Коко Шанель

Габриэль Шанель, прозванная Коко Шанель, была ведущим французским кутюрье, чей модернизм, вдохновлённость и следование дорогой простоте в создаваемой одежде сделали из неё очень важную фигуру в истории моды 20-го столетия. Коко Шанель (фр. Coco Chanel, настоящее имя — Габриэль Бонёр Шанель, фр. Gabrielle Bonheur Chanel) родилась в Сомюре 19 августа 1883 года, хотя утверждала, что появилась на свет в 1893 году, в Оверни.

Картинки по запросу Коко шанель цитаты

Мать умерла, когда ей было шесть лет, позже отец Габриэль оставил её и еще четырёх ее братьев. Дети были тогда на попечении родственников и провели некоторое время в приюте. В 18 лет Габриэль устроилась продавцом в магазин одежды, а в свободное время пела в кабаре. Любимыми песнями девушки были «Ko Ko Ri Ko» и «Qui qua vu Coco», за что ей и дали прозвище – Коко.

Картинки по запросу Коко шанель цитаты

Габриэль не преуспела в качестве певицы, однако во время одного из её выступлений офицер Этьен Бальзан был очарован ею.

Картинки по запросу Коко шанель цитаты

Она переехала жить к нему в Париж, но вскоре ушла к английскому промышленнику Артуру Капелю. Вскоре она открыла магазин в Париже в 1910 году, продавая дамские шляпы.

Картинки по запросу Коко шанель цитаты

В 1912 году Коко открывает свой первый Дом моды в Довиле, но Первая мировая война прервала её деятельность. В 1919 году Шанель открывает Дом моды в Париже на улице Камбон. К этому времени у Шанель уже были клиенты во всём мире. В 1921 году появились знаменитые духи «Chanel № 5».

Картинки по запросу шанель 5

Картинки по запросу Коко шанель цитаты

Коко Шанель популяризировала и маленькое чёрное платье, которое можно было носить в течение дня и вечера в зависимости от того, как оно дополнено аксессуарами.

Картинки по запросу Коко шанель цитаты

Несмотря на огромный успех моделей Шанель, в 1939 году Коко закрыла все бутики и дом моды, потому что началась Вторая мировая война. Многие кутюрье покинули страну, но Коко осталась в Париже. После окончания войны она уехала в Швейцарию. В 1954 году 71-летняя Габриэль вернулась в мир моды и представила свою новую коллекцию «от кутюр».

Картинки по запросу Коко шанель цитаты

В 1950–1960-е годы Шанель сотрудничала с различными голливудскими студиями, одевала таких звезд, как Одри Хепберн и Лиз Тейлор. 10 января 1971 года великая Коко Шанель ушла из жизни. Она скончалась в возрасте 87 лет от сердечного приступа в отеле Риц в Париже, была похоронена в Лозанне (Швейцария).

Картинки по запросу Коко шанель цитаты

Картинки по запросу шанель

Картинки по запросу шанель 5

Показ мод как перформанс

Недели моды в модных столицах проходили последние несколько месяцев, создавая новые тренды, которые будут актуальны на весну-лето 2018 года. Что же нового смогли предложить лучшие дизайнеры мира? Какие были самые необычные и яркие новинки? И что станет горячим хитом теплых сезонов 2018 года в моде?

Показы коллекций сезона весна-лето 2018 идут уже довольно продолжительное время, за которое прошло несколько недель моды, поэтому можно подводить первые итоги модных трендов на следующие полгода. Что же можно выделить из общего количества модных новинок?

Неделя моды в Нью-Йорке весна-лето 2018

Первая неделя моды из четырех самых главных и значимых была более скромная в этом модном сезоне, но это вовсе не означает, что там не было на что посмотреть.

Ralph Lauren

Знаковые роскошь и строгость, необычный симбиоз сексуальных шелков и холодного аристократизма. По подиуму ходили такие известные модели, как Кендалл Дженнер, Белла Хадид, Пресли Гербер и другие не менее известные манекенщицы.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Victoria Beckham

Тотальный oversize, прямой крой, костюмы двойки в разной цветовой гамме, плиссированные юбки и любимая гамма дизайнера – красный, черный, белый и немного пыльных оттенков.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Oscar de la Renta

Баланс на грани актуальной американской моды и модной традиции бренда Oscar de la Renta. Черно-белые тона прилагаются. 

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

 

Неделя моды в Лондоне весна-лето 2018

Самая короткая неделя моды оказалась одной из самых качественных — туда постарались собрать только самое лучшее. Burberry, Gareth Pugh, Mary Katrantzou, Simone Rocha, J.W.Anderson, Erdem и Chalayan – в английской столице представили свои коллекции главные модные интеллектуалы. Кто-то вдохновлялся гардеробом Елизаветы Второй, а кто-то печалился по поводу обезличивания из-за новых технологий и гаджетов.

Emilia Wickstead, Erdem и Roksanda

Эффектные платья с фасонами из прошлого века и цветочным принтом Erdem, ленты, рюши и шляпы в стиле рококо Марии-Антуанетты Emilia Wickstead и платья с золотой бахромой Roksanda — самые изящные и женственные коллекции представили именно эти бренды.

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Peter Pilotto, Chalayan и Topshop

Полосатый рай от Peter Pilotto, серая воздушность и легкость от Chalayan и старый добрый горошек Topshop — настоящий коктейль из свежести и юмора.

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Simone Rocha, J.W.Anderson и Mary Katrantzou

Редкий творец может обойтись в своем творчестве без детских воспоминаний и переживаний. Куклы с гипсовыми лицами, конструкторы LEGO и розовые фламинго – в брендах Simone Rocha, J.W.Anderson и Mary Katrantzou знают, как трансформировать детское воображение в коммерчески успешные коллекции.

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Vogue Magazine

Неделя моды в Милане весна-лето 2018

Все коллекции весна-лето 2018 недели моды в Милане объединило буйство ярких красок, неожиданные аксессуары и общий оптимистичный настрой. Fendi, Moschino, Emporio Armani, Versace, Max Mara, Gucci, Missoni, Dolce&Gabbana, MSGM, Salvatore Ferragamo, Blumarine и Bottega Veneta показали, чем будут удивлять нас весной и летом.

Dolce&Gabbana, Versace и Giorgio Armani

Dolce&Gabbana удивили аксессуарами в виде цветов, фруктов и игральных карт, вызывающие цвета и принты поп-арта у Versace и привычный черный Armani в сочетании с неоновыми цветами.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Moschino, Prada и Fendi

Бабочки и сады Moschino, гранжевая эстетика 80-х и поп-арт-культуры 60-х в современной арт-галерее Prada, а также геометрия и футуризм Fendi.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Gucci и Missoni

Gucci вернули 80-е и диско, но оставили эклектику, а Missoni сделали акцент на ярких шляпах с прозрачными эфемерными платьями.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Неделя моды в Париже весна-лето 2018

В грядущем сезоне между классицизмом и фантазией, французские дизайнеры стремятся показать спонтанность, протест, естественность и молодежь в современном мире, а также воспитывают индивидуальность и стиль с новыми и преобразованными старыми тенденциями.

Christian Dior и Saint Laurent

Мария Кьюри Грация в новой коллекции создала на подиуме оду женской уверенности и юной эксцентричности, а Энтони Ваккарелло создал горячую и сексуальную коллекцию, отдав дань наследию дома Saint Laurent.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Chanel и Elie Saab

Классика + прозрачность Chanel от Карла Лагерфельда и бессменная роскошь Elie Saab.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Junko Shimada и Manish Arora

Восхваление природы и эльфийская утонченность Junko Shimada и восточная пестрый калейдоскоп Manish Arora.

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Vogue Magazine на pinterest.com

Модные недели проходят во многих крупных столицах по всему миру, однако Париж, Милан, Лондон и Нью-Йорк задают тон всей фэшн индустрии и определяют главные тренды следующих сезонов.

Источник

Кристиан Диор — французский дизайнер-модельер

Жизненный путь

Кристиан Диор родился 21 января 1905 года в городе Гранвиль (Франция), в состоятельной семье. Когда Кристиану было 6 лет, его семья перебралась в Париж. Кристиан получил домашнее образование, а затем был отдан в Свободную школу политических наук для подготовки к карьере дипломата. Но это занятие не привлекало мальчика, он предпочитал музеи, музыку и живопись. В 1928 году он вместе с другом открыл художественную галерею. Просуществовала она около трех лет и была закрыта из-за смерти матери и болезни отца Кристиана, ведь именно отец финансировал ее. Тогда Кристиан начал продавать свои эскизы шляпок и платьев, которые пользовались большим успехом. В 1941 году он уже работал в известном парижском модельном доме Lucien Lelong. В 1942 году Диор открыл парфюмерную лабораторию, из которой потом выросла всемирно известная фирма Christian Dior Perfume.

