника было устремленно на африканское искусство, с которым он впервые познакомился в 1907 году на этнографической выставке в музее Трокадеро. Отныне в творчестве Пикассо стали преобладать простые, даже примитивные формы изображаемых предметов. В технике художник стал употреблять грубую штриховку. Первой картиной выполненной в «африканском» стиле считается «Авиньонские девицы» 1907 г.

1 avinonskie devi4i(1907)

Эта картина писалось автором на протяжении года. Ни с одной своей картиной Пикассо не работал так долго. В итоге эта работа так отличалась от предыдущих его картин, что была неоднозначно воспринята общественностью. Но нащупав новый, интересный для него стиль, Пикассо не собирался отступать и на протяжении 2 лет художник всячески развивал его.

Работы «сезанновского» кубизма («Африканский» период) (1907 — 1909)

"Фермерша" 1908

«Фермерша» 1908

"Голова мужчины" 1907

«Голова мужчины» 1907

"Купальщица" 1909

«Купальщица» 1909

"Натюрморт с чашей и кувшином" 1908

«Натюрморт с чашей и кувшином» 1908

"Обнаженная с драпировкой (Танец с покрывалами)" 1907

«Обнаженная с драпировкой (Танец с покрывалами)» 1907

"Портрет Мануэля Пальяреса" 1909

«Портрет Мануэля Пальяреса» 1909

"Три фигуры под деревом" 1907

«Три фигуры под деревом» 1907

"Бокалы и фрукты" 1908

«Бокалы и фрукты» 1908

"Бюст человека (Спортсмен)" 1909

«Бюст человека (Спортсмен)» 1909

"Женщина" 1907

«Женщина» 1907

В аналитическом периоде Пикассо пришел к осознанию того, что нужно полностью сосредоточиться на объеме и форме предметов, отодвинув на задний план цвет. Таким образом отличительной чертой аналитического кубизма стала монохромность. Так же стоит отметить структуру работ этого периода — художник словно дробит предметы на мелкие фрагменты. Между разными вещами пропадает грань и все воспринимается как единое целое.

Работы «аналитического» кубизма (1909-1912)

"Человек с гитарой" 1911

«Человек с гитарой» 1911

"Человек со скрипкой" 1912

«Человек со скрипкой» 1912

"Аккордионист" 1911

«Аккордионист» 1911

"Натюрморт с бутылкой ликера" 1909

«Натюрморт с бутылкой ликера» 1909

"Поэт" 1911

«Поэт» 1911

"Портрет Фернанды" 1909

«Портрет Фернанды» 1909

"Портрет Вильгельма Уде" 1910

«Портрет Вильгельма Уде» 1910

"Сидящая обнаженная" 1910

«Сидящая обнаженная» 1910

"Женщина в зеленом" 1909

«Женщина в зеленом» 1909

Началом синтетического периода стала картина «Воспоминания о Гавре», написанная Пабло Пикассо в 1912 г. В этой картине появились более яркие краски, не присущие аналитическому кубизму.

Pablo-Picasso_Souvenir-du-Havre_1912

Монохромные работы вновь уступили место цвету. В основном на картинах этого периода преобладали натюрморты: бутылки вина, ноты, столовые приборы и музыкальные инструменты. Для разбавления абстрактности в работе над картинами использовались реальные предметы, такие как: веревки, песок, обои и т.д.

Работы «синтетического» кубизма (1912-1917)

"Человек у камина" 1916

«Человек у камина» 1916

"Человек в цилиндре" 1914

«Человек в цилиндре» 1914

"Бокал и игральные карты" 1912

«Бокал и игральные карты» 1912

"Гитара" 1912

«Гитара» 1912

"Натюрморт с фруктами на столе" 1914-1915

«Натюрморт с фруктами на столе» 1914-1915

"Пьедестал" 1914

«Пьедестал» 1914

"Столик в кафе (Бутылка Перно)" 1912

«Столик в кафе (Бутылка Перно)» 1912

"Харчевня (Ветчина)" 1914

«Харчевня (Ветчина)» 1914

"Зеленый натюрморт" 1914

«Зеленый натюрморт» 1914

"Человек с трубкой, сидящий в кресле" 1916

«Человек с трубкой, сидящий в кресле» 1916

Несмотря на то, что кубизм активно критиковали многие, работы этого периода хорошо продавались и  Пабло Пикассо наконец-то прекратил нищенствовать и переехал в просторную мастерскую.

Следующим периодом в творчестве художника стал неоклассицизм, которому положила начало женитьба Пикассо на русской балерине Ольге Хохловой в 1918 г. Этому предшествовала работа Пабло над декорациями и эскизами костюмов к балету «Парад» 1917 г. Именно выполняя эту работу художник познакомился с Ольгой Хохловой.

Занавес к балету "Парад" 1917

Занавес к балету «Парад» 1917

Costume-de-Chinois-du-Ballet-Parade_Pablo-Picasso-1917

Программка балета Парад с рисунком Пикассо. 1917

Parade-2003_Gregory-Milan-C-Getty-Images_1

Китайский маг, в костюме Пикассо, современная интерпретация, 2003

Europa-Danse_Picasso-et-la-danse_Parade_1

Персонаж французского «управителя» (зазывалы)

Этот период очень далек от кубизма: реальные лица, светлые тона, правильные формы… На подобные перемены в творчестве его вдохновляла русская жена, которая привнесла много нового в жизнь Пабло. Поменялся даже образ жизни художника — посещение светских раутов, костюмированных балетов и т.д. Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано».

Работы периода неоклассицизма (1918 — 1925)

"Чтение письма" 1921

«Чтение письма» 1921

"Купальщицы" 1918

«Купальщицы» 1918

"Любовники" 1923

«Любовники» 1923

"Мать и дитя" 1921

«Мать и дитя» 1921

"Ольга Хохлова в мантилье" 1917

«Ольга Хохлова в мантилье» 1917

"Ольга Пикассо" 1923

«Ольга Пикассо» 1923

"Первое причастие" 1919

«Первое причастие» 1919

"Пьеро" 1918

«Пьеро» 1918

"Портрет Ольги в кресле" 1917

«Портрет Ольги в кресле» 1917

"Портрет Паула, сына художника" 1923

«Портрет Паула» сына художника 1923

"Спящие крестьяне" 1919

«Спящие крестьяне» 1919

"Три купальщицы" 1920

«Три купальщицы» 1920

"Женщина с ребенком на берегу моря" 1921

«Женщина с ребенком на берегу моря» 1921

"Женщина в мантилье" 1917

«Женщина в мантилье» 1917

"Женщины, бегущие по берегу" 1922

«Женщины, бегущие по берегу» 1922

В 1925 году художник написал картину «Танец», которая в полной мере отражает проблемы в личной жизни художника в это время.

tanec

Зимой 1927 года Пикассо встречает свою новую музу — семнадцатилетнюю Марию Терезу Вальтер, которая стала персонажем многих картин периода сюрреализма. В 1935 году у пары родилась дочь Майя, однако в 1936 году Пикассо уходит от Марии Терезы и от Ольги Хохловой, с которой он так и не оформит официального развода вплоть до самой смерти Ольги в 1955 г.

Работы периода сюрреализма (1925 — 1936)

"Акрабат" 1930

«Акрабат» 1930

"Девушка, бросающая камень" 1931

«Девушка, бросающая камень» 1931

"Фигуры на пляже" 1931

«Фигуры на пляже» 1931

"Натюрморт" 1932

«Натюрморт» 1932

"Обнаженная и натюрморт" 1931

«Обнаженная и натюрморт» 1931

"Обнаженная на пляже" 1929

«Обнаженная на пляже» 1929

"Обнаженная на пляже" 1929

«Обнаженная на пляже» 1929

Zhenwina c zvetkom 1932

«Женщина с цветком» 1932

Son portret lyubovnizi xudownika MariiTerezi Uolter 1932

«Сон(портрет любовницы художника Марии Терезы Валтер)» 1932

Obnawennaya v kresle 1932

«Обнаженная в кресле» 1932

Obnawennaya v kresle 1929

«Обнаженная в кресле» 1929

"Поцелуй" 1931

«Поцелуй» 1931

В 30-е и 40-е годы героем многих полотен Пикассо стал бык, Минотавр. Минотавр в творчестве художника — олицетворение разрушительной силы, войны и смерти.

minotavriya 1935

«Минотаврия» 1935

"Палитра и голова быка" 1938
«Палитра и голова быка» 1938
"Баранья голова" 1939
«Баранья голова» 1939
"Натюрморт с бычьим черепом" 1942
«Натюрморт с бычьим черепом» 1942
Череп быка, фрукты, кувшин
«Череп быка, фрукты, кувшин» 1939