Похожее изображение

Диор всегда считал аромат неотъемлемой частью женского образа.

Картинки по запросу кристиан диор женские ароматы реклама

В 1946 году он открыл и собственный дом моды и создал необычайно женственную коллекцию New Look, которая покорила и Европу, и Америку, подтвердив титул «мировой столицы моды» у Парижа. С 1953 года Диор выпускает также обувь, создавая законченный облик «Диор».

Картинки по запросу кристиан диор

В 1950-е годы дом моды Кристиана Диора был самым крупным и прибыльным в Париже. Кристиан Диор лицензировал свои модели, и они продавались под его фирменным знаком. Умер знаменитый кутюрье Кристиан Диор 24 октября 1957 года в возрасте 52 лет в Италии от сердечного приступа. В его доме в Гранвиле открыт музей Кристиана Диора. 

Похожее изображение

Некоторые цитаты

Картинки по запросу кристиан диор некоторые цитаты

Картинки по запросу кристиан диор некоторые цитаты

Картинки по запросу кристиан диор

Картинки по запросу кристиан диор некоторые цитаты

Картинки по запросу кристиан диор некоторые цитаты

Картинки по запросу кристиан диор некоторые цитаты

Картинки по запросу кристиан диор некоторые цитаты

Кельвин Кляйн

Жизненный путь

Кельвин Ричард Кляйн (англ. Calvin Richard Klein) родился 19 ноября 1942 года в Нью-Йорке (США), в семье владельца бакалейного магазина. Но вместо помощи отцу в бизнесе он более охотно помогал матери в шитье. Уже в пять лет мальчик живо интересовался модой и решил стать модельером. В 20 лет Кельвин поступает в Высшую школу искусств и дизайна, затем продолжает учиться в Институте технологии моды. После учёбы практикуется в ателье и в мастерских. Но в итоге уходит оттуда и с моральной поддержкой отца и материальной помощью друга детства Барри Шварца открывает свою компанию по пошиву одежды. В 1968 году с конвейера сошли первые мужские и женские пальто под маркой Кельвина Кляйна.

Картинки по запросу женское пальто PeaCoat Кляйн

Почти сразу же один предприниматель заказывает продукцию на 50 тысяч долларов, что весьма вдохновляет начинающего дизайнера. Кельвин Кляйн придумал укороченное женское пальто PeaCoat, которое было последним писком моды 1970-х. Молодой модельер несколько раз получает престижную премию Coty, награды America Award. В 1974 году коллекция Кляйна дополняется изделиями из меха, а спустя ещё четыре года кутюрье совершает революцию – создает первые в мире дизайнерские джинсы calvins, которые сейчас уже стали классикой. Создавая их, он сделал ставку на сексуальность джинсовой одежды. Кельвин Кляйн даже получил звание «министр джинсов».

 

 

Картинки по запросу джинсы кельвин кляйн

Картинки по запросу джинсы кельвин кляйн

В конце 1970-х годов мастер запускает ещё и собственную линию парфюма. Духи под маркой СК (Obsession, Eternity, Escape, Contradiction) быстро становятся популярными, они и сегодня успешно продаются. В 1982 году дизайнер переключился на мужское нижнее белье, создал модную коллекцию «боксеров» и «слипов». Спустя 10 лет Кляйн в очередной раз устроил обществу культурный шок, создав аромат в стиле унисекс – «СК One».

Картинки по запросу Кельвин Ричард Кляйн цитаты картинки

В этом же году ему присваивается звание «Лучший дизайнер Америки». К тому времени компания Кляйна бурно развивалась, из маленького ателье он построил успешную империю с ежегодным оборотом около 5 миллиардов долларов. Умелая маркетинговая политика наравне с блестящими дизайнерскими идеями сделали Кляйна одним из самых популярных модельеров. Своей компании он сумел создать оригинальный образ торговой марки, которая стала символом молодости, сексуальности и раскованности.

Картинки по запросу

Тем более, что дизайнер одним из первых начал одевать своих клиентов «от и до» — начиная с нижнего белья и заканчивая модными аксессуарами, с одежды для дома — и подиумными нарядами. Также одной из составляющих успеха Кляйна является мгновенная реакция на изменение тенденций в мировой моде. Например, на пороге 21 века он одним из первых начал разрабатывать стиль «милитари».

Картинки по запросу «милитари». кельвин кляйн

Утвердившись в США и Европе, его компания в 1990-е годы активно охватывала рынки, двигаясь на восток и открывая свои бутики в Гонконге, Джакарте, Кувейте. В 2003 году Кельвин Кляйн продал свою компанию Phillips Van Heusen за 430 млн. долларов, но оставил за собой право выбирать преемника. Сегодня модельер продолжает активно заниматься творчеством, у Келвина Кляйна множество идей и далеко идущих планов. 

Картинки по запросу 1968 первые мужские и женские пальто под маркой Кельвина Кляйна.

Картинки по запросу Кельвин Ричард Кляйн картинки

КРИСТАЛЛЫ СВАРОВСКИ — ШИК И БЛЕСК

Наверняка не найдется такого человека, кто бы ни слышал о камнях бренда Сваровски. Так что же это за камни и чем они привлекают покупателей?
Сам бренд Сваровски ( Swarowski ) возник в 1900 году. Однако история появления этих знаменитых камней началась немного раньше.

История

В середине 19 века никому тогда еще неизвестный Даниэль Сваровски был всего лишь обычным мальчиком, который работал вместе с отцом на собственной стекольной фабрике. Такая работа не увлекала его, пока однажды в его жизни не произошел переломный момент. Он посетил Всемирную электротехническую выставку. После этого Даниэль конструирует электрический станок для огранки и шлифовки стекла и хрусталя. Это и стало поворотным моментом во всей истории моды.

В то время хрусталь обрабатывали и шлифовали вручную. Сваровски сделал процесс шлифовки удобнее, а готовый материал был непревзойденного качества. Грани были четкие, не имелось сколов. И конечно же, такой способ шлифовки занимал намного меньше времени по сравнению с ручным.

Но чтобы хрусталь выдерживал машинную обработку, нужно было изменить его состав. И Даниэль изобрел собственную формулу для изготовления хрусталя. Так появились знаменитые кристаллы Сваровски. Они отличались от остальных ювелирных украшений своим переливающимся блеском и точными гранями. Камни не мутнели со временем, не крошились и не отклеивались от изделий.

Стразами стали украшать одежду, обувь, сумки. Делали и делают из камней красивые фигурки, украшают люстры, часы, картины. Многие знаменитые дома издавна полюбили эти кристаллы. Сценические костюмы многих див и королей сцены украшены этими великолепными камнями. Кристаллы Сваровски – это отдельная глава во всемирной истории моды.

Почему же эти камни называют кристаллами? На иностранном языке слово хрусталь созвучно слову кристалл, поэтому их стали называть не хрусталем, а кристаллами Сваровски. Своей же популярностью, помимо всего остального, эти камни обязаны еще и схожестью с настоящими бриллиантами.
Однако, несмотря на это, Даниэль не скрывал, что его продукция– это не драгоценные камни, а хрусталь. Он ценил самобытную красоту кристаллов, и не пытался выдавать их за драгоценности. Но это никак не отразилось на качестве камней, а также на их цене. Немногие могут побаловать себя такой роскошью. Это и привело к появлению всевозможных подделок.

Особенности кристаллов Сваровски

Как же можно отличить подделку от настоящих кристаллов? Есть несколько отличительных черт:

Сами камни с четкими гранями, с ровным зеркальным напылением
Цвет у камней в одной пачке одинаковый, нет проблесков
Нет никаких сколов, неровностей, помутнений
У кристаллов Сваровски уникальная упаковка с несколькими степенями защиты (штрихкод, голограмма, индивидуальный идентификационный номер, голографическая рельефная наклейка с брендом компании на обороте).
Какой же секрет кроется в составе этих кристаллов? До сих пор компания Сваровски держит секрет производства камней при себе. Известно лишь несколько фактов.

Своим отличительным блеском стразы Сваровски обязаны содержанию в своем составе окиси свинца. Его в камнях Сваровски больше, чем в каких-либо других стразах.