"Три бараньи головы" 1939

«Три бараньи головы» 1939

Весной 1937 года маленький город Испании Герника немецкие фашисты буквально стерли с лица земли. Это событие Пикассо не мог оставить без внимания и так на свет появилась картина «Герника». Эту картину можно назвать апофеозом темы Минотавр. Размеры картины впечатляют: длина — 8 м, ширина — 3,5 м. Известен один случай, связанный с картиной. Во время обыска, который устроил гестапо офицер-нацист обратил внимание на картину и спросил Пикассо: «Это вы сделали?»  на что художник ответил «Нет. Это сделали вы!».

picasso__guernica1937

«Герника» 1937

Параллельно полотнам о Минотаврах, Пабло Пикассо создает серию о монстрах «Мечты и ложь генерала Франко» (1937). Эта серия выражает позицию художника во время гражданской войны в Испании, в которой он поддерживал республиканцев и выступал против политики диктатора Франко.

 

 

dream-and-lie-of-franco-1937

«Мечты и ложь генерала Франко» (1937)

dream-and-lie-of-franco-1937

«Мечты и ложь генерала Франко» (1937)

Всю Вторую мировую войну Пабло Пикассо жил во Франции, где художник в 1944 году стал членом Французской коммунистической партии.

 

Работы военного времени (1937-1945)

"Фазан" 1938

«Фазан» 1938

"Голова женщины в шляпе" 1939

«Голова женщины в шляпе» 1939

"Мария Тереза в венке" 1937

«Мария Тереза в венке» 1937

"Мастерская художника" 1943

«Мастерская художника» 1943

"Майя с куклой" 1938

«Майя с куклой» 1938

"Молящая" 1937

«Молящая» 1937

"Натюрморт" 1945

«Натюрморт» 1945

"Плачущая женщина с платком" 1937

«Плачущая женщина с платком» 1937

"Птицы в клетке" 1937

«Птицы в клетке» 1937

"Раненная птица и кот" 1938

«Раненная птица и кот» 1938

"Склеп" 1945

«Склеп» 1945

"Женщина в красном кресле" 1939

«Женщина в красном кресле» 1939

В 1946 году художник работал над картинамии панно для замка семьи Гримальди в Антибе (курортный город Франции). В первом зале замка было установлено панно под названием «Радость жизни».  Основными персонажами этого пано были сказочные существа, фавны, кентавры и обнаженные девушки.

"" 1946

«Радость бытия» 1946

В этом же году Пабло познакомился с молодой художницей Франсуазой Жило, с которой они поселились в замке Гримальди. Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. В это время художник часто рисовал своих детей и Франсуазу, но долгой идиллия не продлилась: в 1953 году Франсуаза забрала детей и ушла от Пабло Пикассо. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве. Доказательство тому рисунки тушью, на которых уродливый старик-карлик с красивой молодой девушкой.

Один из самых известных символов «Голубя мира» был создан в 1949 году. Впервые он появился на Всемирном конгрессе сторонников мира в Париже.

1961

В 1951 году Пикассо была написана картина «Резня в Корее», которая повествует о зверствах той «забытой» войны.

Massacre_en_Coree_P-_PICASSO

«Резня в Корее» 1951

В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. Именно в этом городе он увлекся керамикой. Вдохновила Пикассо на такое увлечение ежегодная выставка керамики в Валлорисе, которую он посетил еще в 1946 году. Особый интерес художник проявил к изделиям из мастерской Мадура, в которой он позже и работал. Работа с глиной позволяла признанному живописцу и графику забыть ужасы войны и окунуться в иной радостный и безмятежный мир. Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи… Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо» И. Каретников, вышедшая в 1967 году.

Пикассо в мастерской Мадура

Пикассо в мастерской Мадура

Керамика Пикассо в музее, Париж

Керамика Пикассо в музее, Париж

141819520

Сравнивая работы Пикассо с керамикой античных времен можно найти некоторые сходства:

0511

В 1958 году для парижского здания ЮНЕСКО была написана композиция «Падение Икара».