Также большое значение имеют четкие, идеально отшлифованные грани. Именно они создают восхитительное преломление света. Стразы имеют четырнадцать боковых граней(7 из них узкие, 7-широкие). Этот способ огранки создатель кристаллов запатентовал. Бриллиантовому эффекту способствует и серебристо-зеркальная подложка страз.

Не стоит забывать, что обработке этих камней уделено немалое внимание. Маленький скол, царапина, неровность– камни списываются на брак. В работе с кристаллами Сваровски все очень строго.

Счастливым обладателям этих великолепных камней нужно знать, как заботиться о своих украшениях.

Нужно беречь кристаллы от влажности, лучше убирать их в фирменную коробочку.
Желательно избегать попадания на украшения духов и косметики.
Хранить камни стоит отдельно от других украшений во избежание царапин.

Компания не сдает позиций

Компания не стоит на месте, производство совершенствуется. В прошлом веке внук Даниэля, Манфред, изобрел новый способ изготовления кристаллов Сваровски. При таком способе камни получаются всевозможных цветов и оттенков. В 21 веке был изобретен также новый способ огранки и был выведен способ изготовления хрусталя, при котором свинец был практически не нужен. Судя по всему, бренд Сваровски не теряет популярности и только приумножает свои достижения.
Красота и разнообразие продукции компании Сваровски поразит любого изысканного ценителя красоты. Ведь кристаллы этой компании настоящее искусство.

Существует даже музей Сваровски. Открытие музея произошло в 1995 году. Он находится недалеко от главной штаб-квартиры компании в Ваттенсе. Также музей неоднократно расширялся, так как количество любителей камней Сваровски росло, и нужно было увеличивать пространство. В музее, кроме выставочных залов, существует отдельный VIP зал для коллекционеров, огромный магазин собственной продукции, а также ресторан. Помимо этого, музей хранит в себе самый маленький и самый большой кристаллы.

Вход в музей представляет собой голову великана. Его глаза – это огромные зеленые кристаллы. А сами залы музея находятся под землей. Конечно, как и вся продукция этого бренда, музей впечатляет своей оригинальностью.
Даниэль Сваровски сделал великое открытие для всех ценителей украшений, произвел на свет удивительно чистые и ни с чем не сравнимые кристаллы. И эти камни, несомненно, составили достойную конкуренцию настоящим бриллиантам.

СЛОВНО В КРИСТАЛЛАХ СВАРОВСКИ

Любовь Пешкова. 07.02.16
Словно в кристаллах Сваровски, в проснувшихся
Реках шуга,
Гладко обкатаны в волнах льдинки на солнце горят
Сугробов остатки доверчиво, тая стекают к воде,
Тянутся травы приветливо, из зимнего плена к весне.
Облаком стылым уходит в прошлое тихо зима
Птицы над ивами кружат гнёзда отстроить спеша.
Словно в кристаллах Сваровски, в проснувшихся
Реках шуга,
Тянутся травы за солнцем, тянется к солнцу весна.

Пабло Пикассо

Жизненный путь

Испанский художник, скульптор, график, керамист и дизайнер, родился 25 октября 1881 года в Малаге, шумном портовом городе на юге Испании. Голубой период. Девочка на шаре Отец Пикассо был преподавателем живописи. В семье было четверо детей, Пабло был старшим. В 1895 году семья переехала в Барселону, где отец стал работать в художественной школе Ла Лонха. Пикассо начал учиться именно там, а в 1897 году продолжил образование в мадридской Академии изящных искусств. В 16 лет он вернулся в Барселону и организовал собственную студию. Пабло был на редкость самоуверенным юношей и не сомневался в том, что сумеет добиться грандиозного успеха. Подобно всем амбициозным художникам того времени, Пикассо мечтал попасть в Париж. Его мечта сбылась в 1900. В 1904 он окончательно обосновался в Париже. 1900-1904 называют «голубым периодом» в творчестве Пикассо, поскольку большинство созданных им в эти годы картин написано в холодных голубых тонах. Розовый период «Голубой период» сменился кратковременным «розовым», когда художник предпочитал более теплую гамму. Следующий период его творчества отмечен дружбой с художником Жоржем Браком. В результате их сотрудничества сложилось новое направление в живописи – кубизм. В 1917 году художник посетил Рим, где работал над декорациями и костюмами к балету «Парад» в постановке Сергея Дягилева. Здесь Пикассо влюбился в Ольгу Хохлову, одну из танцовщиц русской труппы. Купальщицы Они поженились в 1918 году. В 1921 году у Пабло и Ольги родился сын Поль, однако их брак счастливым не назовешь. По сути, он кончился в январе 1927 года, когда Пикассо увлекся 17-летней Мари-Терез Вальтер. Самому мэтру было тогда 45. В 1935 году у Мари-Терез родилась девочка, которую назвали Майей. Брак Пикассо с Ольгой, заключенный по испанским законам, не мог быть расторгнут. Ольга и Пабло формально оставались мужем и женой вплоть до смерти Ольги в 1955 году. Но не сложились и отношения Пикассо с Мари-Терез. После нее у художника были еще музы – Дора Маар и Франсуаза Жило (они прожили вместе 10 лет, и родили двоих детей), Жаклин Рок (на которой художник женился). Даже перевалив за восьмой десяток лет, Пикассо продолжал энергично работать. При этом в последние свои годы он крайне редко появлялся на людях, предпочитая тихую уединенную жизнь в обществе Жаклин. Умер Пабло Пикассо 8 апреля 1973 года в возрасте 91 года и был похоронен в старинном замке Вовенарг, где жил и работал в 1958-1961 годах.

Обзор творчества

Уже с 7 лет мальчик дописывал некоторые детали на картинах отца (первой такой работой были лапки голубей). В 8 лет была написана первая серьезная картина маслом под названием «Пикадор».

Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)

Portret materi (1896)

«Портрет матери» 1896

Pervoe prichastie (1896)

«Первое причастие» 1896

"Испанская пара перед гостиницей" 1900

«Испанская пара перед гостиницей» 1900

"Бульвар Клиши" 1901

«Бульвар Клиши» 1901

"Мул" 1898

«Мул» 1898

"Портрет отца художника" 1895

«Портрет отца художника» 1895

Следующий период в творчестве Пабло Пикассо называют «голубым». В  1901 — 1904 гг. в палитре Пикассо преобладали холодные цвета — в основном голубой и его оттенки. В это время Пикассо поднимал темы старости, бедности, нищеты, характерным настроением картин этого периода были меланхолия и печаль. Художник отображал человеческие страдания, рисуя слепых, нищих, алкоголиков и проституток и т.п. — именно они были главными персонажами «голубого» периода.

Работы «голубого» периода (1901-1904)

Zavtrak slepogo (1903)

«Завтрак слепого» 1903

"Суп" 1902

«Суп» 1902

"Мать и дитя" 1903

«Мать и дитя» 1903

"Любительница абсента" 1901

«Любительница абсента» 1901

"Гладильщица" 1904

«Гладильщица» 1904

"Нищий старик с мальчиком" 1903

«Нищий старик с мальчиком» 1903

"Жизнь" 1903

«Жизнь» 1903

"Две сестры (Свидание)" 1902

«Две сестры (Свидание)» 1902

"Голубая комната (Ванна)" 1901

«Голубая комната (Ванна)» 1901

"Гурман" 1901

«Гурман» 1901

"Сидящая женщина в капюшоне" 1902

«Сидящая женщина в капюшоне» 1902

В «розовом» периоде (1904 — 1906) главной темой в творчестве художника был цирк и его персонажи — акробаты и комедианты. Преобладали яркие жизнерадостные цвета. Любимым персонажем этого периода можно назвать арлекина, который наиболее часто встречался в работах Пикассо. Помимо цирка вдохновляла его еще и модель Фернанда Оливье, с которой познакомился в 1904 г., в самом начале «розового» периода. Её же была музой художника на протяжении всего периода.

Работы «розового» периода (1904 — 1906)

"Акрабат и арлекин" 1905

«Акрабат и арлекин» 1905

"Девочка с козлом" 1906

«Девочка с козлом» 1906

"Мальчик, ведущий лошадь" 1906

«Мальчик, ведущий лошадь» 1906

"Семейство комедиантов" 1905

«Семейство комедиантов» 1905

"Крестьяне" 1906

«Крестьяне» 1906

2 obnozhennaya c kuvshinom_1906

«Обнаженная женщина с кувшином» 1906

"Причесывание" 1906

«Причесывание» 1906

"Женщина с хлебом" 1905

«Женщина с хлебом» 1905

"Два акрабата с собакой" 1905

«Два акрабата с собакой» 1905

"Туалет" 1906

«Туалет» 1906

Одну из известнейших картин П. Пикассо «Девочка на шаре» (1905), которая сейчас находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, некоторые специалисты называют переходной от «голубого» периода к «розовому».