"Падение Икара"

«Падение Икара»

Работы послевоенного периода (1945 — 1960e)

"Череп, книга и керосиновая лампа" 1946

«Череп, книга и керосиновая лампа» 1946

"Франсуаза, Клод и Палома" 1951

«Франсуаза, Клод и Палома» 1951

"Клод (сын Пикассо)" 1948

«Клод (сын Пикассо)» 1948

"Палома и Клод" 1950

«Палома и Клод» 1950

"Палома Пикассо" 1956

«Палома Пикассо» 1956

"Портрет Франсуазы" 1946

«Портрет Франсуазы» 1946

"Портрет сидящей женщины" 1960

«Портрет сидящей женщины» 1960

"Портрет Сильвет" 1954

«Портрет Сильвет» 1954

"Рыцарь, паж и монах" 1951

«Рыцарь, паж и монах» 1951

"Женщина с зелеными волосами" 1949

«Женщина с зелеными волосами» 1949

"Женщина в кресле" 1948

«Женщина в кресле» 1948

"Палома с целлулоидной рыбой" 1950

«Палома с целлулоидной рыбой» 1950

"Голубь" 1949

«Голубь» 1949

В 1961 году именитый художник, которому на тот момент было 80 лет, женился на 34-летней Жаклин Рок. В это время в творчестве Пикассо преобладали портреты Жаклин, которая была с живописцем до самой его смерти 8 апреля 1973 года в городе Мужен (Франция). Великий живописец скончался на 93-ом году жизни, будучи мультимиллионером. О смерти  он высказывался так: «Я все время думаю о Смерти. Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня».

Пабло Пикассо покоится у своего замка Вовенарг. Еще при его жизни, в 1970 году в Барселоне, был открыт Музей Пикассо, куда картины передавал сам художник. Позднее в 1985 году наследники живописца открыли Музей Пикассо в Париже.

Работы позднего периода (конец 60-х — 1973)

"Жаклин в студии" 1956

«Жаклин в студии» 1956

1954

«Жаклин Рок» 1954

19542

«Жаклин Рок» 1954

"Жаклин Рок" 1954

«Жаклин Рок» 1954

"Фигура Рембрандта Эрос" 1969

«Фигура Рембрандта Эрос» 1969

"Голуби" 1957

«Голуби» 1957

"Насилие над сабинианками" 1962-1963

«Насилие над сабинианками» 1962-1963

"Обнаженная и курильщик" 1968

«Обнаженная и курильщик» 1968

"Поцелуй" 1969

«Поцелуй» 1969

"Портрет мужчины в шляпе" 1971

«Портрет мужчины в шляпе» 1971

"Кавалер с трубкой" 1968

«Кавалер с трубкой» 1968

"Залив в Каннах" 1958

«Залив в Каннах» 1958

"Завтрак на природе (По Мане)" 1961

«Завтрак на природе (По Мане)» 1961

"Жаклин со скрещенными руками" 1954

«Жаклин со скрещенными руками» 1954

"Жаклин в студии" 1956

«Жаклин в студии» 1956

Как и многие талантливые люди Пабло Пикассо не боялся пробовать себя в разных ипостасьях и помимо вышеупомянутой керамики на протяжении всей своей творческой жизни не раз создавал скульптуры. Но общественности некоторые скульптуры были представлены в 1960 году на выставках в Париже, Нью-Йорке и Лондоне. А затем лишь в 1966 году состоялась полная выставка скульптур известного кубиста, когда Пикассо исполнилось 85 лет.

Babuin s malishom 1951

«Бабуин с малышом» 1951

Beremennaya wenshina 1950

«Беременная женщина» 1950

Bezimyannaya skulptura Pikasso v Chikago

Безымянная скульптура Пикассо в Чикаго

"Человек с ягненком" г. Валлорис, юг Франции

«Человек с ягненком» г. Валлорис, юг Франции

Bokal abcenta 1914

«Бокал абсента» 1914

Golova 1958

«Голова» 1958

Golova wenwini 1932

«Голова женщины» 1932

Golova wenwini fernanda 1909

«Голова женщины (Фернанда)» 1909

Всего скульптур насчитывается более 1220: выше представлены лишь некоторые работы. Несмотря на это уже можно сделать вывод о том, насколько разнообразным было творчество Пабло Пикассо, который навсегда вписал свое имя в историю искусства. Все творчество Пикассо оказало огромное влияние на развитие культуры и искусства XX века во всем мире.

Translate »