"Девочка на шаре" 1905

«Девочка на шаре» 1905

Переломным моментом в творчестве Пикассо стал портрет Гертруды Штейн, написанный им в 1906 году.

"Портрет Гертруды Штейн" 1906

Работа над портретом была тяжелой — художник около 80 раз переписывал портрет и в итоге Пикассо отдалился от портрета как жанра изобразительного искусства в своем классическом понимании. Все дальнейшее творчество Пикассо можно охарактеризовать всего лишь одной его фразой «Надо писать не то, что вижу, а то что знаю». Именно этой установки П. Пикассо и старался придерживаться до конца своей жизни.

Кубизм

Этот большой период в творчестве Пабло Пикассо делиться на несколько этапов. Это время полного отказа от детализации персонажей: предмет и фон почти сливаются воедино, нет четко очерченных границ. Пикассо был убежден, что художник может больше, чем просто показывать то, что видит глаз.

Первый этап «сезанновский» он же «африканский» период. Этот этап отличается построением изображений с помощью простых- геометрических форм и преобладанием мутных размытых  зеленых, охристых и коричневых тонов.

В 1907-1909 гг внимание художника было устремленно на африканское искусство, с которым он впервые познакомился в 1907 году на этнографической выставке в музее Трокадеро. Отныне в творчестве Пикассо стали преобладать простые, даже примитивные формы изображаемых предметов. В технике художник стал употреблять грубую штриховку. Первой картиной выполненной в «африканском» стиле считается «Авиньонские девицы» 1907 г.

1 avinonskie devi4i(1907)

Эта картина писалось автором на протяжении года. Ни с одной своей картиной Пикассо не работал так долго. В итоге эта работа так отличалась от предыдущих его картин, что была неоднозначно воспринята общественностью. Но нащупав новый, интересный для него стиль, Пикассо не собирался отступать и на протяжении 2 лет художник всячески развивал его.

Работы «сезанновского» кубизма («Африканский» период) (1907 — 1909)

"Фермерша" 1908

«Фермерша» 1908

"Голова мужчины" 1907

«Голова мужчины» 1907

"Купальщица" 1909

«Купальщица» 1909

"Натюрморт с чашей и кувшином" 1908

«Натюрморт с чашей и кувшином» 1908

"Обнаженная с драпировкой (Танец с покрывалами)" 1907

«Обнаженная с драпировкой (Танец с покрывалами)» 1907

"Портрет Мануэля Пальяреса" 1909

«Портрет Мануэля Пальяреса» 1909

"Три фигуры под деревом" 1907

«Три фигуры под деревом» 1907

"Бокалы и фрукты" 1908

«Бокалы и фрукты» 1908

"Бюст человека (Спортсмен)" 1909

«Бюст человека (Спортсмен)» 1909

"Женщина" 1907

«Женщина» 1907

В аналитическом периоде Пикассо пришел к осознанию того, что нужно полностью сосредоточиться на объеме и форме предметов, отодвинув на задний план цвет. Таким образом отличительной чертой аналитического кубизма стала монохромность. Так же стоит отметить структуру работ этого периода — художник словно дробит предметы на мелкие фрагменты. Между разными вещами пропадает грань и все воспринимается как единое целое.

Работы «аналитического» кубизма (1909-1912)

"Человек с гитарой" 1911

«Человек с гитарой» 1911

"Человек со скрипкой" 1912

«Человек со скрипкой» 1912

"Аккордионист" 1911

«Аккордионист» 1911

"Натюрморт с бутылкой ликера" 1909

«Натюрморт с бутылкой ликера» 1909

"Поэт" 1911

«Поэт» 1911

"Портрет Фернанды" 1909

«Портрет Фернанды» 1909

"Портрет Вильгельма Уде" 1910

«Портрет Вильгельма Уде» 1910

"Сидящая обнаженная" 1910

«Сидящая обнаженная» 1910

"Женщина в зеленом" 1909

«Женщина в зеленом» 1909

Началом синтетического периода стала картина «Воспоминания о Гавре», написанная Пабло Пикассо в 1912 г. В этой картине появились более яркие краски, не присущие аналитическому кубизму.

Pablo-Picasso_Souvenir-du-Havre_1912

Монохромные работы вновь уступили место цвету. В основном на картинах этого периода преобладали натюрморты: бутылки вина, ноты, столовые приборы и музыкальные инструменты. Для разбавления абстрактности в работе над картинами использовались реальные предметы, такие как: веревки, песок, обои и т.д.

Работы «синтетического» кубизма (1912-1917)

"Человек у камина" 1916

«Человек у камина» 1916

"Человек в цилиндре" 1914

«Человек в цилиндре» 1914

"Бокал и игральные карты" 1912

«Бокал и игральные карты» 1912

"Гитара" 1912

«Гитара» 1912

"Натюрморт с фруктами на столе" 1914-1915

«Натюрморт с фруктами на столе» 1914-1915

"Пьедестал" 1914

«Пьедестал» 1914

"Столик в кафе (Бутылка Перно)" 1912

«Столик в кафе (Бутылка Перно)» 1912

"Харчевня (Ветчина)" 1914

«Харчевня (Ветчина)» 1914

"Зеленый натюрморт" 1914

«Зеленый натюрморт» 1914

"Человек с трубкой, сидящий в кресле" 1916

«Человек с трубкой, сидящий в кресле» 1916

Несмотря на то, что кубизм активно критиковали многие, работы этого периода хорошо продавались и  Пабло Пикассо наконец-то прекратил нищенствовать и переехал в просторную мастерскую.

Следующим периодом в творчестве художника стал неоклассицизм, которому положила начало женитьба Пикассо на русской балерине Ольге Хохловой в 1918 г. Этому предшествовала работа Пабло над декорациями и эскизами костюмов к балету «Парад» 1917 г. Именно выполняя эту работу художник познакомился с Ольгой Хохловой.

Занавес к балету "Парад" 1917

Занавес к балету «Парад» 1917

Costume-de-Chinois-du-Ballet-Parade_Pablo-Picasso-1917

Программка балета Парад с рисунком Пикассо. 1917

Parade-2003_Gregory-Milan-C-Getty-Images_1

Китайский маг, в костюме Пикассо, современная интерпретация, 2003

Europa-Danse_Picasso-et-la-danse_Parade_1

Персонаж французского «управителя» (зазывалы)

Этот период очень далек от кубизма: реальные лица, светлые тона, правильные формы… На подобные перемены в творчестве его вдохновляла русская жена, которая привнесла много нового в жизнь Пабло. Поменялся даже образ жизни художника — посещение светских раутов, костюмированных балетов и т.д. Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано».

Работы периода неоклассицизма (1918 — 1925)

"Чтение письма" 1921

«Чтение письма» 1921

"Купальщицы" 1918

«Купальщицы» 1918

"Любовники" 1923

«Любовники» 1923

"Мать и дитя" 1921

«Мать и дитя» 1921

"Ольга Хохлова в мантилье" 1917

«Ольга Хохлова в мантилье» 1917

"Ольга Пикассо" 1923

«Ольга Пикассо» 1923

"Первое причастие" 1919

«Первое причастие» 1919

"Пьеро" 1918

«Пьеро» 1918

"Портрет Ольги в кресле" 1917

«Портрет Ольги в кресле» 1917

"Портрет Паула, сына художника" 1923

«Портрет Паула» сына художника 1923

"Спящие крестьяне" 1919

«Спящие крестьяне» 1919

"Три купальщицы" 1920

«Три купальщицы» 1920

"Женщина с ребенком на берегу моря" 1921

«Женщина с ребенком на берегу моря» 1921

"Женщина в мантилье" 1917

«Женщина в мантилье» 1917

"Женщины, бегущие по берегу" 1922

«Женщины, бегущие по берегу» 1922

В 1925 году художник написал картину «Танец», которая в полной мере отражает проблемы в личной жизни художника в это время.

tanec

Зимой 1927 года Пикассо встречает свою новую музу — семнадцатилетнюю Марию Терезу Вальтер, которая стала персонажем многих картин периода сюрреализма. В 1935 году у пары родилась дочь Майя, однако в 1936 году Пикассо уходит от Марии Терезы и от Ольги Хохловой, с которой он так и не оформит официального развода вплоть до самой смерти Ольги в 1955 г.

Работы периода сюрреализма (1925 — 1936)

"Акрабат" 1930

«Акрабат» 1930

"Девушка, бросающая камень" 1931

«Девушка, бросающая камень» 1931

"Фигуры на пляже" 1931

«Фигуры на пляже» 1931

"Натюрморт" 1932

«Натюрморт» 1932

"Обнаженная и натюрморт" 1931

«Обнаженная и натюрморт» 1931

"Обнаженная на пляже" 1929

«Обнаженная на пляже» 1929

"Обнаженная на пляже" 1929

«Обнаженная на пляже» 1929

Zhenwina c zvetkom 1932

«Женщина с цветком» 1932

Son portret lyubovnizi xudownika MariiTerezi Uolter 1932

«Сон(портрет любовницы художника Марии Терезы Валтер)» 1932

Obnawennaya v kresle 1932

«Обнаженная в кресле» 1932

Obnawennaya v kresle 1929

«Обнаженная в кресле» 1929

"Поцелуй" 1931

«Поцелуй» 1931

В 30-е и 40-е годы героем многих полотен Пикассо стал бык, Минотавр. Минотавр в творчестве художника — олицетворение разрушительной силы, войны и смерти.

minotavriya 1935

«Минотаврия» 1935

"Палитра и голова быка" 1938
«Палитра и голова быка» 1938
"Баранья голова" 1939
«Баранья голова» 1939
"Натюрморт с бычьим черепом" 1942
«Натюрморт с бычьим черепом» 1942
Череп быка, фрукты, кувшин
«Череп быка, фрукты, кувшин» 1939

"Три бараньи головы" 1939

«Три бараньи головы» 1939

Весной 1937 года маленький город Испании Герника немецкие фашисты буквально стерли с лица земли. Это событие Пикассо не мог оставить без внимания и так на свет появилась картина «Герника». Эту картину можно назвать апофеозом темы Минотавр. Размеры картины впечатляют: длина — 8 м, ширина — 3,5 м. Известен один случай, связанный с картиной. Во время обыска, который устроил гестапо офицер-нацист обратил внимание на картину и спросил Пикассо: «Это вы сделали?»  на что художник ответил «Нет. Это сделали вы!».

picasso__guernica1937

«Герника» 1937

Параллельно полотнам о Минотаврах, Пабло Пикассо создает серию о монстрах «Мечты и ложь генерала Франко» (1937). Эта серия выражает позицию художника во время гражданской войны в Испании, в которой он поддерживал республиканцев и выступал против политики диктатора Франко.

 

 

dream-and-lie-of-franco-1937

«Мечты и ложь генерала Франко» (1937)

dream-and-lie-of-franco-1937

«Мечты и ложь генерала Франко» (1937)

Всю Вторую мировую войну Пабло Пикассо жил во Франции, где художник в 1944 году стал членом Французской коммунистической партии.

 

Работы военного времени (1937-1945)

"Фазан" 1938

«Фазан» 1938

"Голова женщины в шляпе" 1939

«Голова женщины в шляпе» 1939

"Мария Тереза в венке" 1937

«Мария Тереза в венке» 1937

"Мастерская художника" 1943

«Мастерская художника» 1943

"Майя с куклой" 1938

«Майя с куклой» 1938

"Молящая" 1937

«Молящая» 1937

"Натюрморт" 1945

«Натюрморт» 1945

"Плачущая женщина с платком" 1937

«Плачущая женщина с платком» 1937

"Птицы в клетке" 1937

«Птицы в клетке» 1937

"Раненная птица и кот" 1938

«Раненная птица и кот» 1938

"Склеп" 1945

«Склеп» 1945

"Женщина в красном кресле" 1939

«Женщина в красном кресле» 1939

В 1946 году художник работал над картинамии панно для замка семьи Гримальди в Антибе (курортный город Франции). В первом зале замка было установлено панно под названием «Радость жизни».  Основными персонажами этого пано были сказочные существа, фавны, кентавры и обнаженные девушки.

"" 1946

«Радость бытия» 1946

В этом же году Пабло познакомился с молодой художницей Франсуазой Жило, с которой они поселились в замке Гримальди. Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. В это время художник часто рисовал своих детей и Франсуазу, но долгой идиллия не продлилась: в 1953 году Франсуаза забрала детей и ушла от Пабло Пикассо. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве. Доказательство тому рисунки тушью, на которых уродливый старик-карлик с красивой молодой девушкой.

Один из самых известных символов «Голубя мира» был создан в 1949 году. Впервые он появился на Всемирном конгрессе сторонников мира в Париже.

1961

В 1951 году Пикассо была написана картина «Резня в Корее», которая повествует о зверствах той «забытой» войны.

Massacre_en_Coree_P-_PICASSO

«Резня в Корее» 1951

В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. Именно в этом городе он увлекся керамикой. Вдохновила Пикассо на такое увлечение ежегодная выставка керамики в Валлорисе, которую он посетил еще в 1946 году. Особый интерес художник проявил к изделиям из мастерской Мадура, в которой он позже и работал. Работа с глиной позволяла признанному живописцу и графику забыть ужасы войны и окунуться в иной радостный и безмятежный мир. Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи… Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо» И. Каретников, вышедшая в 1967 году.

Пикассо в мастерской Мадура

Пикассо в мастерской Мадура

Керамика Пикассо в музее, Париж

Керамика Пикассо в музее, Париж

141819520

Сравнивая работы Пикассо с керамикой античных времен можно найти некоторые сходства:

0511

В 1958 году для парижского здания ЮНЕСКО была написана композиция «Падение Икара».

"Падение Икара"

«Падение Икара»

Работы послевоенного периода (1945 — 1960e)

"Череп, книга и керосиновая лампа" 1946

«Череп, книга и керосиновая лампа» 1946

"Франсуаза, Клод и Палома" 1951

«Франсуаза, Клод и Палома» 1951

"Клод (сын Пикассо)" 1948

«Клод (сын Пикассо)» 1948

"Палома и Клод" 1950

«Палома и Клод» 1950

"Палома Пикассо" 1956

«Палома Пикассо» 1956

"Портрет Франсуазы" 1946

«Портрет Франсуазы» 1946

"Портрет сидящей женщины" 1960

«Портрет сидящей женщины» 1960

"Портрет Сильвет" 1954

«Портрет Сильвет» 1954

"Рыцарь, паж и монах" 1951

«Рыцарь, паж и монах» 1951

"Женщина с зелеными волосами" 1949

«Женщина с зелеными волосами» 1949

"Женщина в кресле" 1948

«Женщина в кресле» 1948

"Палома с целлулоидной рыбой" 1950

«Палома с целлулоидной рыбой» 1950

"Голубь" 1949

«Голубь» 1949

В 1961 году именитый художник, которому на тот момент было 80 лет, женился на 34-летней Жаклин Рок. В это время в творчестве Пикассо преобладали портреты Жаклин, которая была с живописцем до самой его смерти 8 апреля 1973 года в городе Мужен (Франция). Великий живописец скончался на 93-ом году жизни, будучи мультимиллионером. О смерти  он высказывался так: «Я все время думаю о Смерти. Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня».

Пабло Пикассо покоится у своего замка Вовенарг. Еще при его жизни, в 1970 году в Барселоне, был открыт Музей Пикассо, куда картины передавал сам художник. Позднее в 1985 году наследники живописца открыли Музей Пикассо в Париже.

Работы позднего периода (конец 60-х — 1973)

"Жаклин в студии" 1956

«Жаклин в студии» 1956

1954

«Жаклин Рок» 1954

19542

«Жаклин Рок» 1954

"Жаклин Рок" 1954

«Жаклин Рок» 1954

"Фигура Рембрандта Эрос" 1969

«Фигура Рембрандта Эрос» 1969

"Голуби" 1957

«Голуби» 1957

"Насилие над сабинианками" 1962-1963

«Насилие над сабинианками» 1962-1963

"Обнаженная и курильщик" 1968

«Обнаженная и курильщик» 1968

"Поцелуй" 1969

«Поцелуй» 1969

"Портрет мужчины в шляпе" 1971

«Портрет мужчины в шляпе» 1971

"Кавалер с трубкой" 1968

«Кавалер с трубкой» 1968

"Залив в Каннах" 1958

«Залив в Каннах» 1958

"Завтрак на природе (По Мане)" 1961

«Завтрак на природе (По Мане)» 1961

"Жаклин со скрещенными руками" 1954

«Жаклин со скрещенными руками» 1954

"Жаклин в студии" 1956

«Жаклин в студии» 1956

Как и многие талантливые люди Пабло Пикассо не боялся пробовать себя в разных ипостасьях и помимо вышеупомянутой керамики на протяжении всей своей творческой жизни не раз создавал скульптуры. Но общественности некоторые скульптуры были представлены в 1960 году на выставках в Париже, Нью-Йорке и Лондоне. А затем лишь в 1966 году состоялась полная выставка скульптур известного кубиста, когда Пикассо исполнилось 85 лет.

Babuin s malishom 1951

«Бабуин с малышом» 1951

Beremennaya wenshina 1950

«Беременная женщина» 1950

Bezimyannaya skulptura Pikasso v Chikago

Безымянная скульптура Пикассо в Чикаго

"Человек с ягненком" г. Валлорис, юг Франции

«Человек с ягненком» г. Валлорис, юг Франции

Bokal abcenta 1914

«Бокал абсента» 1914

Golova 1958

«Голова» 1958

Golova wenwini 1932

«Голова женщины» 1932

Golova wenwini fernanda 1909

«Голова женщины (Фернанда)» 1909

Всего скульптур насчитывается более 1220: выше представлены лишь некоторые работы. Несмотря на это уже можно сделать вывод о том, насколько разнообразным было творчество Пабло Пикассо, который навсегда вписал свое имя в историю искусства. Все творчество Пикассо оказало огромное влияние на развитие культуры и искусства XX века во всем мире.

Мода эпохи Ренессанса

Мода (фр. Mode, от лат. Modus — мера, образ, способ, правило, предписание) — непродолжительное господство определенного вкуса в определенной сфере жизни или культуры. Мода — понятие, на которое ориентируется большинство представительниц прекрасного пола при выборе одежды! Во все времена женщинам хотелось выглядеть более привлекательно, и они всеми средствами пытались себя приукрасить. Мода, как и все в жизни меняется и не стоит на месте, давайте кратко рассмотрим историю моды. История моды насчитывает тысячи лет, с тех пор она стремительно менялась и испытывала кардинальные изменения. На протяжении веков законодателями были разные страны: Италия, Испания, Франция, Англия.
Во времена каменного века считалось, что мода должна быть функциональной, идеалом красоты была женщина, с сильными руками, обвислым животом и грудью. Майя лицо и тело мазали красным составом из глины и краски, обладает специфическим запахом. Это считалось хорошим, а запах приятным. В Древнем Египте истинной красотой считались изумрудно-зеленые глаза и румяные щеки. В Древнем Китае модный идеал — миниатюрная женщина с маленькой ножкой, для этого стопу перевязывали в детстве, чтобы не росла. В средние века женщины носили мешковатую одежду большего размера, чем они сами, а волосы прятали под чепец, косметикой не пользовались совсем. Эпоха «Ренессанс» ставит идеалом женщину с пышными формами. В эпоху рококо в моду входят огромные прически. В ХХ веке женщины «одолжили» у мужчин строгий костюм — пиджак и брюки.
Мода эпохи Ренессанса появилась сначала в Италии, по праву считают колыбелью эпохи Возрождения. Во Флоренции возникли самые благоприятные условия для возникновения нового направления моды — моды Ренессанса. Эта мода отличалась тем, что человеческое тело и его отдельные части не оголялись, как это было в античной культуре, а не подчеркивались, как в стиле готики. Мода Ренессанса сумела понять тело как нечто пластичное и законченное.


В новой моде все усилия направлены реализации идеи умеренности и симметрии. Кроме того, в ней не было экстравагантных деталей, который отличалась предыдущая мода. Пояс, когда мог располагаться либо слишком высоко над талией, или слишком низко на бедрах, теперь располагался непосредственно на талии. Были отвергнуты высокие шляпы, рукава, вытянутые углами, острые глубокие вырезы платья, остроносые длинные ботинки.
Появились совершенно новые принципы, более соответствующие идеалам того времени. Более того, в то время появились правила красоты, которые актуальны до сих пор. Это статная высокая фигура, благородные движения, красные губы, белые зубы, хороший рот, тонкая талия и широкие плечи.

Картинки по запросу Мода эпохи Ренессанса Италия картинки
В новой моде очень важны были рост и форма груди человека, цвет волос и прическа. При этом основными критериями стали общечеловеческие представления.
Белокурые волосы были очень важным условием красоты в Италии и к Ренессансу, и во время его расцвета, и в дальнейшем. Этого достигали с помощью самых разнообразных средств.

Похожее изображение
Основным требованием новой моды было очень высокий лоб, не обрамлялась волосами. Линия лба должна была быть плавной. Ее должны были нарушать даже брови.
Волосы украшали специальными накидками и сеточками, у них вплетали нити кораллов и жемчуга. Итальянские портреты эпохи Ренессанса свидетельствуют о том, что все требования моды выполнялись очень точно.
В период Ренессанса мода была научно детализирована. В это время появляется первая литература об одежде, руководства о том, как следует гримироваться и одеваться, чтобы наилучшим образом соответствовать современным веяниям моды. Эти требования по привлекательной чистосердечием сформулированы в литературе Италии.
В те времена женщины носили платье двух разновидностей — нижнее, имеющий длинные рукава и верхнее, напоминающий халат с широкими рукавами, называли гамурра.
Во Флоренции предпочтение отдавалось бархата, парчи и шелковым тканям, хотя сама она разбогатела на производстве сукна и вывозе его за границу.
Ткани, которые использовались в нарядах той поры, были очень тяжелые для пошива, это диктовала как совершенно новый покрой, так и новое драпировки из складок.
В XV веке женское платье имели симметричные широкие фалды, напоминающие спокойный ритм архитектуры Ренессанса. В готический период платье тесно облегало фигуру и мягко низпадало с подчеркнуто опущенных плеч. Теперь же он стал воплощать объемность и телесность.
В это время выкройка стала строго делить женскую одежду на лиф с небольшим вырезом в виде овала, часто зашнурованный, и длинную юбку. Соотношение юбки и лифа пропорциональны. Так мода Италии выразила свой идеал, заключавшийся в равновесии всех частей тела. Те же тенденции просматриваются и в архитектуре Италии, которую можно определить как «сшитую по мерке человека».
Теоретики моды Ренессанса и, прежде всего, женщины утверждали, что мода должна быть богатой. Это нашло свое отражение не только в узорах и дорогих тканях, но и в оформлении рукава.
В XV веке рукав платья был узким и элегантным. Во второй половине столетия его разрезали, сначала в локтях, а затем и в проеме. В отдельных местах можно видеть нижнее белье. 

В это же время начинают использования сообщения в одежде двух материалов и двух красок. Так начинается деформация платье, чем отличался маньеризм. Наиболее богатой частью туалета становится нижнее белье, так как белый материал в то время был почти самым дорогим.
В мужской моде того времени четко просматривались две линии. Точно так же, как в античные времена и во времена возрождения франты и молодые люди носили короткие заметны костюмы. В основе его была античная туника, в которой в то время появились рукава. Кроме того, она дополнилась различными эксцентричными элементами.

Картинки по запросу Мода эпохи Ренессанса Италия картинки
Такая одежда была в основном длиной до колен, но иногда ее делали значительно короче. При этом взору открывались эксцентричные брюки, облегающие. Часто их шили из материалов разного цвета. В те времена вошли в моду камчатные ткани, бархат и узорная парча. При обычных складках рисунок их лишился бы. Поэтому портные стали сшивать материал в округлые симметричные фалды, если это позволял узор ткани.
Кроме того, появляется мужской плащ с широким воротником и вшитыми рукавами. Он приходит с плеч почти до земли. Этот вид одежды был и символическое значение. Поскольку плащ был очень «достойный» вид, его стали носить интеллигенты, пожилые люди и ученые.
Этот вид одежды используется и в наше время. Это официальную одежду университетов, используется в различных церемониях. Во времена Ренессанса в Италии появляется небольшая, но очень значительная группа. Это светская интеллигенция. В моде это выразилось именно появлением «плаща ученого».

Картинки по запросу Мода эпохи Ренессанса Италия картинки

Источник 1

Источник 2

Источник 3

Одежда Древнего Египта

Древний Египет — одна из древнейших цивилизаций, которая имела свой политический строй, культурные ценности, религию, мировоззрение и, конечно же, моду. Эволюция этого государства до сих пор до конца не изучена и представляет особый интерес среди ученых, историков, модельеров. Современные дизайнеры не перестают удивляться точному и изящному крою, оригинальной обработке нарядов египтян. И это неудивительно, ведь одежда и украшения в Древнем Египте продуманы до мелочей, в них нет ничего лишнего, но в то же время создается впечатление завершенного образа.

Одяг Стародавнього Єгипту

Чем же так привлекает сегодня одежда Древнего Египта? Обсуждение в основном ведется вокруг точного и изящного кроя, а также оригинальной отделки. Все элементы были продуманы до мелочей. Одежда Древнего Египта была удобной, в ней не было ничего лишнего. Но вместе с этим создавалось впечатление вполне завершенного образа.

одяг стародавнього Єгипту жіноча чоловічий одяг фараонів
Одежда и прически Древнего Египта были продуманы подробно. Несмотря на то, что костюм отличается контрастностью, он очень выразительный, гармоничный. Одежда Древнего Египта делала фигуру геометрически стилизованной. Это видно из сохранившихся скульптур и рисунков. Следует сказать, что наряды этой цивилизации оставались неизменными в течение длительного периода: в четвертом тысячелетии они были такими же, как и во втором. Собственно, речь идет о двух типах одежды: мужской и женской. По ее обработке можно было судить о принадлежности человека к определенному общественному классу.
Свое начало история древнеегипетской одежды берет из мужских треугольных повязок с фартуком, называемых «схенти». Эти повязки были украшены многочисленными драпировками. С течением времени эта одежда Древнего Египта совершенствовалась. Драпировки стали сложнее, их начали скреплять на талии поясом, который был украшен золотыми нитями и орнаментом. Надо полагать, что такая обработка свидетельствовала о достаточно высоком социальном положение владельца. Одежда Древнего Египта совершенствовалась дальше. Впоследствии схенти стали носить как нижнее белье. Сверху на него надевали прозрачную накидку, похожую по силуэту на трапецию, и подвязанные поясом. В дополнение к наряду шла плиссировка, украшения и головные уборы.
Именно с мужской простой набедренной повязки начал складываться наряд египтян. Туловище было обнаженным. Сначала повязка выполняла роль «фартука» и считалась рабочей одеждой. Но из нее стала складываться одежда вельмож в Древнем Египте. У человека, занимавшего высокий статус в обществе, повязка была аккуратно собрана в складки, украшенная поясами. Передняя часть элемента вниз расширялась в виде треугольника. Он также был обработан геометрическими узорами. В скульптуре и живописи можно отметить, как четко контрастирует белая повязка и коричнево-красный цвет кожи. Такой оттенок был четко определен. Цвет кожи женщин и рабов изображался по-другому. Он был желтым.

одяг і зачіски стародавнього Єгипту
Следует подробнее сказать о натурализме и стилизации костюмов. По сравнению с поздними аналогами, например, испанской модой периода маньеризма, веяниями рококо и готики, кажется, что египетская одежда является воплощением какого-то завершающего этапа длительного развития культуры костюма. Существует предположение, что наряды стали в некотором роде высшей стадией предыдущих несохранившихся тенденций неолита. Здесь следует обратить внимание на изящные детали костюмов. Одежда, как женская, так и мужская, основывается на контрастах материала и цвета. На гладкой мягкой ткани или обнаженном теле выделены рельефные полосы цветных фаянсовых бус, обычно зеленых или синих. Они формировали что-то вроде воротника и дополняли женскую или мужскую одежду. Красочные украшения, как правило, контрастировали с белой тканью, колонноподобные фигуры — с черными густыми волосами или париками, которые геометрически обрамляли лицо. Грим накладывали и мужчины, и женщины. Согласно существующей традиции подкрашивались губы, брови и глаза. Во времена Нового царствования одежду фараонов в Древнем Египте была еще более стилизованная, роскошная. Наряды отличались многообразием красок.

одяг фараонів в стародавньому Єгипті
Основу женской одежды в Древнем Египте положил прямой облегающий сарафан, который держался на одной или двух лямках и назывался калазирис. Длина изделия преимущественно до щиколоток, грудь оставалась обнаженной, благо климатические условия приветствовали такую ​​откровенность. Одежда женщин-рабынь в Древнем Египте, согласно найденным изображением, в некоторых случаях могла ограничиваться узким поясом и украшением. Со временем мода Древнего Египта совершенствуется и в первую очередь это коснулось женской одежды высших сословий. Калазирис в своем первоначальном виде остался уделом простолюдинов, а знатные дамы надевали поверх его красивые накидки со сложной драпировкой, оставляя одно плечо обнаженным. 

Картинки по запросу одежда древнего египта фото

Положенный только женщинам калазирис впоследствии стали носить и мужчины. Начали появляться новые элементы одежды. Одним из них стал верхний плащ. Он был чем-то вроде шали, мягко собранной в складки сверху жилетки и перекрещенной на груди. В результате образовались короткие рукава. В новой одежде снова можно увидеть стилизованный треугольник. Он прослеживается в форме рукавов и в юбке, передняя часть которой выглядела как колокола. Но сейчас это не столько геометрическая фигура, а больше стилизованный лотос. Одежда фараонов в Древнем Египте всегда была дополнена украшениями. Среди ремесел в те времена была популярна гравировка и чеканка. Египтяне умело обращались с драгоценными камнями и их аналогами. Именно от этой цивилизации пошли различные украшения: диадемы, браслеты, серьги, броши, кольца и прочее.

одяг стародавнього Єгипту обговорення
Украшения были неотъемлемой частью наряда людей высших классов. Одежда вельможи в Древнем Египте отличалась роскошью. Следует отметить, что ювелирное искусство этого народа как с художественной выразительности, так и по техническому исполнению никто так и не смог превзойти. Египетская мода, драгоценности, как, впрочем, и все искусство в целом, практически во все времена привлекали своей таинственностью. В современном же мире они в прямом смысле пережили возрождение. На то повлияло открытие в 1920 году гробницы Тутанхамона.
Если характеризовать в целом моду этой древней цивилизации, то можно выделить несколько основных особенностей:
Особую роль отводили египтяне аксессуарам, различным поясам, браслетам, ожерельям, головные уборы применялись с целью выделить и подчеркнуть свою классовую принадлежность, а также украсить одежду простого кроя.
По своему фасону одежда низших и высших слоев общества практически не отличалась. В этом случае основной акцент делался на качество ткани и декоративную отделку, с помощью которой можно было легко определить статус ее владельца.

одяг вельможі в стародавньому Єгипті
Хорошо прослеживается в покрое одежды и украшениях геометрическая тематика — это пирамиды, треугольники, трапеции.
В особом почете находилась обувь и головные уборы — однозначно привилегия элиты и приближенных лиц фараона.
В качестве основного материала использовался лен, производство которого достигло в то время своего совершенства.

Пьер Карден

https://www.google.com.ua/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwiz6ZHVtuvUAhXEdpoKHUQcAp8QjRwIBw&url=http%3A%2F%2Foutletov.net%2Fgoodtoknow%2Fistorii-brendov%2Fper-karden-pierre-cardin%2F&psig=AFQjCNFBdCf5NRDbt-0cvAwln_-jy787pw&ust=1499113231483868

Французский модельер итальянского происхождения

Пьер Карден (фр. Pierre Cardin, итал. Pietro Cardin) появился на свет 2 июля 1922 года неподалёку от Венеции (Италия). Его отец был виноделом и мечтал о том, что сын продолжит семейное дело. Однако у Пьера были свои планы на этот счёт. Получив образование во Франции, он идёт работать подмастерьем к портному. В 1945 году он переезжает в Париж (Франция). Перспективный молодой модельер попадает в поле зрения Кристиана Диора, который предлагает ему работу. Пьер вдохновенно создаёт одежду, которая привлекает к себе внимание. В 1950 году он создаёт собственный дом моды, а впоследствии открывает в Париже свои фирменные магазины – «Адам» и «Ева». Карден славится своей любовью к абстрактному дизайну, именно поэтому он считается авангардистом в мире моды. Многие его изделия не совсем пригодны для повседневной носки, тем не менее они очень ярки и оригинальны. В 1960 году Пьер Карден первым создал коллекцию мужской одежды, разрушив тем самым представление, что мода интересна только женщинам. Также он одним из первых занялся джинсовым направлением и моделированием одежды для молодёжи и детей. Кроме того, он является изобретателем многих модных изделий (им запатентовано более 500 изобретений), которые уже прочно вошли в наш обиход: высокие сапоги, цветные чулки, пиджаки без воротников и т.д. Причем не только в области моделирования одежды, но и в архитектуре, на транспорте, в сфере рекламы товаров и всякого рода зрелищ. Как гарантию качества имя Кардена носят 800 различных изделий, 8 тысяч магазинов, два театра, рестораны, часы, парфюмерия, сигареты, зонтики, ремни, сумочки… По мнению специалистов, годовой оборот его компании составляет более 10 млрд. долларов. Кроме того, Карден является владельцем ресторана «Максим» и одноимённой торговой марки, а также владельцем и основателем собственного театрального коллектива. Много лет назад он собрал актерскую труппу, которая постепенно выросла в профессиональный театр. Знаменитый модельер неоднократно посещал Россию. Он шил костюмы к балетным постановкам Майи Плисецкой: «Анна Каренина», «Вешние воды», «Чайка», а также к различным спектаклям московских театров. Карден стал первым кутюрье, избранным членом Французской академии изящных искусств и является ее почетным академиком. В ноябре 2008 года он получил звание почетного члена Российской академии художеств, а в 2013 году стал кавалером ордена Дружбы. Также Пьер Карден является командором ордена Почётного легиона, Национального ордена «За заслуги», кавалером ордена искусств и литературы, ордена Франциска Скорины (Белоруссия), а также обладателем множества других международных и французских наград. Знаменитый модельер Пьер Карден и сегодня полон творческих планов и идей, а еще он любит повторять: «Чтобы стать кутюрье, им надо родиться».

Источник: http://www.calend.ru/person/447/
© Calend.ru

Карден вышел из бедной крестьянской семьи. Его отец был простым венецианским рабочим, который вскоре перебрался с семьей во Францию.

Именно здесь Пьер и создал собственный мир моды. Пьер Карден запатентовал более 500 изобретений, среди которых: высокие сапоги, цветные чулки, узкие брюки на пуговицах, мини-сарафаны, длинные пиджаки без воротника и т.д. Модельер одним из первых в модной индустрии занялся джинсовым направлением.

Сегодня модельер владеет рестораном «Максим» и одноимённой торговой маркой, а также является одним из самых крупных собственников во Франции.

Картинки по запросу пьер карден картинки

Некоторые цитаты

Когда после войны я начинал создавать свою линию одежды, во всем мире было всего-то два десятка кутюрье. Сейчас их сотни. Но моды больше нет.

Хорошо одетый человек тот, кто считается с собой и с другими.

Если бы мои платья были из бронзы, меня называли бы скульптором.

Духи — это память, которая не подводит.

Мы раздеваем мужчин и женщин, мы их больше не одеваем.

Богатство кружит голову лишь кретинам, — подчеркивает Карден, — мне же нужны деньги лишь для того, чтобы творить.

Мое имя стало важнее, чем я сам.

Картинки по запросу пьер карден картинки

Я люблю успех, от меня никогда не отворачивалась фортуна, но я равнодушен к богатству.

Если бы мне пришлось начинать все сначала, я не знал бы, что делать — все уже придумано.

Мне говорили, что прет-а-порте убьет мое имя, но оно спасло меня.

Не так много людей, которые могут сказать, что они счастливы в жизни, но я могу сказать, что я счастлив. Я преуспел во многом. Я занимался тем, чем хотел, это касается и моды, и театра, и бизнеса. Я объездил весь мир. Сорок раз я совершал кругосветные путешествия…

Картинки по запросу пьер карден картинки

Информационный дизайн

https://www.google.com.ua/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjpqPKCsszUAhWpC5oKHU1SCFIQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fdesign.zecho.ru%2Fworks-indoor-stend-03.php&psig=AFQjCNFE0VPWniKpj_5hUv7JdR6wqocYFA&ust=1498046920828154

Определение информационного дизайна

Информационный дизайн — отрасль дизайна, практика художественно-технического оформления и представления различной информации с учётом эргономики, функциональных возможностей, психологических критериев восприятия информации человеком, эстетики визуальных форм представления информации и некоторых других факторов.
В информационном дизайне традиционные и новые принципы дизайна применяются к процессу преобразования сложных и неструктурированных данных в ценную, осмысленную информацию. С помощью картинок, символов, цвета, слов происходит передача идей, иллюстрация данных или визуализация отношений.
По Роберту Хорну из стэндфордского университета информационный дизайн — искусство и наука подготовки информации таким образом, чтобы она могла быть эффективно использована людьми.
Дино Карабег дал следующее определение информационного дизайна: «Информационный дизайн — это дизайн информации».
В цитируемой работе определение развёртывается: информационный дизайн противопоставляется традиционному информированию, при котором профессионалы в своей области ведут информационную коммуникацию традиционными средствами, используя традиционные для той или иной сферы деятельности каналы. Для информационного дизайна важны ответы на следующие вопросы:
Каковы цели информации в данной культуре?
Как они могут достигаться эффективнее?
Каким новым целям может служить информация?
Как информация должна быть представлена, чтобы достичь целей?
В своей статье Герлинде Шуллер (Gerlinde Schuller) приводит следующую формулу информационного дизайна: «Информационный дизайн = Сложность + Междисциплинарность + Эксперимент».
Информационный дизайн делает сложные наборы фактов доступными восприятию, требует междисциплинарного подхода к коммуникации, например, сочетая умения графического дизайна, трёхмерного дизайна, цифровых технологий, когнитивистики, теории информации, культурологии, следует развивать в направлении экспериментирования, расширяя репертуар средств и не исключая из рассмотрения сложные системы.
В сборнике Information design[3] Джеф Раскин заявил, что «информационный дизайн» — неправильное название, так как саму информацию нельзя проектировать, в отличие от способов её передачи и представления.

Картинки по запросу Информационный дизайн картинки

Принципы

Основной целью информационного дизайна является ясность коммуникации: сообщение должно не только быть точно передано отправителем, но и правильно понято получателем.
Информационный дизайн строится на функциональных и эстетических принципах.
К функциональным принципам можно отнести:
— облегчение понимания и обучения;
— чёткая структура сообщения;
— ясность;
— простота;
— единство (англ. unity) элементов сообщения;
— обеспечение высокого качества сообщения;
— уменьшение стоимости.
К эстетическим принципам относятся:
— гармония и пропорциональность.

Похожее изображение

История

Термин англ. information design, обозначающий междисциплинарную область исследований, появился в 1970-х. Некоторые графические дизайнеры стали использовать этот термин, а в 1979 году стал выпускаться журнал «Information Design Journal». По воспоминаниям редактора журнала, новое издание имело целью привнести дизайнерский процесс (планирование) в информационную коммуникацию, содержание и язык в дополнение к форме, в противовес броской информационной графике той поры. Необходимость наглядного представления информации возникла давно, и характерные для информационного дизайна работы в виде инфографики появились задолго до определения самого понятия:
Иллюстрация из «Эссэ о рабстве и коммерции рода человеческого» Томаса Кларксона, 1786;
Карта распространения холеры Джона Шоу (англ.)русск., 1854;
Марш Наполеона Шарля Минарда (фр.)русск., 1861;
Карта лондонской подземки Харри Бека (англ.)русск., 1933;
Диаграмма отношения музыкальных нот Куинби (англ. E.J. Quinby), 1941
и другие.

Картинки по запросу Информационный дизайн картинки

Методы дизайна

Сортировка карточек

Сортировка карточек является одним из методов проектирования структуры веб-портала или программного приложения, в котором участвуют потенциальные пользователи. Метод направлен на выявление структуры, упрощающей нахождение нужной информации пользователями. Суть метода заключается в распределении карточек с названиями материалов сайта по группам. Имеются открытая и закрытая разновидности метода, в зависимости от того, имеют ли пользователи возможность создавать свои группы или же набор групп жёстко задан. К достоинствам метода относятся его простота, дешевизна, быстрота проведения, проверенность временем, привлекательность для пользователей. К недостаткам можно отнести отсутствие учёта задач пользователей, разброс результатов, трудоёмкость анализа результатов, возможная поверхностность.

Распространённые приёмы

Акцентирование

Изменением различных параметров текста (размера и начертания шрифта, позиции, и т. п.) можно добиться контраста для части текста, на который необходимо обратить внимание читателя.

Параллельное изложение

Заметки на полях — параллельные тексты, фонарики (жарг.) — помогают привлечь внимание к наиболее важным моментам.

Добавление «воздуха»

Значимые части материала можно выделить путём окружения его пустым пространством — «воздухом». «Воздушный» документ и его части приятнее и легче читать, придаёт тексту изящество.

Картинки по запросу Информационный дизайн картинки

Излишняя усложнённость

Одной из проблем с информационным дизайном можно считать его излишнюю усложнённость (англ. over-designed), которая может выражаться в наличии отвлекающих внимание элементов.

Применение

Информационный дизайн находит применение в различных областях деятельности, таких как:
— информационные материалы (в любом виде) и формы для получения информации;
— внутренний документооборот предприятия;
— указатели и организация среды для ориентации (англ. wayfinding) в пространстве.

Источник

 

Translate »